Youjō senki (Diario de guerra de una niña) procede de una serie de novelas del autor japonés Carlo Zen. Novelas que también están siendo adaptadas a manga.
El anime fue estrenado en 2017 y su primera temporada tiene 12 episodios. Tras la cual se produjo una continuación en forma de película y este verano de 2021 se anunció que se trabaja en la esperada segunda temporada.
La trama, sin hacer mucho spoiler, trata de un mundo donde existe la magia y recuerda mucho al nuestro en la época de la segunda guerra mundial sólo que las batallas además de con artillería e infantaría armada se libran con magos capaces de volar, generar escudos y pegar tiros.
Tanya es apenas una niña y en poco tiempo se ha ganado una fama de ser diabólicamente atroz comandando una división de magos para sus misiones.
Quién es esta Tanya, qué estrategias sigue y su motivación es algo que se empieza a descubrir en apenas el segundo episodio. Y si tras ese capítulo no termina de engancharte quizás es que la serie no es para ti. La vi en Crunchyroll y cuando me di cuenta que no la había reseñado he tenido que corregir el error rápidamente. Porque es una de las mejores series de su año.
Las canciones de opening y ending son realmente buenas. El opening de MYTH & ROID banda que ya había participado con algún opening y ending de la serie Re:Zero.
El ending es también especialmente cañero. Cantado por la misma seiyū que pone voz a la protagonista. Sólo por escuchar este tema titulado "LOS!LOS!LOS!" ya merece la pena ver toda la temporada sin saltarse los créditos.
Finalmente he podido ver el esperado final del rebuild de Evangelion, versión cinematográfica, tras la dilatada serie de estrenos desde Evangelion 1.0 (2007/2008), Evangelion 2.0(2009) y Evangelion 3.0(2012).
Tras un dilatadísimo esfuerzo para lograr producir esta última película estrenada, tras innumerables retrasos, este 2021 y disponible desde el 13 de agosto en exclusiva en la plataforma de Amazon Primevideo; Hideaki Anno, como director jefe, trabaja con otros tres experimentados directores que también participaron en anteriores películas y alguno dirigió episodios de la serie original de los 90s Neon Genesis Evangelion.
La película es una continuación desde el momento en que quedó la 3 y no se ha escatimado en tiempo o en medios para lograr un ritmo y estilo propio de la franquicia.
Con 2 horas y 35 minutos tiene al menos tres partes diferenciables, tras un breve resumen, perfecto para refrescar la memoria después de más de 12 años desde el estreno de la primera película, empezando con un prólogo en París, la vida en un pueblo japonés de supervivientes del casi tercer impacto(buscad la estación Ubeshinkawa-eki por la prefectura de Yamaguchi si queréis hacer peregrinaje anime de esta película), y una última parte de largo desenlace que supone el ataque final de WILLE para acabar con el plan de NERV, cuya destrucción (ojo, spoiler...)es realmente el plan original de NERV. Así que WILLE estaba haciendo lo que NERV quería desde el principio. Que los humanos vencieran a los dioses, que son ellos mismos. Muy "solipsista", todo. Y confuso para los que sólo entienden historias de malos contra buenos.
Shin Evangelion(como se titula en japonés) está al servicio de seguir contando la historia de los personajes y sus conflictos y traumas donde siguen en juego varias corrientes filosóficas, determinismo, libre albedrío, metafísica y crítica de la razón pura de Kant, dilema del erizo de Schopenhauer, y enorme influencia de Gundam y el propio Evangelion que ya tiene entidad suficiente como para servir de auto-inspiración.
En el apartado musical destaca como siempre Shirō Sagisu, sin el cuál no sería una película de Evangelion. Y en los créditos finales no hay una única canción sino dos de Hikaru Utada, artista que ha sido siempre genial guinda final en las cuatro películas.
Pese a su duración personalmente no se me ha hecho larga. Soy fan desde hace muchos años.
He echado en falta quizás ciertos toques de humor en el guión que sí tenían las anteriores películas, aunque no ha estado carente de guiños a los fans y de algún brevísimo toque absurdo saliéndose de los límites del espacio diegético que cuenta la historia. Pero como la historia se dirigía al final quizás no se habría salido del tono necesario para una despedida tras un camino tan largo.
Aunque Hideaki ha dejado la puerta abierta para contar más historia previa a la tercera película u otras alternativas. Si logra presupuesto, ¿por qué no hacer más? Máxime cuando en la propia película explican lo que puede significar "sayonara". Jeje.
En conjunto es una película de culto ya desde su concepción. Y quizás este título tan "circular" como queriendo reunir la tercera parte con la primera hace que las tres primeras sean una parte integrada de la propia película. Con happy end.
Cuando supe que el estudio Khara se hizo contribuyente "Corporate Silver" de la Blender foundation me pareció una suerte para la reputación de este completo software de animación, modelado, y composición 3D y 2D, una suerte para Blender contar con el apoyo del reputado estudio japonés de Anno, y así poder mejorar el software a un ritmo mayor. Al mismo tiempo que Anno devolvía una parte del desembolso en licencias que hubiera tenido que pagar en caso de usar software privativo.
Pero viendo el resultado, aun siendo Software Libre, he flipado tanto que he llegado a pensar que Blender debería pagar al estudio Khara por la maravilla que han hecho sin que el arte CGI, la combinación entre 2D y 3D, o el resultado creado con Blender pueda reprochársele nada que se hubiera podido hacer mejor o peor con otras aplicaciones informáticas o técnicas más artesanales.
Si no has visto aún ni la serie ni películas. Puedes empezar por Evangelion 1.0 disponible con las otras tres películas ahora en Primevideo; ya que no vas a perderte apenas contenidos si empiezas por ahí, en vez de la serie de los 90s, que en Netflix está mutilada sin todas las canciones re-versionadas para cada episodio de ending con el "Fly me to the moon" cuyos derechos no lograron más que para emitir en Japón. La 2.0 ya tiene menos que ver con la serie original, e incluye cambios tan grandes que es un avance en la historia. Y la 3 supone información necesaria para entender finalmente el mensaje que da esta cuarta y última película.
La película con título internacional "Mobile Suit Gundam: Hathaway's flash" es la más nueva de las películas de la casi inabarcable franquicia de franquicias de anime y plamodel japonés de Gundam.
Pertenece a una serie de tres películas anunciadas que el estudio Sunrise ha lanzado tras varios retrasos. Finalmente se ha podido ver este mismo año en España y otros países no mucho después que en Japón. Haciendo historia al ser el primero de toda la franquicia que obtiene doblaje en español. Aunque por ahora sin otras pistas disponibles en nuestro territorio diferentes al castellano, inglés, alemán o el japonés original.
Si aún no has visto la película no haré spoiler pero te recomiendo no leer la sinopsis que incluye Netflix. Siempre son un spoiler continuo de los títulos de su catálogo. Y tampoco son los productores por mucho que Netflix ponga un rótulo diciendo que es una película suya. Distribuir y localizar no es producir aunque ayuda a su producción, por supuesto.
Hasta ahora sólo había visto la serie clásica restaurada en Crunchyroll que se estrenó originalmente en 1979, Gundam '079 y otra más reciente que viene a ser como un reboot desde el punto de vista del mítico personaje Char Aznable. Gundam, The Origin. The advent of red comet. disponible libremente en la plataforma de Sony/Funimation Crunchyroll.
Con esta base, y la influencia del fandom de @gundamspain, he visto Hathaway basada en novela ligera de tres tomos con mismo título, publicada en Japón entre 1989 y 1990. La película, con alguna diferencia en los cánones del hilo argumental de la saga UC (Universal Century), se ubica prácticamente durante todo el largometraje en una pequeña isla de la Tierra siguiendo la estela tras las otras dos series en lo que sería el año UC 0105. Es decir cerca de 30 años después. Y con personajes algo diferentes.
Aunque en otras series de la franquicia se han mostrado más eventos de este universo diegético de Gundam, esta es una película que sirve de prólogo a las futuras partes 2 y 3, y en mi opinión puede verse sin conocer nada de la saga. Aunque siempre enriquece la historia.
El Director Shukō Murase y el guionista Yasuyuki Mutō, ambos, han hecho otros trabajos en otras series de Gundam y participado en roles diferentes de creación o trabajos técnicos también dentro de otras obras míticas como Ergo Proxy o Samurai Champloo, en el caso del director. O Afro Samurai, Tokyo Revengers, Persona: Trinity Soul, Le cavalier D'Eon, Sengoku Basara, etc, en el caso del guionista.
Películas como esta no tienen la acción que se espera en series de grandes aparatos móviles de combate, típicos del mechanical anime. Nunca son verdaderos protagonistas de la trama. Desde el primer momento siempre fueron obras de animación enfocadas por los inversores para vender juguetes, que luego se especializaron en detalladas maquetas, sin embargo su creador original, el director, guionista y perpetrador de Gundam Yoshiyuki "minagoroshi" Tomino, parió una serie donde la esencia del ser humano, emociones, conflictos y traumas se ve reflejada sin concesiones donde el martirio de combatir la guerra con guerra supone un irónico mensaje.
En Hathaway de nuevo tenemos aparentemente dos facciones enfrentadas y es más difícil para el espectador entender quién hace más bien o menos mal. Si de algo puede presumir el anime japonés es de no tener tramas maniqueas.
Y Hathaway aporta cierto mensaje social con guiños a la gente de a pie de cualquier época. Sobre los que sufren realmente las consecuencias de conflictos que les son ajenos. Y también de los dilemas propios de los que participan directamente en las guerras.
Entre tanto la trama comienza con un secuestro y termina con las esperadas o no batallas entre aparatos mecánicos "mobile suit"; sin que en ningún momento haya escenas que resulten aburridas o anodinas. Incluyendo alguna escena contemplativa que se pasa volando gracias a la música de Hiroyuki Sawano con estilo dispar; con aires de epicidad mecha, drama humano o una intro muy del estilo James Bond.
No he visto todavía serie o película de Gundam que no se pase en un suspiro. Y eso que esta dura sus buenos 96 minutos.
La primera serie de la franquicia Gundam se gestó por Yoshiyuki Tomino emitiéndose en Japón a lo largo de 1979.
Cuenta con 43 episodios. 42 de ellos están en Crunchyroll; Junto con otras series de la franquicia que han tenido el detalle de incluír. El episodio perdido lo decidió eliminar el propio Tomino de la distribución internacional por motivos de calidad técnica. Además esta serie recuperada en Crunchyroll ha sido restaurada y se muestra muy bien en resolución 1080p pese a sus ya más de 40 años de antigüedad.
No era el primer anime de robots. No era el primer anime producido por una empresa con la intención de vender juguetes. Quizás tampoco fue el primero en dar una bofetada en la cara al "mundo de los adultos". A la jerarquía que manda sobre el más débil y con menos ventaja en la sociedad. Por ejemplo, la serie anime de Ashita no Joe se estrenó en 1970.
Yoshiyuki Tomino perpetró un universo que se ha hecho inmensamente grande. Y es responsable de un submundo de aficionados al modelismo PLAmodel. Así como de lo que el propio Tomino llamó el "Nuevo Siglo del Anime", de la que coge el nombre Neon Genesis Evangelion -shin seiki evangerion- y es fuente de inspiración directa de la serie, así como de todo el estudio Gainax y otros que vinieron después.
Este logro viene no por mostrar una historia de ciencia ficción. Sino por mostrar el drama humano cuando los poderosos buscan ascender por encima de su condición y ejercen presión sobre otros para lograr beneficios que el común de los mortales ni se plantea. A costa de mentiras, intrigas, conspiraciones y el caiga quien caiga. Y mientras las castas se pelean los que están abajo sufren las consecuencias.
Gundam no es un anime de robots. Es un anime de personajes. De traumas. De trascendencia sobre los defectos de la humanidad. Habla de lo absurdo de la guerra, la débil línea que separa unos bandos de otros y las innecesarias muertes y sufrimiento que producen los que diseñan el mundo para servir a sus propósitos y no al bien común.
No soy aficionado a series tan largas. Aunque reconozco el valor histórico de algunos títulos de animación. Y éste desde luego merece la pena sobre todo si quieres entender las bases del anime actual.
No obstante, si quieres ahorrarte las casi 17 horas que te va a robar esta primera serie de la saga, se produjo inmediatamente después de terminar el anime una serie de 3 largometrajes(algo largos. valga la redundancia) con algunos cambios respecto a la serie original; que te permitirán pillar la esencia de la serie en un total de 7 horas.
En el año 0079 se inicia una guerra que tiene dividas a dos facciones, la federación y el principado de Zeon. Una guerra salvaje que en poco tiempo merma la mitad de la población civil de ambos bandos. Entre tanto, Ray Amuro, descubre un proyecto secreto de su padre para la federación y coincidiendo con un ataque de Zeon a su base espacial termina siendo piloto del primer Gundam que dará una ventaja clave a su facción; junto con la nave de la federación WhiteBase y otros vehículos mecha capaces de plantar cara en espacio, tierra, mar o aire.
Si te gusta este universo en la era "Universal Century" puedes ver la precuela Gundam The Origin, en su formato de 6 OVA muy elaboradas de unos 70 minutos de duración por capítulo. O la más reciente serie de 2019 en 13 episodios donde se cuenta la misma historia desde el punto de vista del carismático e inicialmente antagonista Char Aznable; The Origin - Advent of the Red Comet.
Pero hay también decenas de series posteriores que siguen la misma trama o crean otras alternativas totalmente distintas. Y con distintos estilos y producción. Lo último que se estrenó fue en este 2021 "Mobile Suit Gundam: Hathaway's Flash", parece ser en el año 0105 de esta misma trama argumental. Adaptando la propia novela de tres tomos que el propio Tomino publicó entre 1989 y 1990.
Para que no se alargue esto mucho más, diré que el anime me gustó. Viéndolo en 2021; Con todo lo que he visto ya. En especial le encontraba sentido a muchos detalles que se consideran ya marca de la casa en Evangelion.
Tiene buena dosis de acción, drama y enredo y toques comédicos además de el anuncio de juguetes que son los super-robot, con una estructura típica de anime juvenil y un ritmo trepidante. Los episodios se pasan en un suspiro. Creó una base de fans legendaria que se dieron cuenta de que este anime no era la misma 💩 de siempre.
Si te gusta el anime de mecha (pronunciado como en "mechanical".) puede que te des cuenta que este no es de esos anime. El Gundam no es para nada el protagonista. Aunque lo que representa trasciende todos los anime de mechas.
Desde estas líneas quiero dar las gracias a Gundam Spain que a través de su Twitter, @gundamspain, empezó a promover el visionado conjunto que pudimos disfrutar comentando a través de Discord y otros medios. Seguidles si queréis saber más de esta mítica franquicia de franquicias.
La fortaleza escondida ( 隠し砦の三悪人 - Literalmente: Los tres villanos de la fortaleza oculta. ) es una película de acción real estrenada en Japón hoy hace 62 años, el 28 de diciembre de 1958; y fue la más fructífera de Akira Kurosawa hasta el estreno, unos años después, de Yojimbo.
Pude verla recientemente en Filmin con el reclamo de ser una influencia de Star Wars, reconocida por el propio George Lucas.
Creo que ese reclamo no defrauda; Cualquiera que aprecie los personajes de C3PO y R2-D2 en la famosa saga verá casi un calco en sus dos zopencos protagonistas que incrustan una nota de humor en una historia de aventura en el Japón de entre guerras, con héroes y princesas de por medio.
Acercándonos a la cultura japonesa, queda patente la cultura de una pareja de personajes "boke"(tontorrón) y "tsukkomi"(mordaz) del "manzai" clásico originario de Japón ya unos mil años atrás.
En lo que respecta a Star Wars, le encuentro (algo más que) similitudes no sólo en toda la estructura del guión, personajes y estilo cinematográfico. La música tiene también bastante similitud con la parte buena de la partitura de John Williams. E incluso aparecen cortinillas de transición que George Lucas usó de igual modo en sus películas de unos 20 años después.
No he visto muchas películas de Kurosawa, aparte de la famosa "Siete Samurais" que me pareció algo aburrida y anodina en su momento; pero cineastas como Steven Spielberg lograron cierta mirada de atención de la crítica al reconocer su influencia. Y el propio George Lucas, como Spielberg, también siguió de cerca la carrera del famoso realizador nipón hasta el punto de, como ya se ha dicho, tener en mente esta película cuando hacía su guión de Star Wars.
Insisto porque puede haber quién no se lo crea. Pero está escrito y reconocido por el propio Lucas en varios libros y entrevistas.
Otra de las pocas películas que he visto de Kurosawa es Rapsodia en Agosto (1991), película donde aparece Richard Gere haciendo de medio estadounidense-japonés que procede de Hawai. Con más de 80 años, Kurosawa hizo una historia menos teatral de lo que acostumbraba y me pareció una película entretenida e interesante. Pero viendo ahora La fortaleza escondida, mi opinión sobre sus películas se inclina a su favor. Y por supuesto trataré de pagar la deuda pendiente de ver sus otras películas más famosas algún día.
Con La fortaleza escondida, Kurosawa inauguró un formato de la productora TOHO que hacía el cine más panorámico. Lo que hoy día nos parece "cine-cine".
Su hilo conductor equilibra humor con una situación dura, una trama que engancha y donde van cambiando escenarios y apareciendo personajes de forma tan coral como lo que hoy día ya se considera un canon de guión como Star Wars, y unos personajes con cierto relieve y que se vuelven interesantes aun empezando desde el punto de vista de los menos importantes de la historia.
No hay que olvidar otro componente de Star Wars que son los combates con sable laser, y en una película ambientada en la era dorada, un tanto idealizada, de la casta samurai obviamente no faltan tampoco combates entre protagonistas. La película de Kurosawa tiene varias escenas rodadas con especialistas en kendo y arco, según indican los créditos.
Con tantas similitudes resulta chocante que algún productor japonés de la Toei, animado por el éxito de la space-opera de Lucas, quiso hacer una producción equiparable; tanto en medios como en similitudes que fue un fracaso casi estrepitoso de taquilla.
Los invasores del espacio - Message from space: Galactic Wars - Uchū kara no messēji (1978) ( Más sobre el tema en este artículo de Unseen Japan (english) )
Y a nadie se le ocurrió hacer un remake de esta película de Kurosawa hasta que llegó en 2008 Shinji Higuchi. Mismo director que posteriormente hiciera los live-action de Shingeki No Kyojin, y codirigiera Shin-Godzilla junto Hideaki Anno.
(Esta reseña se escribió el 25 de diciembre de 2020; tratando de llenar los huecos que le faltan al blog para este año 2020).
Harmony (2015) es la última película de Project Itoh.
Una saga que llevó al cine en forma de anime con diferentes estudios de animación las novelas del joven escritor con dicho seudónimo(Project Itoh - 伊藤計劃 - Itō Keikaku), como homenaje póstumo. Que falleció en 2009 a los 34 años.
Sus novelas distópicas han tenido cierto éxito en Japón y sólo faltaba reseñar en el blog este título tras comentar El imperio de los cadáveres (2014) y Genocidal Organ (2010)
Harmony muestra un mundo en el que los países asociados a la OMS (Organización Mundail de la Salud - WHO, en inglés.) viven en un sistema que "obliga" a la gente a ser feliz, sin ninguna preocupación; y donde morirse ya es problema del pasado.
Un día, la agente Kirie de operaciones especiales de la OMS, tras ser descubierta en un comportamiento reprobable en una misión de vigilancia en paises de fuera del sistema es enviada a su país por unos días como acción disciplinaria, allí conmplará el comienzo de una oleada de suicidios. Al parecer esa conducta es inducida por una entidad terrorista que amenaza con un terrible chantaje a la sociedad inmortal. Kirie comienza una investigación por su cuenta en busca de más información sobre una antigua amiga que puede estar relacionada con el caso y trata de averiguar la motivación de sus actos. Mientras lucha contra sus propios pensamientos suicidas.
La animación está llevada a cabo por Studio 4ºC y co-dirigida por Michael Arias y, un veterano de la animación, Takashi Nakamura.
Como las otras dos películas los créditos están acompañados por una canción final de EGOIST, duo formado por el prolífico músico RYO del grupo supercell y la vocalista Chelly.
La película tiene acción y algunos momentos violentos, sin llegar al nivel de Genocidal Organ, y tecnologías futuristas. Pero es ante todo una mirada introspectiva ante dilemas morales y la libertad personal limitada por otros.
En mi opinión se puede ver. Pero no es de las que vería más de una vez. Aún siendo de uno de mis estudios de animación preferidos ni aún sabiendo también que su banda sonora está hecha por Yoshihiro Ike, quien también compuso entre otras la de la serie Ergo Proxy. Pero un conjunto de grandes talentos juntos no siempre da una obra cohesionada de valor multiplicado.
(Esta reseña se ha escrito el 4 de noviembre de 2020. Aprovechando el Festival de anime del Salón del Manga de Barcelona 2020 Limited Edition)
Esta película, también conocida como The empire of corpses, es parte de una serie de adaptaciones como Genocidal Organ o Harmony de Proyecto Itoh. Seudónimo de un novelista fallecido en 2009 que con 34 años ya tenía tras de sí cierta relevancia como escritor de novelas de ciencia ficción. Íntimo colaborador del creador de vídeojuegos Hideo Kojima que escribió también alguna novela para la saga Metal Gear Solid.
El imperio de los cadáveres se publicó como novela en 2012 póstumamente, en colaboración con EnjoeToh; alias de otro novelista de ciencia ficción.
El anime ha sido realizado por Wit studio, famosos por Shingeki no kyojin. Y, como otras de la misma saga de Proyecto Itoh, cuenta con música de créditos finales de ryo(supercell), famoso compositor Vocaloid que colabora con la cantante Chelly bajo el nombre de grupo "EGOIST" desde que hicieran música juntos para el anime de seis episodios Guilty Crown.
La historia se centra en John Watson, un joven científico que experimenta sin permiso con la tecnología de reanimación de cadáveres en un mundo donde el doctor Frankenstein dejó un legado que tiempo después se quiso aprovechar según los intereses de la gente, directivos, militares y gente con retorcidas ambiciones.
En su aventura se unirá a otros compañeros que complementan sus carencias para viajar desde el Londres de finales del siglo XIX hasta Afganistan; Conduciendo la historia por otros escenarios como Japón o EEUU en busca del legado prohibido del único hombre que logró reanimar un muerto capaz de hablar.
El estilo del film tiene toques steampunk y muchísimas referencias a la literatura clásica de aventuras aparte del Frankenstein de Mary Shelley.
Me gustó especialmente su secuencia elaborada(narración de varias escenas sin diálogos en una secuencia seguida resumida) con muy buena banda sonora musical y, aunque la historia puede resultar algo confusa para algunos, pues su director es un animador con algo menos de experiencia en la dirección, creo que su estructura es un "viaje de Ulises" sencillo de entender. Con su salida del hogar y vuelta al comienzo. Con algunos detalles más durante los créditos(¡Mira que le gusta a Wit Studio meter cosas durante los créditos!) y alguna escena-guiño post-créditos adicional.
A mí me ha resultado entretenida, emocionante y llena de detalles que merece la pena ver. Más de lo que esperaba.
Esta película, distribuída por Warner Bros a nivel mundial y disponible en Netflix, está realizada por los estudios Kamikaze Douga que son conocidos por algunas series de Jojo o el anime Poputepipikku.
Es un largometraje anime que presenta al héroe de capa de murciélago famoso de DC comics en una atípica situación donde retrocede en el tiempo para enfrentarse una vez más al Joker y a señores daimyo, que han sido reemplazados por otros archienemigos de la franquicia fugados de Arkham, en el Japón feudal de entre guerras.
La realización y ritmo es bastante buena con una historia medianamente compleja y multitud de personajes del mundo de Batman y de las leyendas del Japón del período "sengoku".
Es una película con mucha acción y bastante fantasía. Agudizando el ingenio para lograr los sofisticados artilugios del héroe enmascarado pero apenas con los medios disponibles 5 o 6 siglos atrás, dándole algo más que un toque steampunk a la película.
La película es original al cambiar su escenario habitual de Gotham por el antiguo Japón mezclando dos cosas que no existen en la realidad como Batman y los ninja. Jeje. Pero funciona y entrentiene.
No es la primera película anime de Batman que se estrena pero sí la primera realizada integramente por estos estudios a modo de película guionizada sin episodios sueltos.
Vaya por delante que me ha gustado mucho esta serie anime de Kyoto Animation y seguro que me extiendo más de lo necesario. La serie se basa en una serie de novelas ligeras ganadoras de más de una categoría en unos premios que los propios estudios concedieron en 2014.
Hay pocos estudios como "KyoAni" que rivalicen en la calidad de sus obras y sello personal. Seguro que ya lo he dicho en alguna otra reseña. Y me gusta este anime, que Netflix distribuye, aunque sea una serie con ingredientes de géneros quizás muy comunes, que en mi caso no tendrían porque gustarme demasiado como el drama, romance, acción bélica e incluso algo de ciencia ficción o, más bien, algo parecido al steampunk; donde se muestra un escenario de época, próximo a los finales del siglo XIX o comienzos del XX con un toque refinado de la Europa clásica en contraposición con el uso de manos protésicas de adamantium(sí, el mismo metal de las garras de Lobezno-Wolverine- en los X-Men).
Todo ello para... escribir cartas en una máquina de escribir.
La mezcla funciona. Se aparta de los géneros comunes de anime, al no estar ambientado en Japón; ni el presente moderno. Pero está dotado de gran realismo en lo que podría ser perfectamente una región con claras influencias y costumbres occidentales. Con coherencia cultural; sin mezclar culturas dispares. Llevando el tema del diseño artístico a un nivel por encima de series como "Sora no woto".
Este escenario es cuando menos intrigante. Para querer saber más.
Y me ha gustado mucho el anime porque, aparte del personaje femenino protagonista que da nombre a la serie, cobra protagonismo la máquina de escribir. Por alguna razón, siempre me fascinaron los aparatos con teclas o botones. Las máquinas de escribir, siendo lo suficientemente "viejuno" para haberlas utilizado al aprender mecanografía con ellas, son una de las pocas cosas del pasado que me producen cierta nostalgia.
Y ese protagonismo está en la historia, en detalles y accesorios que acompañan a la protagonista, y en la fantástica música orquestal compuesta por Evan Call que integra los chasquidos característicos de las teclas en la banda sonora; que acompaña a la serie desde el comienzo. Y que le da un aire cinematográfico que también evoca cierto cine del pasado como la secuencia introductoria de "Forrest Gump". Supongo que no seré el único que note esa similitud en el primer episodio. No tanto musicalmente sino como por la puesta en escena.
El romance está tratado de un modo que, pese a que domina
toda la historia, no llega a sentirse cursi o empalagoso. Es una historia bonita, y en ocasiones triste, que transmite muchas emociones diferentes. Tiene una trama
argumental que conduce hasta el momento final en el episodio 13. (Con
un arco alternativo que está previsto se estrene en forma de OVA nº 14,
en julio de 2018)
Pero, si algo merece la pena en este anime es conocer a Violet Evergarden. ¿Es una chica o una máquina? Realmente no se sabe distinguir en los primeros episodios. Poco a poco, a razón de 25 minutos por episodio, contándonos su historia entre algún que otro flashback para recordarnos una reciente guerra que aún tiene frentes abiertos y cicatrices que aliviar, se nos muestra cuánto hay de humano en ella con cada nuevo episodio; en ocasiones autoconclusivo. Con personajes que encandilan y haciendo el mundo de la serie "Violet Evergarden" cada vez más grande.
Esta película forma parte del proyecto noitaminA que propuso hacer tres largometrajes animados basados en novelas de Project Itō. Seudónimo de Satoshi Itō, fallecido en 2009 con sólo 34 años, que llegó a publicar relatos de cierto éxito dentro del género de ciencia ficción distópica, donde mezcla grandes dosis de fantasía, terror, acción o suspense; Como, entre otras, la novela de "Metal Gear Solid 4: Guns of the Patriots".
Genocidal organ es la tercera película de un proyecto de tres películas basadas en relatos de Itō. Películas encargadas a estudios de anime diferentes de Japón.
Con la mala suerte de que ésta última se encargó a Manglobe; famoso estudio de "Ergo Proxy". Que entró en bancarrota teniendo la producción a medio hacer. Por suerte, la película no quedó en saco roto y con los restos de la producción se fundó el estudio Geno Studio que concluyó la película con algo de retraso respecto a lo esperado.
Para seguir con la mala suerte, en nuestro país su distribuidor es "Yowu Entertainment". Que si no los conocéis, es normal. Ya que no son muy populares como distribuidora. Por mala suerte. Por escasa financiación. O por lo que sea. Aunque son de los que más arriesgan al elegir títulos de manga y anime juvenil y adulto en España. Pero sus incondicionales si alguna vez tuvieron, cada vez son menos. El problema es que su ritmo de publicación y los soportes de distribución usados parece que vayan hacia atrás en vez de hacia adelante.
Eso no dice nada bueno tampoco de las distribuidoras más importantes en España. Ya que si hay títulos que sólo trae Yowu es porque ellas no se arriesgan.
Si alguna vez, a través de este blog, me he mostrado neutral entre el trabajo de las distribuidoras, dueños legítimos de los derechos de distribución y la labor de los fansubs; voy a romper una lanza por esa labor titánica y en muchas ocasiones sin remuneración que hacen los traductores no profesionales para acercar anime que nunca veremos en nuestro país de no ser por ellos.
Vista la cantidad de buen ANIME que jamás llega a nuestro país, ni siquiera a través de Crunchyroll u otras plataformas de streaming occidentales, creo que el FANSUB es todo lo contrario a criminalizable, como se lleva años tratando de engañar a la población de todo el mundo.
Hacer fansubs sin fines lucrativos (usar links adf.ly o banners publicitarios en la web es lucrativo, nenes), no es en absoluto un delito; y mucho menos un crimen. Debería ser recompensado. Con buenos sueldos, y yo incluso les dedicaría alguna calle en mi ciudad y un monumento.
Lo que sí es de juzgado de guardia es que distribuidoras nacionales no apuesten por otro anime que el que piensan les va a reportar más beneficio. Mientras obras que han tenido un éxito tremendo, no sólo en Japón sino fuera de Japón también, jamás llegan a estrenarse en los circuitos convencionales.
Esta distribuidora de segundo palo, es lo peor que le podía pasar en España a este título (y los tres de la serie Project Itoh) y cualquier otro anime medianamente bueno que por fatalidad han recibido derechos de distribución. No es el primero, ni, por desgracia, será el último que maltrate una(la) distribuidora.
Por suerte vi la película en una de las pocas opciones que da Yowu a ver sus obras licenciadas, como un esfuerzo colosal por su parte, en el Festival de Anime que se celebró en Pamplona en enero de 2018, FAN'18.
Genocidal organ es un psicothriller bélico donde se nos muestra a un soldado de fuerzas especiales de la agencia de inteligencia estadounidense que debe localizar a un científico americano responsable de una ola de crímenes mundial aparentemente al haber descubierto un modo de manipular el comportamiento humano hasta el punto de lograr volver a personas normales en asesinos de masas mediante el simple uso de palabras, como si de un tipo de hipnosis se tratase. En su misión encubierta tendrá que hacerse pasar por alumno de una filóloga que enseña checo en Praga que puede tener alguna conexión con el objetivo.
La película muestra violencia de forma cruda y subjetiva en escenarios de guerra de distintas partes del mundo. Y una excusa demasiado pobre para justificarla que pondrá a prueba la humanidad del protagonista. En cualquier caso es una película con toques de ciencia-ficción futurista entretenida, con cierta dosis de intriga y bien narrada.
Es resaltable que el pluriempleadísimo "ryo" (supercell) se encargó de poner música a los créditos finales de la película, con el tema "Reloaded" 『リローデッド』。
Si tienes la ocasión de verla, aunque veo difícil que aparezca pronto en algún sitio más fuera de Japón, y no te asusta ver sangrientos combates tácticos donde no se salva ni el apuntador, prueba a verla a ver qué te parece.
Basado en juego de rol japonés de cartas online llamado "Kantai Collection", (literalmente, colección de barcos de guerra), se estrenó esta serie a principios de 2015, emitiéndose sus 12 episodios entre enero y marzo. Anunciando al final que se producirá también una segunda temporada.
No se demasiado de la dinámica del juego pero sí que llegan noticias del éxito que tiene la saga entre los aficionados nipones. Ya que el Comiket de este verano tiene previsto exponer obras derivadas especialmente manga hechos por cientos de aficionados, o novatos del mundo del comic. Y hay constancia de más de 2000 grupos de artistas que hacen obras amateur basadas en KanColle.
El anime es uno de los más originales que he visto en los últimos tiempos. Mezclando el género bélico militar con ¿chicas moe?. Pues no. Lo que tenemos aquí son Chicas-Barco.
Podría ser algo como un anime de mechas. O una vuelta de tuerca al género girls-with-guns. Sólo que en este caso las chicas mismas son armas colosales. Bien sea destructores, naves ligeras o portaviones. Cada cual con su indumentaria característica de Japón y sus habilidades especiales.
Como seguidor de las últimas tendencias en anime tengo que decir que me ha fascinado. Aunque la serie exalte un poco unos cuantos tópicos y quizás se pueda ver desde cierta óptica como una maniobra propagandística a favor de los últimos intentos del gobierno de Japón por volver a dotar el país con un ejercito menos limitado que las actuales fuerzas de auto-defensa, casi olvidando su espíritu no beligerante después de 70 años tras Hiroshima y Nagasaki.
Dejando eso al margen, creo que merece la pena conocer a la protagonista Fubuki, y a todas sus compañeras del Distrito Naval, todas con nombres de antiguos barcos de guerra, enfrentarse a las misteriosas entes abisales. Al tiempo que conviven y acrecentan el lazo de amistad que las une; y más que amistad, en ocasiones.
"Terror in resonance", o Las reminiscencias del Terror, es una serie con trasfondo policiaco donde un investigador medio retirado analiza el caso de dos jóvenes que parecen poner en jaque al país con amenazas terroristas que parecen muy reales y se empiezan a cumplir. Sin embargo, los protagonistas principales son dos amigos aparentemente normales. Un joven serio y circunspecto que se hace llamar "Nine" y otro más risueño llamado "Twelve". Juntos forman el duo "Sphinx". Y empiezan a sembrar la red de vídeos con acertijos y amenazas y a poner bombas en importantes lugares de Tokio, sin que nadie consiga evitarlo; aunque en principio no causan víctimas mortales. El policía que lo investiga descubrirá que hay algo más detrás que motiva a los terroristas a que él y nadie más lo investigue. A Sphinx se unirá una chica, víctima de sus circunstancias; Que dará otra perspectiva a los sucesos provocados por Sphinx. Decir que es una serie de 10 es quedarse corto. Aunque la serie quizás flojea en algún personaje que no da tiempo a definir, o cogerle manía o simpatía, ya que sólo tiene 11 episodios. Pero en general es una serie redonda. Recuerda bastante a la estructura de la parte detectivesca de Death Note. Pero eso no creo que sea un defecto. La originalidad de esta serie está en el realismo, sin florituras sobrenaturales, y la probabilidad de que una situación así se esté produciendo. En cualquier caso tiene un comienzo, conflicto y desenlace que no deja indiferente. Por último, la banda sonora de la compositora Yōko Kanno cuenta con temas muy potentes. Así como un opening buenísimo. Pero quiero remarcar la triste y melancólica canción hecha para el ending de cada episodio: "Dare ka, umi wo." Personalmente, me encanta. He buscado otras canciones de la misma cantante, Aimer, y no son tan buenas. ¡Chapeau! Y no soy el único. La canción tiene ya un sin fin de variantes, covers y reinterpretaciones, hechas por muy diversos fans, que pueden verse por Youtube.
Si aún no has visto la serie creo que es recomendable para todo tipo de sensibilidades. Dentro del género de acción, intriga y conspiraciones.
Y, si eso te motiva, dicen que en China ha sido prohibida junto con Ataque a los titanes, Death Note, High School of the dead o Kuroshitsuji, entre otras. (Vamos, todas las populares.)
Ha sido bastante curioso poder ver, habiendo pasado unos seis años tras haber visto las series anteriores, "Black Lagoon: Roberta's Blood Trail"; estrenada en Japón en 2010.
El título se traduciría como "El reguero de sangre de Roberta". Es una serie de 5 episodios OVA de aproximadamente media hora de duración por capítulo. Concluyendo con esta tercera entrega lo que ya es un clásico entre los anime de acción.
La serie continúa la historia empezada en Black Lagoon y su segunda temporada, con los mismos personajes pero en esta ocasión vuelve a centrarse en el que fue un personaje secundario.
Roberta, la sirvienta más letal que apareció en la serie original, se vuelve peor que Atila, empieza a aniquilar todo cuanto encuentra a su paso y en medio vuelven a estar los mercenarios de Black Lagoon que tendrán que hacer algo para dentenerla o quitarse de en medio si quieren vivir.
Pero no es un spin-off que se centre únicamente en el personaje de Roberta y su amo; Hay algún nuevo personaje que añade más emoción a la historia y no dejaremos de ver a los protagonistas de Black Lagoon rodeados de todos sus compinches y enemigos habituales.
Si te gusta la acción, sin duda esta es tu serie. Pero aunque la historia podría seguirse sin haber visto las anteriores, no imagino tener las mismas sensaciones que me entraron al ver de nuevo el opening con su canción original reversionada de estas OVA. Con Revy, el oficinista japonés y el resto de mercenarios, en Roanapur, la ciudad donde se gestan los asuntos más sucios del mundo.
Poco se todavía de la obra de Kenji Miyazawa, el poeta y escritor del cuento infantil "El tren nocturno a la Vía Láctea". Pero la película "La isla de Giovanni", flamante ganadora del Festival de Anime de Navarra, FAN'15; no es la primera, sino la enésima obra de anime (o manga) que veo haciendo alusión a tal libro. Miyazawa es una inspiración innegable para muchos creadores japoneses.
Pero lo de esta película parece algo más que una alusión. Toda la película en sí misma homenajea sin parar al cuento clásico del tren de vapor que viaja al espacio y sus protagonistas, Giovanni y Campanella. Y son unas escenas bonitas y poéticas.
La fantasía es la vía de escape para evadirse del drama que viven unos niños, nacidos en la isla de Shikotan de la que se cuenta partía el tren de la obra de Miyazawa, durante los tumultuosos tiempos para Japón nada más terminar la Segunda Guerra Mundial.
Los protagonistas viven intensamente los días que podrían ser los más felices y más amargos de sus vidas al mismo tiempo.
Por mucho que se la compare con "La tumba de las luciérnagas", a mí me ha gustado más el modo en que se cuenta esta historia. Por supuesto hay drama detrás, pero la historia tiene más dosis de ternura y calor humano que hace falta en situaciones tan injustas.
Si se ha de comparar, en esta película hay un personaje secundario que recuerda al fantástico personaje que interpreta Roberto Benigni en "La vida es Bella", haciendo ver que las cosas no van tan mal, poniendo al mal tiempo buena cara.
Si se tiene ocasión de verla en V. O., es casi obligatorio verla así. Pues detrás hay un trabajo de diálogos en japonés, ruso e incluso coreano; que se perderían con el doblaje. Y son importantes para comprender mejor el mensaje de la película de diversidad y aceptación.
Pocos aficionados al anime deben quedar que no hayan visto ya la serie del momento; aquella que el año pasado pegó más fuerte y vendió lo que no estaba escrito en Japón y en el extranjero.
El éxito de esta serie tiene pocos precedentes. Lo que conlleva que ya esté a punto de estrenarse una película largometraje que resume la serie para las pantallas cinematográficas. Y estando prevista para el próximo verano otra película que completará la historia en forma de precuela resumiendo la segunda parte de la serie. (También se ha anunciado una película de acción real y el comienzo de la segunda temporada para el próximo verano. Así como que el manga se serializará al menos durante 4 años en total.)
El traje de maniobras tridimensionales; lo mejor.
"Ataque a los titanes" es un anime de 26 episodios, distribuido en España por Selecta Visión con sólo 25 episodios aunque no se echa en falta el capítulo recopilatorio extra.
Los estudios Wit House son los principales productores de la serie, auspiciados por los colosales (valga la redundancia) Production I.G. y han dotado de una calidad extra al anime junto con una muy buena banda sonora musical.
El manga original de Hajime Isayama parece haber sido adaptado con cierta parsimonia a la hora de dosificar la información; Enganchando desde el primer momento para ver un capítulo tras otro. Aunque supongo que pocos, como yo, han tenido paciencia para ver sólo un capítulo cada semana; Dosificando la serie del mismo modo en que se emitiría originalmente en Japón. Pero es posible disfrutarla de este modo y así el "regustillo" dura más. Jeje.
Cada capítulo nos introduce en un mundo de fantasía de otra época donde la humanidad ha decidido refugiarse de los Titanes tras muros gigantes, y luchar con prudencia mediante un límitado número de legionarios del cuerpo de exploración más alla de los muros.
El origen de los titanes es un misterio. Son seres humanoides gigantes de diferentes tamaños practicamente indestructibles, capaces de regenerarse, que llevan en el mundo en torno a un siglo, y que parecen haber cogido gusto a comer única y exclusivamente carne humana.
La lucha contra los titanes no puede ser más difícil, pero el enemigo más cruel y despiadado, ¿serán los propios titanes o la humanidad que entorpece su propio camino hacia la libertad?
La continuación de la serie anime "Higurashi no naku koro ni" llegó en 2007
de la mano de Studio Deen con la parte 解 (kai), Solución (no "Reunión" como algunos traducen erróneamente); compuesta por
24 episodios.
Aunque se hicieron más temporadas y aún hoy siguen apareciendo secuelas y adaptaciones, esta parte es imprescindible porque de forma progresiva y sin irse por las ramas se aclaran todos los enigmas y situaciones extrañas que se plantearon en la primera temporada.
Lo malo es que si la primera temporada ya enganchaba, la
segunda engancha más aún. Y no podrás evitar ver también las siguientes
partes: 礼 (rei) y 煌 (kira). O "spin-offs" con estructura similar como
"Umineko no naku koro ni".
En esta temporada cobra protagonismo el personaje de Hanyuu que se une al grupo de Keiichi, Rika, Rena, Mion, Shion y Satoko; dando un toque sobrenatural en este hermoso thriller sangriento, de "alto contraste".
Importancia especial cobra también el personaje que antagoniza con Hanyuu, que dejaré descubráis vosotros mismos, si no lo habéis conocido ya.
Aprovechando el estreno en muy pocas salas de cine en España, casi un año después de su estreno en los cines de Japón, asistí con bastante interés a ver la continuación de esta saga reconstruida de 4 películas de Evangelion.
En Evangelion 3.0, el mundo, tras el final de la película anterior, ha cambiado radicalmente aparentemente debido a los actos de Shinji Ikari. Shinji se encuentra tan perdido o más que de costumbre esta vez, y no hay nada que pueda hacer para volver a su situación anterior. Pero, un nuevo niño en la organización de los EVA, Kaworu Nagisa, le reconforta y le hace pensar que las cosas pueden ir mejor con su ayuda.
No daré más detalles del argumento.
En mi opinión esta película parece más floja que la anterior. Pero encierra mucha profundidad y desvela bastantes detalles de la trama en unas pocas secuencias clave.
La acción queda relegada a un segundo plano aunque incluye, por supuesto, escenas épicas y novedosas con una música de auténtico lujo.
La música parece cobrar especial importancia, quizás con el patrocinio de Yamaha, gracias a un tema central de piano a cuatro manos compuesto para la ocasión.
Esta película, como las anteriores, es parte de la corriente artística del "Anime progresivo". Una forma de animación entre el comercialismo y filosofías metafísicas.
No es una película para "narutards" (por decirlo de algún modo) que esperan que le expliquen todo y les den todo machacadito como una papilla. Es casi imprescindible haber visto las dos anteriores para comprender la situación. Y tener cierta sensibilidad artística. En esta ocasión, a diferencia de las dos películas anteriores, casi no hay escenas de "fan-service". Y, por supuesto, termina de forma abierta pues como todos sabemos la saga va a componerse de cuatro películas.
Pero si no os gustó el final de la serie original (si la vistéis), yo no esperaría que el final de esta vaya a ser muy diferente. Kant. El modo de ver las cosas. Lo que es verdad y mentira al mismo tiempo, es algo muy recurrente en este tipo de películas.
Sora no woto (El sonido del cielo) es una serie anime de 12 episodios basada en un manga escrito por "Paradores". (Esto es el alias de un mangaka japonés y no el nombre de una conocida cadena española de alojamientos).
Llevaba demorando su visionado hasta que por fin me entró curiosidad por ver cómo era la serie que tras su estreno atrajo a España a miles de turistas japoneses con curiosidad por ver los lugares de Cuenca que se tomaron como modelo para la ficticia ciudad de Seize en donde transcurre el argumento.
Sora no woto me ha gustado mucho. Le doy la máxima puntuación pese a que suelo ser muy severo para dar esa nota. (Más que nada para que la puntuación no eclipse a otras obras mejores que aún no haya visto)
"Moe" es un término que para mí significa que los personajes son adorables en el sentido de que les darías un platónico abrazo mientras sonríes como un tonto.
El ingrediente principal de esta serie es ése. Un anime super moe. Y por ahora creo que no he visto ninguno tan moe. (Aún no he visto K-on) Quienes prefieran otra estética o situaciones de más acción es posible que no les llame la atención esta serie.
El argumento es básicamente de vivencias, o momentos de la vida aunque sigue un orden cronológico y hay un hilo argumental y desenlace.
Se podría decir que es un anime de corte militar, o incluso del género girls with guns, pero nada más lejos de la realidad. Pues el espíritu de la obra es claramente opuesto a la violencia. Totalmente antibelicista.
Su hilo conductor juega con misterios sobre el pasado de la peculiar villa, Seize (alias Cuenca), los personajes protagonistas, sus vecinos cercanos y el resto del mundo de una realidad y época distintas que se refleja desde un punto de vista subjetivo y lo hace tan raro o más que el mundo real.
La trama se tensa conforme se precipitan acontecimientos que ponen en peligro la paz de la ciudad.
Tras el final de la serie se editaron dos OVA que suceden entre el episodio 7 y 8, la primera OVA; y la segunda OVA tras los acontecimientos del final de la serie, un año después de que la protagonista, Kanata, hubiese llegado a Seize y conociera al resto del escuadrón 1121 formado por otras dos chicas de su edad, Kureha (responsable, celosa y en el fondo tsundere) y Nöel (incansable ingeniera que se duerme en cualquier sitio), y la joven comandante Filicia y la sargento Rio que actuan como tutoras y entrenadoras de las pequeñas voluntarias.
Lo que más me gusta, sin desmerecer los demás elementos, es su opening. Tanto la animación figurativa con algo más que alusiones a Gustav Klimt (como sucediera en Elfen Lied), como la sublime música "Hikari no senritsu" 光の旋律 del grupo Kalafina. Es el envoltorio perfecto para una serie llena de emoción, historia y personajes por conocer.
La canción del ending "Girls, Be Ambitious" le da a la serie un estilo peculiar, con un aire más alegre, que da el contrapunto a la bucólica canción de Kalafina.
El director, Mamoru Kanbe, ha estado a cargo de animes tan distintos como Elfen Lied o Ichigo Mashimaro. Y me parece que ha hecho un trabajo impecable en esta serie.
Y por supuesto, lo que más llamaba la atención, la ambientación en un paisaje histórico de España, no decepciona y da unas ganas tremendas de visitar ese lugar a medio camino entre Teruel y Guadalajara, o Madrid y Valencia; para ver el "Seize" donde viven las protagonistas. (Qué mejor momento que ahora, 2 al 4 de marzo de 2012, que se celebran las Jornadas Otakus de Cuenca. http://otakucuenca.los-foros.net/t257-jornadas-otakus-en-cuenca )
He decidido hacer esta reseña, ya que fue un anime que me sorprendió en su momento. Para mí es una joya del anime para adultos.
Entrando en materia, este anime consta de seis series con 16 partes en total. Yo vi nueve partes correspondientes a las tres primeras sagas. La historia trata sobre que viene a La Tierra una especie de deidad que traerá la paz definitiva entre tres mundos. Los humanos, los hombre-bestias y los demonios. Para ello tomará la forma de un humano.
El humano se transforma en una especie de demonio llamado Chōjin, también conocido como Overfiend, su transformación es un poco atípica para nosotros, pero para los japoneses parece que sea normal que le nazcan siete tentáculos fálicos y aumente en tamaño como treinta veces.
Imaginarme a mí, que me las dejan en VHS, allá a principios / mediados de los noventa y me dicen:
-Tienes que ver esto. Está guay.
-Bueno, déjamelo y los veo.
Me dispongo a verlas y la primera me dejó acojonado y con ganas de más. Total que me vi las nueve partes en dos días, al final me quedé como diciendo -wau- y tuve que calmar los nervios cual locomotora de vapor. Llamé al que me dejó las películas y le dije:
-Tío, ¿de dónde has sacado estas películas?- A lo que me contestó:
- La vi en una tienda, pregunté que qué tal era y me dijeron que eran dibujos japoneses (anime) y las compré.
- Pues tío, es una verdadera joya.
Conclusión: En resumen para no aburriros, tenéis que ver este ANIME; lo escribo en mayúsculas por que se lo merece. Para mí fue como un antes y un después. En serio os lo recomiendo. No perderéis tiempo, es más os reafirmará más en esta aventura que es el arte japonés de la animación.
Un saludo para todos los otakus y todos animeros y mangakas, Xull.
Esta película son en realidad varios cortometrajes basados en la saga Halo de los populares videojuegos de Microsoft. Cada historia producida por estudios y directores diferentes a lo "Cadáver Exquisito" trata de imbuirnos en el universo de humanos, Spartans, Covenants y otros seres galácticos, contando la historia de modo similar a como lo hicieran con Animatrix, o Batman, el guardián de Gotham.
Mi opinión es que aún con un ambiente de ciencia-ficción bastante atrayente no logra cubrir las aspiraciones que seguramente los artífices del juego de XBox querrían. El problema creo que sucede porque las historias son demasiado diferentes entre sí, aunque esa es la idea en este tipo de producción pero resultan algo inconexas; con estilos muy distintos.
Mis preferidas son Prototipo, The Babysitter (de Studio 4ºC) y Odd One Out (Rescate). En esta historia me hace gracia que el protagonista sea el Spartan nº 1337. Un guiño hacia la corriente Leet en una historia con bastante humor irónico, acción y fantasía.
La historia dónde se invirtieron más recursos sería The package (El paquete) que está dividida en dos partes en su emisión original aunque en el bluray aparece como colofón a toda la serie de capítulos, y de un tirón. En mi opinión tiene acción y poco más.
La decepción para mí como incondicional de Studio 4º C ha sido Origins también de dos partes que abren la historia a modo de prólogo muy similar a lo que sería "The second renaissance" en Animatrix. Quizás demasiado parecido, y eso es lo que me molestaba.
La que menos me gusta, de los 8 episodios en que se divide el bluray, es The duel; que muestra una historia de la raza Covenant al más puro estilo samurai en el Japón feudal; con una técnica de dibujo que filtra la imagen pretendiendo aparentar que la animación 3D es un lienzo o un ukiyo-e y queda realmente mal para mi gusto.
La nota discordante, quizás por su halo de introspección y suspense de la historia se la lleva Homecoming (de Productions I.G.) que es una historia bien desarrollada y con buena técnica de dibujo pero deja un sabor algo inconcluso. Muy japonés.
La valoración final es de un aprobado por los pelos y que aunque haya cortos peores o mejores hay que verlos todos para adentrarse mejor en la historia.
El blog ha pasado por varios sistemas de musica de acompañamiento. Atrás quedan Imeem, Grooveshark y otros. Finalmente hemos puesto una playlist de Youtube. Esperamos que dure e ir ampliándola.
Sugierenos más música y deja comentarios sobre la playlist.
RIP Grooveshark:
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Recuérdanos los títulos que teníamos.
