Mirai no Mirai - 未来のミライ

El 15 de marzo se estrenó en España la última película de Mamoru Hosoda con el título de "Mirai, mi hermana pequeña".

En Japón se estrenó en verano de 2018, y su título original es 『未来のミライ』(Mirai no Mirai). En este caso 未来 Mirai, el compuesto en kanji, significa futuro, o algo más concretamente, "el mundo que está por venir". Y Mirai también es el nombre de la nueva hermana de Kun, el protagonista de la peli.

Este juego de palabras hace la traducción algo complicada. Se podría interpretar simplemente como "El Futuro de Mirai" pero también como "El mundo que está por venir donde está Mirai", o "Mirai, que representa el futuro". El idioma es así de ambiguo.

De todos modos uno de los títulos internacionales es "Mirai of the Future". Y el chino de Taiwan es 未來的未來。

El argumento es sencillo: Kun-chan con apenas 4 años espera despreocupadamente la llegada de su nueva hermana pequeña Mirai con la que seguro va a poder jugar mucho más que antes cuando era hijo único. Pero no ha asumido que todavía será pequeña para jugar y que sus padres, que hasta entonces siempre se habían preocupado de él por encima de todo lo demás, en ese momento tendrán la prioridad de hacerse cargo del bebé.

Como cabe esperar en un niño de su edad, los celos y las ganas de llamar la atención más de la cuenta lo llevan a comportarse de forma deplorable hasta que empieza a recibir visitas de otros familiares y allegados de otro tiempo y le muestran su punto de vista y el modo en que ellos actuaban antes que él, y lo improbable que es que Kun-chan y cada miembro de su familia hayan llegado hasta su tiempo y pensar en las posibles consecuencias que su comportamiento puede acarrear en el futuro.

Hosoda ha logrado con esta película su primera nominación al Oscar a Mejor película de Animación; quedando finalista entre los 5 nominados del año.

En mi opinión no es tan profunda como sus anteriores obras pero eso es algo totalmente intencionado.

Hosoda no quiere mostrar una historia llena de acción y situaciones sorprendentes donde un niño hace cosas imposibles y "salva el mundo". Sino todo lo contrario. Una historia donde un niño es un niño y no pasa nada especial. Eso es lo original y lo bueno de la película.

Tiene una buena dosis de escenarios donde destaca Yokohama y la prefectura de Kanagawa. Y la estación de Tokio con cierta subjetividad desde los ojos del niño, algo reformada, con toques de viejas estaciones parisinas y londinenses, según ha explicado Hosoda en varias entrevistas sobre el film.

La película es una serie de relatos divertidos bien hilados que poco a poco se van anticipando en la trama.

Destaca por el color y dibujo detallado al que nos tiene acostumbrados Mamoru en todas sus películas desde "La chica que saltaba a través del tiempo" a "El niño y la bestia" y una puesta en escena realista que contrasta con el toque de fantasía y la comedia salpicada con distintas emociones que transmite la transición del pequeño niño protagonista hacia una prematura madurez como corresponde a un hermano mayor.

También se pueden apreciar, en escenarios y situaciones, continuas alusiones sutiles a todas esas anteriores películas de Hosoda. Como si dijera -Mirad. ¿Os acordáis de esta escena en la otra película que hice?-

Ninja Batman

Esta película, distribuída por Warner Bros a nivel mundial y disponible en Netflix, está realizada por los estudios Kamikaze Douga que son conocidos por algunas series de Jojo o el anime Poputepipikku.

Es un largometraje anime que presenta al héroe de capa de murciélago famoso de DC comics en una atípica situación donde retrocede en el tiempo para enfrentarse una vez más al Joker y a señores daimyo, que han sido reemplazados por otros archienemigos de la franquicia fugados de Arkham, en el Japón feudal de entre guerras.

La realización y ritmo es bastante buena con una historia medianamente compleja y multitud de personajes del mundo de Batman y de las leyendas del Japón del período "sengoku".

Es una película con mucha acción y bastante fantasía. Agudizando el ingenio para lograr los sofisticados artilugios del héroe enmascarado pero apenas con los medios disponibles 5 o 6 siglos atrás, dándole algo más que un toque steampunk a la película.

La película es original al cambiar su escenario habitual de Gotham por el antiguo Japón mezclando dos cosas que no existen en la realidad como Batman y los ninja. Jeje. Pero funciona y entrentiene.

No es la primera película anime de Batman que se estrena pero sí la primera realizada integramente por estos estudios a modo de película guionizada sin episodios sueltos.

Un asunto de familia 『万引き家族』Shoplifters

La primera película con la que el prolífico cineasta Hirokazu Koreeda (ya reseñado en este blog con Kiseki) ha conseguido nominación a Mejor Película de habla no inglesa para los premios Oscar de 2019 se titula en japonés "Manbiki kazoku" (familia hurtadora). Conocida internacionalmente como "Shoplifters", o "Un asunto de familia" en España.

No es una película de acción, ni de un gran sentido de la comedia o el drama pero relata de forma muy serena y realista el día a día de una "típica familia japonesa" contado desde el prisma del contraste y los extremos de la marginación que, de todas formas, son casos que bien pueden suceder en la realidad de forma aislada. Sólo que en el caso de esta "típica familia" se juntan en uno.

El director, guionista, editor, y productor nos muestra su idea de forma casual, quizás con un ritmo demasiado sereno a la hora de dosificar la información sobre la situación que nos presenta. Pero lo hace sin contar nada superfluo, ni ocultar detalles imprescindibles para entender la historia al llegar al final de la película.

Quizás con un final muy japonés. Con la estética de lo inconcluso donde: "El final perfecto es inconcluso." 未完(mikan = inconcluso - Palabra compuesta por los kanji de "todavía no" y "perfecto"). Un final que mira directamente al espectador y le hace preguntarse por todos los temas que se tratan en las cerca de dos horas que dura la película y que realmente están todavía sin resolver; Especialmente en la sociedad japonesa.

Temas como la familia, la "verdadera familia", el maltrato, las adopciones, el juego, la eufemísticamente llamada industria del entretenimiento de compañía, o la industria sexual, el valor que se le confiere al dinero, la propiedad ajena, etc; son temas que se retratan mediante un prisma de personajes que todo el mundo diría que no hacen bien las cosas pero esta "familia hurtadora" acaba por robarte el corazón.

La discreta banda sonora acompaña al ritmo de la película con el estilo de un veterano musical llamado Haruomi Hosono que la ha realizado pasando ya de los 70 años. Este músico tiene cierta relación con la vieja película de Ghibli de 1984, "Nausicaä del valle del viento".

Haruomi Hosono no es el compositor de Nausicaä, sino Joe Hisaishi (eterno compositor de películas Ghibli); pero resulta que el motivo musical, la canción que canta la protagonista cuando es niña y se repite sin parar en Nausicaä, la compuso este mismo músico, que fue miembro fundador de la banda folk-rock "Happy End" y de la banda techno-electro j-pop YMO "Yellow Magic Orchestra". Además una de sus canciones, "Kaze wo atsumete", aparece en la película de 2003 de Sofia Coppola "Lost in translation".

Por último, aunque sea su primera nominación al Oscar, y habiendo visto también la impresionante Roma de Cuarón con la que compite, deseo que Koreeda se lleve la estatuilla porque con ésta y las anteriores películas de su carrera ha demostrado que domina bien el medio del lenguaje cinematográfico. Que haya suerte.

Despedidas - おくりびと Okuribito

Para despedir el año aquí dejo una pequeña reseña y opinión de la película de acción-real "Despedidas" para variar un poco y saldar cierta deuda pendiente cuando escribí la reseña del primer live-action comentado en el blog, Kiseki. Para aquellos que aún no hayan visto esta buena película o quieran echar un poco la vista atrás.

El premio Oscar a mejor película extranjera de 2008 se lo llevó Japón con esta película.

Parte de una estructura clásica donde el protagonista se ve obligado a abandonar su vida cotidiana y empezar una nueva vida no exenta de dificultades. Alguien le guía y podrá acabar recuperando el impulso en su vida. (Piensa por ejemplo en "A new hope", de Star Wars.)

El personaje protagonista se llama Daigo el cuál se ve repentinamente sin trabajo tras pagar un gran crédito para el carísimo cello con el que actuaba en una orquesta sinfónica de Tokio al disolverse ésta. El alto nivel de vida de la ciudad y la falta de recursos le obliga a mudarse con su pareja a su tierra natal en Yamagata para llevar una vida más modesta. El primer trabajo que encuentra es un tanto peculiar, asistente de funerales.


La película conocida en inglés como "Departures", en japonés se titula 『おくりびと』 (Okuribito). En su sentido literal se refiere a las personas que acompañan a despedir a alguien por ejemplo en un aeropuerto o en una estación. Y no a una despedida en sí.

En clave de comedia, donde tristeza y alegría se entremezclan sutilmente, muestra ese equilibrio natural que hay entre la vida y la muerte. No hay nada como pensar en la muerte para aprender a disfrutar de la vida.

Lo que esta película hace muy bien es mostrar el contraste entre costumbre antigua llena de simbolismo del ritual funerario japonés y modo moderno corporativo carente de tacto, interesado en el volumen de negocio más que en el detalle y aportar consuelo a familiares y seres queridos del fallecido.

Pese al tema que trata no llega a extremos escabrosos y ofrece una buena dosis de humor e ironía haciendo más ligeras las dos horas y poco que dura la película.

En el tema musical, los habituales de este blog seguro que conocen más de una obra del compositor de la banda sonora que es, el músico fetiche de Miyazaki y otros directores del estudio Ghibli, Joe Hisaishi.

Un dato que siempre me llama la atención, cuando aparece, es la música con la que comienza la película: el cuarto móvimiento de la novena sinfonía de Beethoven.

Es una pieza que escuchamos por todas partes, como himno de Europa, Eurovisión, en películas como La Jungla de Cristal, etc. Pero también parece muy habitual en obras japonesas. Podemos oirla en Evangelion, en Gunslinger Girls, Read or Die y otros animes, series japonesas y películas más.

Quizás porque llevan cerca de 100 años con costumbre en Japón de representar este movimiento en año nuevo y la pieza es bien conocida en todo el país, como en todo el mundo. Quizás el "Himno de la alegría" es una buena forma de expresar ese sentimiento.

En cuanto a lugares visitables, la película nos muestra ese Japón rural de Yamagata, tan alejado de la gran ciudad. Paisajes rurales y montaña del norte de Japón con una vida y costumbres tan inmensamente diferentes del urbanita mundo moderno. Algo diferente con un toque nostálgico que quizás inclinó la balanza para hacerse con la estatuilla dorada de Hollywood.

Hataraku Saibō 『はたらく細胞』Cells at work

Esta serie anime empezó con fuerza este verano y se hizo muy popular en poco tiempo. No sólo en Japón sino por todo el mundo.

La serie es tan famosa que recientemente, desde el pasado 16 de noviembre, se ha estrenado una película de acción-real en cines japoneses basada en la obra. Y, como si no tuvieran bastante anime para emitir en las televisiones japonesas, tan sólo un mes después de concluirlo lo han vuelto a re-emitir en cadenas como Tokyo-MX.

Hataraku saibō(celulas que trabajan) muestra el cuerpo humano desde dentro de un modo muy similar a "Erase una vez la vida", serie educativa de origen francés de co-producción europea y otros países como Canadá, Suiza, España y, por supuesto Japón (que ha liderado la producción de series de animación desde hace mucho tiempo) que recordarán de los años 80s los más curtidos del lugar.

Hataraku saibō está basada en un manga orientado a público shōnen de la autora Akane Shimizu. Su fama ya es tan grande que cuenta con varios spin-off del manga en otros estilos, incluyendo manga para público shōjo y un manga seinen titulado "Hataraku saibō Black" que comentaré después.

La premisa de unos personajes antropomórficos que hacen de células, o determinados actantes de nuestro organismo, no es nueva. Pero sí lo es hacer una serie con mucha gracia, al mismo tiempo que afán de entretener y misma cantidad de rigor mientras enseña características de la biología del cuerpo humano con sus alrededor de 37 billones de células por humano adulto medio.

La trama cuenta con una protagonista, la eritrocito o hematíe novata con mal sentido de la orientación que acaba de empezar su trabajo como mensajera, un leucocito que se toma muy en serio su trabajo de avanzada en el sistema inmune, y las plaquetitas, otro grupo de células pequeñas y, como tales, en la serie tienen forma de simpáticos niños, de gran ayuda para el sistema inmunitario. Y varias células más que se van presentando poco a poco en un entramado urbanizado como una ciudad con sus calles señalizadas como 動脈 arterias, 静脈 venas, 肺 pulmones, etc. Y la importancia fundamental que tienen las células en el argumento de la serie; y buen funcionamiento de nuestro propio cuerpo.

Se muestran de forma muy entretenida los problemas que provocan virus y bacterias e incluso alergias al polen, larvas de anisakis e incluso el cáncer. Al mismo tiempo que se muestra el modo de actuar y procedencia de células sin las cuales realmente no podríamos vivir.

El anime tiene buenas dosis de acción, humor y metáforas con toque cultural japonés, donde el corazón es representado con toques de taiko y puertas torii por doquier. Mientras que un estornudo se representa con el lanzamiento de un cohete al exterior.

Esta serie hace que la biología se vuelva interesante. Y puede que sea causa de que nuevos médicos o biólogos empiecen su carrera con esta fantástica introducción. Que incluso a alguien a quien la hemoglobina y la sangre real le provoca cierta aversión puede gustarle y aprender cosas nuevas. Porque ciertos datos entran mejor con una sonrisa que a golpe de hincar los codos delante de un libro inanimado.

La música del opening es genial. Muy enérgica. El ending está cantado por el duo ClariS, aunque desde 2014 una de sus integrantes fue sustituida. Por lo tanto ya no son Clara y Alice (seudónimos) sino Clara y Karen.

La serie sólo tiene por ahora 13 episodios y deja con ganas de seguir viendo a los glóbulos rojos y demás vecinos hacer su trabajo.

El manga está siendo publicado también en inglés, y no me extrañaría verlo pronto también en librerías españolas. Aunque es más improbable que nos llegue el título seinen "Hataraku Saibō - Cells at work - BLACK", donde se muestra un cuerpo en peores condiciones con otras células protagonistas, esta vez con los roles invertidos de la estricta glóbulo blanco y un debilucho eritrocito que se enfrentan a situaciones límite. Aunque en los episodios del anime también se muestran situaciones complicadas para la supervivencia si no fuera porque al contrario que en "black" el sistema inmune suele estar fuerte y bien alimentado.

Es posible encontrar en Youtube, y otras plataformas, información y comparaciones de la serie con datos reales que identifican las distintas células-personaje con sus dimensiones reales o esperanza de vida. Hay incluso algún médico occidental que ha hecho vídeo-comentarios de varios episodios explicando lo acertados que son al respecto con la vida real.

Night is short, walk on girl 『夜は短し、歩けよ乙女』(Yoru wa mijikashi, arukeyo otome)

El título del largometraje podríamos traducirlo como "La dama que camina en la corta noche"; aunque yo diría que si se ha decidido comercializar con el título internacional en inglés es porque es algo difícil de traducir al español.

Masaaki Yuuasa que recientemente nos ha llenado de obras suyas gracias a su estudio ScienceSARU, ha hecho este original film, estrenado en 2017, con una frescura, humor, y desparpajo como no había visto desde que el mismo director hiciese Mind Game (2004).

La película muestra a una chica con ganas de comerse el mundo en una larga, o corta, noche festiva de celebraciones por Kioto a la que la suerte le sonríe y a su sempai del instituto, que tras largas temporadas de hacerse el encontradizo casual ha decidido por fin declararse del modo más efectivo posible, pero la indiferencia de la chica y el azar no se lo pondrá nada fácil en esta alocada noche.

Esta comedia romántica tiene un estilo con toque nostálgico que muchos críticos han valorado positivamente y ha recibido muy merecidos premios a mejor película de animación.

Más allá de las situaciones alocadas que se viven se nos van mostrando una serie de personajes y avatares de sus vidas que se entrecruzan una y otra vez con los de esta intrigante damisela de pelo negro que quiere empezar a disfrutar de lo que considera ha de ser la vida adulta. Con ritmo y estructura perfectos y un guión finamente hilbanado, se sigue la historia con interés de principio a fin haciendo uso de recursos llenos de imaginación y fantasía. Y, sobre todo humor. El humor es algo que Yuuasa se toma muy en serio. Porque Yuuasa es un genio pero de los que se hacen entender.

Aunque se introduzcan elementos que en ocasiones puedan rozar lo absurdo, al menos te lo hace pasar bien.


Me es difícil hablar de la obra sin hacer comparaciones. He notado un atisbo de la magia que Satoshi Kon incorporaba en sus películas, con cierto toque de "Tokyo Godfathers" (Culpa mía que aún no haya reseña de este anime en el blog; lo corregiré pronto. Que Kon-sama me perdone.). E incluso, un atisbo de Paprika. Pero sobre todo tiene estilo propio capaz de pasar la mano por la cara a los actuales enfant-terrible del anime como Mamoru Hosoda o Makoto Shinkai. He dicho.

Pero al margen de lo que yo diga; simplemente hay que verla y dejarse llevar por su embriagador humor. Y si ya la has visto, volverla a ver. ¿A qué sí?

La obra está basada en manga de 5 tomos serializados por la revista Shounen Ace entre 2007 y 2009, o más bien está basada en la novela de 2006 de Tomihiko Morimi, un novelista que suele ambientar sus obras en Kioto y que también fue artífice de la novela Penguin Highway en 2010, y que Mamoru Hosoda eligió adaptar para su última película estrenada este pasado verano de 2018. (Espero que podamos verla pronto).

Además existe también una serie anime anterior, de 2010, basada en obra del mismo novelista que también fue adaptada por Masaaki Yuuasa con 11 episodios para televisión, que son un aperitivo perfecto para esta película ya que los personajes que salen en ella son los mismos. Esa serie se llama "Yojōhan shinwa taikei" 『四畳半神話大系』o bien "The tatami galaxy". Y parece ser la parte que en la película se muestra a modo de flashbacks resumidos donde se relatan esos intentos de encuentros "casuales" que el sempai intenta crear cuando se encuentra en su segundo año de universidad en Kioto.

Quizás el dato que me resulta más "mind-blowing" de "Night is short, walk on girl" es que el compositor de la música es Michiru Ōshima, conocido por poner música a algunas series de anime con partituras que no dejan indiferentes; como Little Witch Academia, Full Metal Alchemist(2003, 2005), o So-Ra-No-Wo-To.

Al margen de este fantástico acompañamiento para toda la película se cuenta con los conocidos Asian Kung-Fu Generation para dar el toque pop a esta sencilla historia con situaciones cotidianas en la vida y exageraciones sin sentido pero llenas de significado.