Kaijū no kodomo - Los niños del mar - 海獣の子供 - Children of the sea

Kaijū no kodomo es una película anime largometraje dirigida por Ayumu Watanabe, que hasta la fecha había trabajado también en la dirección de los anime de Space Brothers (Uchū kyōdai), o Ace Attorney o Doraemon.

Adapta el manga del mismo título. Que es posible lograr en español editado en 2016 por ECC ediciones en 5 gruesos tomos.

Su director vio en el manga analogías con "2001: una odisea espacial"  y una oportunidad para aportar su propia visión del origen de la vida y el universo.

El proyecto ha sido impulsado por Studio 4ºC tardando seis años en producirse. Con técnicas bastante revolucionarias y, como es habitual en este estudio, combinando magistralmente dibujo animado en 2D tradicional con animación 3D compuesta por ordenador.

El resultado es un espectáculo visual desde el principio hasta el fin. Con la trama argumental reducida a la mínima expresión para poder disfrutar de más minutos, sin palabras, de pura contemplación.

Es una película madura por lo que es comprensible que algunos espectadores les cueste entender que los secretos del universo no tienen por qué tener una explicación que una mente humana pueda comprender.

También es posible que el especador entienda la poesía que suyace en toda la película y acabe encantado con el espectáculo.

A nivel argumental la historia comienza con Ruka, una chica de instituto que tiene un roce con una compañera de clase durante un partido y no pudiendo expresar sus emociones.

Ruka tiene una vida familiar difícil y descubre que en el trabajo de su padre, el acuario de Enoshima, hay dos niños que están siendo custodiados porque parecen no poder vivir mucho fuera del mar y fueron criados por bestias marinas.

La historia avanza hasta conducirnos al ciclo de la vida y el universo entero mostrado desde la óptica que aporta la vida marina que parece tan infinita e inabarcable como el universo; y parecen guardar secretos que sólo estos dos niños del mar parecen entender mejor que el resto de la humanidad. Mientras, otros sólo hacen vanos intentos por hacerse con la información que quizás no les corresponde conocer; mientras otros prefieren dejarse llevar y ayudar a los niños a que completen su misión.

En el apartado musical, por si no fuera bastante con las hipnóticas imágenes de esta producción, está la batuta del maestro Joe Hisaishi que ha hecho una banda sonora de lo más emotiva.

Tenki no ko - El tiempo contigo - 天気の子 - Weathering with you

La película de Makoto Shinkai estrenada en julio de 2019 fue nominada para representar a Japón en los Oscar, no en categoría de Mejor animación, sino a Mejor película de habla no-inglesa.

La academia de Hollywood no acabó por seleccionarla como candidata como sí hizo con El viaje de Chihiro, o la más reciente Mirai no Mirai; pero esto indica la importancia que se dio al film desde tierras niponas que, con la espectativa muy alta, por el anterior trabajo de Shinkai, Kimi no na wa (Your name), se estrenó con un mensaje de prudencia y disculpa previa del propio director procurando bajar las pretensiones del espectador. Pues las comparaciones son odiosas y aquí iba a ser practicamente inevitable compararla con su anterior trabajo.

Tenki no ko tiene el estilo de dibujo habitual en el estudio Comix Wave con el detallado realismo que procura dar siempre Makoto a los escenarios urbanos. En una linea muy pareja con la de las películas de Mamoru Hosoda.

El guión está estructurado de forma bastante clásica, con una presentación de personajes y situación, problema y desenlace. Con un elemento nada esperado en películas de Shinkai: Un pistoletazo de salida que da comienzo cada acto. No le falta tampoco cierto toque de fantasía como ya tuviese Your Name o Viaje a Agartha. Aunque, en esta ocasión, no hay extraños saltos temporales en la trama ni se retuerce en exceso la historia.


La película cuenta como Hodaka Morishima, un estudiante de instituto que llega a Tokio huyendo de la vida con su familia en el Japón rural(no es exactamente la historia de Your Name al revés) intentando lograr trabajo a tiempo parcial para quedarse en la ciudad.

Hodaka consigue trabajar con un pequeño editor que redacta para revistas por encargo. E investigando un artículo sobre una superstición conoce a Hina otra chica en difícil situación.

Como en la ciudad lleva meses lloviendo sin parar y Hina tiene el poder de detener la lluvia por un tiempo. Lo que en Japón se relacionaría con una 晴れ女 (Hare onna - Mujer del buen tiempo); gente que parece que con su presencia atraen al buen tiempo; Hodaka ve en ese poder un filón para hacer negocio y convence a Hina para utilizarlo. Pero el beneficio conllevará un alto coste para Hina que Hodaka no está dispuesto a asumir.

De nuevo la música en la película corre a cargo de Radwimps, con un destacable coro para el momento climático de la película. Con romance a la Shinkai.

Es una película bonita, entretenida y llena (pero que muy llena) de guiños y sorpresas de otros anime(Hosoda resuena mucho), y más de un celebrado cameo.
Tan celebrado que casi se aplaudía en la sala de cine donde la vi.

Yakusoku no neverland / 約束のネバーランド / The promised neverland

Esta serie estrenada en enero de 2019 se basa en el manga de la Jump de Kaiu Shirai (en el guión) y Posuka Demizu(al dibujo) que sigue en publicación desde 2016. Puede leerse cada semana un nuevo capítulo en la app oficial de la Jump "Manga plus". Además se publica en España por Norma editorial.

El anime no sólo tiene un dibujo y puesta en escena moderno y detallado sino que la historia te atrapa desde el primer episodio, y no te deja soltarlo hasta que acaba la temporada en el episodio 12.

Los protagonistas se preguntan qué habrá más allá del orfanato en el que viven confinados; y por qué los niños que fueron adoptados no se han vuelto a comunicar con ellos. Conforme averiguan cosas deciden pasar a la acción cuando descubren que nada es lo que parecía ser.

Es una historia de misterio y suspense con personajes carismáticos y llenos de inteligencia deductiva, que parece seguir la ola que levantaron series como Death Note o Shingeki No Kyojin. A mitad de camino entre la historia de fantasía y el puro suspense detectivesco donde hay que averiguar qué es lo que se oculta al espectador y cómo resolveran problemas de muy difícil solución para pequeños huérfanos que cada día evaluan sus habilidades como niños superdotados.

La música del opening está realmente bien y transmite la energía necesaria para ver la serie sin indiferencia. La lleva a cabo UVERworld que, si no los conoces, son míticos por haber participado también en openings o endings de Bleach, Blood+, Ao no exorcist, Gundam 00, o Nanatsu no taizai (The seven deadly sins).

El ending de Cö shu Nie también es interesante y me recuerda el estilo de las últimas canciones de Ryo de supercell o a cierto ending del anime Kakegurui.

Lo mejor y a la vez lo peor de la serie, según se mire, es que todos los episodios acaban en "cliffhanger"; al estilo de LOST(Perdidos). Como si una serie tan corta necesitase desesperadamente que el espectador se muera de ganas por ver el siguiente episodio, o se acaba el mundo.

Carole & Tuesday

Con Shin'ichirō Watanabe al timón como director general de su último anime producido por los estudios Bones,  Carole & Tuesday ha sido un gran éxito de la temporada de primavera y verano de 2019 en Japón.

La serie habla de las dos chicas que dan nombre a la serie; procedentes de mundos opuestos que coinciden en una próspera ciudad de Marte, de un futuro próximo, donde deciden iniciar juntas una carrera para abrirse camino en el mundo musical.

Gus, un agente venido a menos tratará de ayudarles junto con Roddy quien las descubre en un ensayo en plan "guerrilla" infiltrándose en un auditorio sin permiso.

También conoceremos a Ángela una joven modelo de la misma edad que Carole y Tuesday pero que ya cuenta con la supuesta ventaja de la fama.

La trama no se queda en una simple competición entre Ángela y las chicas.

Cada episodio es una celebración de la música en mayúsculas. Con un largo desfile de personajes que recuerdan a grandes artistas del pop, rock, o hip-hop que existieron o existen en nuestro planeta.

Como pasase en Cowboy Bebop, cada episodio tiene el título de una canción. Pero a diferencia de la vieja serie, donde las canciones eran originales de Yōko Kanno, los títulos de ésta son de canciones ya existentes de artistas conocidos que inspiran o tienen alguna relación con los hechos del capítulo.

Cada episodio tiene además temas musicales geniales que se han recopilado en dos álbumes de la serie. Y varios conciertos ya ofrecidos, y pendientes de ofrecer el año que viene, por las talentosas chicas de carne y hueso que cantan las canciones, e incluso han posado para dibujar mejor sus movimientos al interpretar la música.

El futuro mostrado de Marte se parece mucho a nuestra presente Tierra. Tanto en temas políticos, que chocan siempre con la libertad de expresión que defienden los artistas; como en la misma urbanización y forma de ser de distintas ciudades.

La escenografía es la segunda maravilla de la serie; después de la música.

Además de artilugios futuristas vemos edificios parecidos a Nueva York, grandes puertos comerciales asiáticos, o ciudades favela brasileñas. Un poco de todo, conformando la ciudad de Alba city; Parte que Watanabe encargó a dos artistas franceses artífices de "Studio No Border" afincados en Japón que han colaborado con Bones.

Sólo con leer Shin'ichirō Watanabe, si aún no has visto la serie ya tendrías que ir corriendo a buscarla sin dudarlo.

Su curriculum incluye títulos tan famosos como Zankyō no terror, Blade Runner Blackout 2022, Sakamichi no apollon(Kids on the slope), otra serie con la música como protagonista; o Samurai Champloo.

Carole & Tuesday se distribuye por Netflix. En España, por ahora, sólo los 12 primeros episodios.

Dororo (2019)

Osamu Tezuka es conocido como "dios del manga" pero fue también padre del anime moderno tal y como lo conocemos.

Como conmemoración de los 50 años desde que la productora de Tezuka, Mushi Productions, estrenase su serie "Dororo"(1969) adaptando el manga de Tezuka de 1967, "Dororo to Hyakkimaru", el estudio Mappa ha hecho un gran trabajo de adaptación. Con la diferencia fundamental de que el original fue realizado en blanco y negro para abaratar costes.

Tanto la serie clásica como la de 2019 son gratamente disfrutables aunque, como es natural, la nueva serie tiene toques más modernos y se permite el lujo de contar con distintos directores que le aportan un estilo diferente en ocasiones. Algo que a veces le resta consistencia al conjunto del anime. Especialmente, hay bastante consenso entre los aficionados de que el episodio 15, firmado por el director Osamu Kobayashi, desentona con el resto de la serie.

Dororo es un personaje callejero que aún no ha superado la niñez y sobrevive sin sus padres entre rateros en mitad del Japón de estados en guerra hasta que se topa con Hyakkimaru; un ser desprovisto de prácticamente todas las partes de su cuerpo, que carece de vista, oído y demás sentidos pero compensa con una visión sobrenatural ante el "aura" de los seres vivos y unas espadas camufladas en el lugar de sus brazos protésicos.

Dororo y Hyakkimaru inician un camino juntos enfrentándose a demonios que poseen las partes que robaron a Hyakkimaru cuando nació; y devolviéndoselas cuando son derrotados. Siendo huérfanos o abandonados por sus padres, ambos personajes conectan pronto y se complementan llegando a depender Hyakkimaru, alguien capaz de matar un enorme demonio, más de Dororo que Dororo de Hyakkimaru.

Es un anime de época, lleno de acción y seres sobrenaturales en medio de la cruel era Sengoku. Pese a todo tiene un toque natural de humor mezclado con filosofía y dramatismo. Es un anime muy recomendable por su valor estético y personajes interesantes.

Destacan el tema musical del opening de la banda J-Rock Queen Bee, 火炎 "Kaen"; y el tema del ending de la banda J-Rock Amazarashi, "Sayonara Gokko". Que son un gran envoltorio para los 24 minutos de la primera mitad de sus 24 episodios.

Amazon Primevideo ha ofrecido el anime prácticamente en simulcast. Con un nuevo episodio cada semana desde principios de 2019 hasta que se concluyó su emisión en Japón.

Modest Heroes『ちいさな英雄』 Chiisana eiyū

Tras su primer largo como estudios herederos de los medio extintos Ghibli, Mary y la flor de la bruja, Studio Ponoc estrenó en 2018 esta película de animación compuesta de tres cortometrajes de distintos directores del estudio.

Modest Heroes, con título original 『小さな英雄』ーカニとたまごと透明人間ー (Chiisana eiyū. Kani to tamago to tōmei ningen.) Nos muestra tres historias de héroes pequeños. Pequeños, en todos los sentidos que puede tener la palabra. Y sin embargo no es una película dirigida exclusivamente al público pequeño de edad. Al contrario, me ha sorprendido especialmente la segunda y tercera historia; que en absoluto se acercan a obras del estilo de "Totoro" o "Ponyo" y quizás, se puede decir, se alejan del influjo del "genio cascarrabias", Hayao Miyazaki, para experimentar otros campos de la animación moderna. Con tres diferentes formas de ver la animación.

El corto de Hiromasa Yonebayashi 『カニーニとカニーノ』(Kanini to Kanino), muestra a unos héroes de tamaño reducido, recordando a aquellos personajes que fueron adaptados de la novela de Mary Norton, "The borrowers", con la que Yonebayasi debutó como director de anime en "Arrietty" estando aún en Studio Ghibli, pero en este caso los hermanos Kanini y Kanino son unas criaturas anfibias que viven bajo el agua. Este hecho hace que la historia carezca prácticamente de diálogos; Y sea una experiencia puramente visual, con una sucesión de imágenes técnicamente impecables.

El segundo cortometraje, dirigido por Yoshiyuki Momose, 『サムライエッグ』(Samurai Egg) -Life Ain't Gonna Lose- es un drama de superación que quita el aliento. No en el sentido de una historia trepidante de acción, sino todo lo contrario. Es una historia realista del mundo actual donde se muestra la vida de un niño que debido a una enfermedad, alergia al huevo, no puede hacer vida normal como los demás y el modo valiente en que afronta sus problemas, como un pequeño gran héroe.

El tercer cortometraje, dirigido por Akihiko Yamashita, 『透明人間』(Tōmei ningen), es quizás el más surrealista; Mostrando la triste vida de un hombre invisible, tan invisible que la gente no sólo no le ve sino que no le hace ni caso. Pero todo el mundo puede ser un héroe. Por muy insignificante que crea ser para los demás.

El cuarto cortometraje nunca se llegó a terminar. Ya que Studio Ponoc lo encargó a Isao Takahata antes de su muerte en abril de 2018(con 82 años) y se quedó sin hacer. Sin embargo, su influencia es agradecida por todo el estudio; y creo que con "Samurai Egg" se suple en parte su ausencia dado que Momose ha hecho un guión que realmente conmueve y alegra a partes iguales y ha sabido dar vida a la animación de sus personajes próxima al nivel que lograba Takahata porque, no en vano, Yoshiyuki Momose fue mano derecha de Takahata.