Inu-oh 『犬王』(2022)

El pasado 8 de diciembre pude ver 犬王 "inu-oh" en el 28 Salón del Manga Barcelona. Me pareció estupenda. Muchos han dicho ya que es una joya. Una película imprescindible. Y la volveré a ver si la ponen en más cines o la compraré en bluray, seguramente.

Sin embargo esperaba que la película tuviera algo extra, más allá de mis propias expectativas(que eran altas) habiendo visto ya algunas escenas en los últimos dos años, conociendo ya el contexto de los personajes creados con ayuda de Taiyō "Tekkonkinkreet" Matsumoto, y visto un poco del comienzo y habiéndonos contado muchos detalles con antelación que no se aclaran totalmente en la película, de manos de su creador de forma online en los dos últimos festivales de Annecy.

La película es una mezcla clara de esos estilos que casan muy bien del Masaaki de Mind Game o "Yoake tsugeru Lū no Uta"(Lū over the wall) y el Tekkonkinkreet "minotáurico" de Taiyō.

El argumento es suficientemente ecléctico para meterlo en el campo de lo comercial. No es tan "inclasificable" como lo pintan algunos de sus críticos que recomiendan la película.

Hay una historia suficientemente compleja para mantener el interés.

Pero lo que sí tiene, sobre todo, es un homenaje a la música y el baile como espectáculo, con gran concierto final. Un retrato de lo que pudieron ser los inicios del sarugaku bajo el shogunato del tercero de los Ashikaga (gracias por el apunte @JonathanLVera ), Yoshimitsu Ashikaga (s. XIV, XV). Al que se le recuerda como principal impulsor de este estilo de teatro musical que más tarde evolucionaría(?) en el más soso, triste y aburrido(in my humble opinión) teatro de Noh.

Esperaba quizás un argumento con más suspense o giros de guión, algo que vendiera la película por sí sola, sin que nadie sintiera la necesidad de explicarla o recomendarla. Es decir, que sean los propios recomendadores, muchos de ellos, los que sintieran la imperiosa necesidad de VOLVER a verla.

Pero a falta de ese aparentemente innecesario elemento para el artista de que su cine sea más "comercial", habrá que esforzarse un poco más en contar por qué me gusta tanto Inu-Oh.

Masaaki es un genio indiscutible de la animación. No busca el preciosismo de Makoto Shinkai, ni las emociones realistas de Mamoru Hosoda; sino dar vida a los dibujos con los elementos básicos y transmitir emociones diversas y originales a través de una historia. Es un "cuenta historias" o story-teller profesional.

Taiyō Matsumoto por su parte tiene estilos de dibujo que adapta a cada obra aunque puede reconocerse su toque en todas ellas.

La historia se basa en el libro de Hideo Furukawa, Heike Monogatari, capítulo de Inu-oh.

La película nos traslada a la época del siglo XIV, más de 600 años atrás, en que monjes ciegos tocaban el biwa cantando canciones de las gestas de la batalla de Dan-no-Ura(s. XII). Esto no se explica en la película con claridad pero, en esa batalla puede verse que un bando usaba banderas blancas y los otros rojas. Hoy día ambos colores forman la bandera de Japón. Esta historia parece transmitir cómo se alcanza esa fusión.

Hace más de 600 años, en la era de Yoshimitsu, no vivíamos ni tú, ni yo, ni Masaaki Yuasa; Por eso todos podemos imaginar, fantasear y reir con pequeñas locas ideas que podrían haber sucedido en aquel entonces.

Como qué pasa si uno de estos aprendices de monje ciegos decide juntarse con un ser deforme que nació así por un hecho probablemente relacionado con los restos hundidos de la batalla de Dan-no-ura, rescatados; igual que otro de estos objetos fue la razón por la que el joven Tomona quedó ciego como los monjes que tocan el biwa y esto ayudase a que coincidieran ambos. El ser deforme, autoproclamado Rey perro (inu-oh) que canta y baila y Tomona, el músico ciego de biwa. Creando un grupo que logra tanta fama en la época que eclipsa todo lo demás, como tuvieran en su momento los Beatles o los Queen. Masaaki al parecer es fan de Queen. Y eso se deja notar en esta película.

Esa fama crea algunas envidias y descontento entre los amantes del orden, la jerarquía y algunos ávidos de mayor protagonismo.

Una de las partes que más me impresiona es el nivel artístico con que representan en ocasiones el punto de vista de Tomona, que quedó ciego en su infancia. Donde sólo podemos ver aquello que hace sonido. Creo que sólo maestros de la animación de la talla de Yuasa se atreven a representar algo así. Modos diferentes de percibir un entorno. Y no dibujos casi fotográficos del mundo real desde un único punto de vista.

También me gusta el humor en personajes como el padre de Tomona cuando es invocado. Una buena película tiene que tener válvulas de escape que permitan abandonar de vez en cuando la seriedad aunque sea por pequeños momentos.

La película es un viaje visual lleno de ritmo y fuegos de artificio, con muchas "válvulas de escape". Con unos conciertos espectaculares que no te esperas en una época que, me consta, Masaaki Yuasa tuvo que documentarse muy a fondo, pese a la escasez de documentos de hace tanto tiempo, para recrearla con fidelidad.

Dororo (2019)

Osamu Tezuka es conocido como "dios del manga" pero fue también padre del anime moderno tal y como lo conocemos.

Como conmemoración de los 50 años desde que la productora de Tezuka, Mushi Productions, estrenase su serie "Dororo"(1969) adaptando el manga de Tezuka de 1967, "Dororo to Hyakkimaru", el estudio Mappa ha hecho un gran trabajo de adaptación. Con la diferencia fundamental de que el original fue realizado en blanco y negro para abaratar costes.

Tanto la serie clásica como la de 2019 son gratamente disfrutables aunque, como es natural, la nueva serie tiene toques más modernos y se permite el lujo de contar con distintos directores que le aportan un estilo diferente en ocasiones. Algo que a veces le resta consistencia al conjunto del anime. Especialmente, hay bastante consenso entre los aficionados de que el episodio 15, firmado por el director Osamu Kobayashi, desentona con el resto de la serie.

Dororo es un personaje callejero que aún no ha superado la niñez y sobrevive sin sus padres entre rateros en mitad del Japón de estados en guerra hasta que se topa con Hyakkimaru; un ser desprovisto de prácticamente todas las partes de su cuerpo, que carece de vista, oído y demás sentidos pero compensa con una visión sobrenatural ante el "aura" de los seres vivos y unas espadas camufladas en el lugar de sus brazos protésicos.

Dororo y Hyakkimaru inician un camino juntos enfrentándose a demonios que poseen las partes que robaron a Hyakkimaru cuando nació; y devolviéndoselas cuando son derrotados. Siendo huérfanos o abandonados por sus padres, ambos personajes conectan pronto y se complementan llegando a depender Hyakkimaru, alguien capaz de matar un enorme demonio, más de Dororo que Dororo de Hyakkimaru.

Es un anime de época, lleno de acción y seres sobrenaturales en medio de la cruel era Sengoku. Pese a todo tiene un toque natural de humor mezclado con filosofía y dramatismo. Es un anime muy recomendable por su valor estético y personajes interesantes.

Destacan el tema musical del opening de la banda J-Rock Queen Bee, 火炎 "Kaen"; y el tema del ending de la banda J-Rock Amazarashi, "Sayonara Gokko". Que son un gran envoltorio para los 24 minutos de la primera mitad de sus 24 episodios.

Amazon Primevideo ha ofrecido el anime prácticamente en simulcast. Con un nuevo episodio cada semana desde principios de 2019 hasta que se concluyó su emisión en Japón.

Violet Evergarden

Vaya por delante que me ha gustado mucho esta serie anime de Kyoto Animation y seguro que me extiendo más de lo necesario. La serie se basa en una serie de novelas ligeras ganadoras de más de una categoría en unos premios que los propios estudios concedieron en 2014.

Hay pocos estudios como "KyoAni" que rivalicen en la calidad de sus obras y sello personal. Seguro que ya lo he dicho en alguna otra reseña. Y me gusta este anime, que Netflix distribuye, aunque sea una serie con ingredientes de géneros quizás muy comunes, que en mi caso no tendrían porque gustarme demasiado como el drama, romance, acción bélica e incluso algo de ciencia ficción o, más bien, algo parecido al steampunk; donde se muestra un escenario de época, próximo a los finales del siglo XIX o comienzos del XX con un toque refinado de la Europa clásica en contraposición con el uso de manos protésicas de adamantium(sí, el mismo metal de las garras de Lobezno-Wolverine- en los X-Men).

Todo ello para... escribir cartas en una máquina de escribir.

La mezcla funciona. Se aparta de los géneros comunes de anime, al no estar ambientado en Japón; ni el presente moderno. Pero está dotado de gran realismo en lo que podría ser perfectamente una región con claras influencias y costumbres occidentales. Con coherencia cultural; sin mezclar culturas dispares. Llevando el tema del diseño artístico a un nivel por encima de series como "Sora no woto".

Este escenario es cuando menos intrigante. Para querer saber más.

Y me ha gustado mucho el anime porque, aparte del personaje femenino protagonista que da nombre a la serie, cobra protagonismo la máquina de escribir. Por alguna razón, siempre me fascinaron los aparatos con teclas o botones. Las máquinas de escribir, siendo lo suficientemente "viejuno" para haberlas utilizado al aprender mecanografía con ellas, son una de las pocas cosas del pasado que me producen cierta nostalgia.

Y ese protagonismo está en la historia, en detalles y accesorios que acompañan a la protagonista, y en la fantástica música orquestal compuesta por Evan Call que integra los chasquidos característicos de las teclas en la banda sonora; que acompaña a la serie desde el comienzo. Y que le da un aire cinematográfico que también evoca cierto cine del pasado como la secuencia introductoria de "Forrest Gump". Supongo que no seré el único que note esa similitud en el primer episodio. No tanto musicalmente sino como por la puesta en escena.

El romance está tratado de un modo que, pese a que domina toda la historia, no llega a sentirse cursi o empalagoso. Es una historia bonita, y en ocasiones triste, que transmite muchas emociones diferentes. Tiene una trama argumental que conduce hasta el momento final en el episodio 13. (Con un arco alternativo que está previsto se estrene en forma de OVA nº 14, en julio de 2018)

Pero, si algo merece la pena en este anime es conocer a Violet Evergarden. ¿Es una chica o una máquina? Realmente no se sabe distinguir en los primeros episodios. Poco a poco, a razón de 25 minutos por episodio, contándonos su historia entre algún que otro flashback para recordarnos una reciente guerra que aún tiene frentes abiertos y cicatrices que aliviar, se nos muestra cuánto hay de humano en ella con cada nuevo episodio; en ocasiones autoconclusivo. Con personajes que encandilan y haciendo el mundo de la serie "Violet Evergarden" cada vez más grande.

El cuento de la princesa Kaguya

Isao Takahata dirigió esta película que se estrenó en 2013. Tras unos 7 años de trabajo; Alcanzando el Estudio Ghibli, con ésta, una cifra de 21 largometrajes producidos. Poniendo punto final a su animación característica de estilo tradicional (sin ordenadores) tras la retirada (no definitiva) de la máxima figura del estudio, Hayao Miyazaki.

Takahata, ya había hecho otras películas como "Pompoko" o "La familia Yamada". Esta última, con un estilo de dibujo con pinturas sobre papel muy peculiar y distinguible. Que pudo servir de base para la estética de dibujo que podemos ver en su película "El cuento de la princesa Kaguya" (かぐや姫の物語 - Kaguya hime no monogatari). Un estilo atípico que no se ve en la animación actual, y que para nada se ve tosco o exagerado. Son pinceladas que van directas a lo más profundo de nuestras pupilas.

Takahata es un verdadero maestro en la animación y se toma a conciencia detalles y gestos de sus personajes.

Su veteranía queda plasmada en un cuento tradicional japonés del siglo X, considerado la obra narrativa en prosa de Japón más antigua que se conserva; "Taketori monogatari" (El cuento del cortador de bambú) que fue adaptado mil y una veces por distintos autores en distintos medios, que dudo quede algún japonés(con uso de razón) que lo desconozca(si ha crecido en Japón).

La historia clásica habla de una princesa que aparece en un brote de bambú encontrada por un anciano recolector de bambú que junto su esposa deciden adoptarla y criarla como su propia hija. La niña crece deprisa, de forma tan misteriosa como su origen, y poco a poco conoce el mundo que la rodea con sus bondades y angustias. Cierto día, la Luna reclamará el regreso de la princesa. Un mundo donde no hay dolor, pero tampoco alegrías.

Es un cuento triste y alegre al mismo tiempo, como la vida. Un cuento que no puede ser más japonés. Que enseña a valorar lo bueno, lo malo y los matices de en medio.

Takahata puso todo su bagaje artístico en su última película como director, mostrando una nueva visión del cuento, sin alterar su esencia y dotándola de una belleza inusitada en el anime japonés. Ofreciendo una protagonista llena de vida, y dotada de gran profundidad emocional; Al tiempo que otros personajes secundarios aportan la esencia misma de la vida. Alegría, humor, ternura, severidad, ingenuidad, sabiduría, enfrentamiento, etc.

Probablemente todas estas palabras se quedan muy cortas para describir un anime que mira desde muy arriba al resto de creaciones más modestas del mundo de la animación de Japón.

Hay que tener en cuenta que, como cada gran producción del mundo del anime, Ghibli contó con el apoyo de otros reconocidos estudios del mundillo como Production I.G., Bones, Studio 4C, o Madhouse, entre muchos otros.

Hasta que no se ve, no se puede entender cuan buena es esta película. Y sólo viéndola tendremos algo más de criterio para valorar otras obras que se acerquen un poco a su altura.

Además de una canción infantil que mueve toda la trama, a modo de leitmotif repetitivo, compuesta por el propio Takahata con una melodía en escala de estilo tradicional japonés, la pentatónica menor, o algo así (nunca estudié mucho solfeo); creo que se conoce como la escala Hirajōshi; y de la música final de los créditos, la película viene envuelta con una maravillosa música interpretada por la Tokyo Symphony Orchestra a cargo del compositor habitual de Miyazaki, Joe Hisaishi; que al mismo tiempo compuso la de "El viento se levanta" de Hayao.

Una música que tiene muchas variaciones. Capaz de estremecer por sí sola. Y que crece mucho con esta historia bajo la dirección de Takahata. Es brillante, sublime, acompasada a la acción. Cine con sustancia y emociones.

Siempre he sido muy crítico con la otra obra por la que Takahata es conocido tanto dentro como fuera de Japón, "La tumba de las luciérnagas". Esa película muestra también una historia de alegrías y tristeza. Que pudo sorprender, o no, dentro del cine de animación de su época; pero es que ahí se habla de un relato basado en la vida misma. Un drama real, tan terrible como es el efecto de una gran guerra, en un mundo pretendidamente civilizado. Algo que pensando de forma colectiva se podría evitar.

En cambio, "Kaguya" es una parábola; que celebra la vida, la naturaleza y la libertad individual de las personas. Ambientada en la era Heian, cuando Miyako (Kioto) era capital. Más de 1000 años atrás.

"Recuerdos del Ayer" me gusta más que "La tumba de las luciernagas". Era mi película preferida de Takahata, por su enfoque adulto y realista de una vida a caballo entre el Japón rural de la infancia de la protagonista y el Japón moderno de ciudad que se deja atrás, por un momento. Una historia realista que contrasta mucho con la fantasía y misticismo que destila "Kaguya" en un pasado tan lejano.

Me he dado cuenta que "Recuerdos del ayer" ha sido superada, sin duda, por "Kaguya" ya que, al verla por segunda vez, aprecié mucho mejor todo lo que Takahata imprimió en ella.

La diferencia fundamental, dado que ya conocía el cuento original incluso antes de verla por primera vez, fue que esta vez la vi en versión original subtitulada; en lugar de doblada (La primera vez no había en el cine otra opción. Y creedme que me sangraron los oídos cuando escuché al personaje udaijin ("Ministro de la derecha") hablar con la voz de Peter Griffin, de "Family's guy"; aunque el orginal tiene un voz cómica similar; pero me descolocó totalmente). En versión original, además, si se conocen algunos matices del idioma, se pueden reconocer formas de hablar de campo y de ciudad y la pretensión de aparentar del padre de Kaguya; cosa que se pierde bastante en el doblaje.

Consejo: Si aún no la has visto así, no dejes de verla en japonés, con subtítulos. O sin ellos. (si no los necesitais. Jeje)

Miss Hokusai

La hija del reputado pintor es el personaje protagonista en esta película del director Keiichi Hara, que nos traslada al mundo de la vieja Edo de principios del siglo XIX desde su punto de vista, y el mundo artístico en el que estaba sumido su padre, y otros artistas de su alrededor.

Es una obra maestra.
Aunque no acabo de ver claro si el uso de guitarra eléctrica en la música de la banda sonora para una historia ambientada en la epoca Bunka, de mayor explendor antes de la re-apertura de Japón al mundo, es un contraste interesante y apropiado, o no.

El largometraje es un "biopic" que nos muestra de forma bien condensada unos meses en la vida de la hija de Hokusai, su propio padre, y otros compañeros, y familiares como su madre y hermana pequeña ciega que no puede ver la obra del artista más venerado de Japón. Es una historia que enternece con humor, fantasía y melodrama, además del trasfondo histórico predominante, que te traslada en cuerpo y mente a aquel lugar, no sólo tan lejano, de lo que hoy día es Tokio, sino de una era tan diferente pero, al mismo tiempo, próxima al Japón actual.

Aún tres meses después de verla, esta película me pone la piel de gallina sólo con recordar algunos de sus matices. Es una obra maestra que trasciende el hecho de ser una película de animación. Dando credibilidad a lo que el director comentó en una entrevista con sus distribuidores en España tiempo atrás, hablando de su propia obra anterior (El verano de Coo): -"No me interesa el mundo de la animación en absoluto. Sólo me gusta el cine."

El viento se levanta - 風立ちぬ

Dado que contiene algunos elementos perturbadores que pueden irritar a algunas sensibilidades por tocar temáticas cuyas heridas no están todavía cerradas, la (probablemente) última película de Hayao Miyazaki imagino que se perpetró con toda intención para causar cierta polémica; que siempre viene bien para atraer público a las salas. Pero no está exenta de la maestría que caracteriza al genio animador.

Kaze tachinu (風立ちぬ) relata la biografía de un ingeniero aeronáutico a modo de "biopic", desde tiempo antes de la Segunda Guerra Mundial en Japón, y su pasión por construir aviones como su mayor ilusión que compensa las frustradas ganas de pilotarlos por culpa de una vista imperfecta.

El film tiene unos toques de estilo originales en la forma de la animación y ambientación sonora y alzan a Miyazaki un poco más, si eso era posible, entre los pocos maestros de la animación de estilo tradicional. Aunque alejándose de la animación contemporánea donde predominan los efectismos tridimensionales, personajes llamativos y colores contrastados.

En mi opinión, no es en absoluto la mejor de sus películas pero en algún festival de cine se ha llevado el primer premio en su categoría poniéndola por delante de por ejemplo la taquillera Frozen. Aunque no es el caso del Festival de Anime de Navarra, FAN'15 donde quedó en un humilde 4º lugar; 3 puestos por debajo de La isla de Giovanni.

De cualquier modo, es una muy buena película. No quiero entrar en detalles sobre la diversidad y calidad de los personajes mostrados, el ritmo y temple mostrado en todo el largometraje, la buena ambientación musical, etc porque hay muchas cosas que me gustan y otras que me disgustan pero en términos globales le doy la mejor nota posible. No hace falta hablar más porque a este cineasta le sobra curriculum y no ha hecho una película que se pueda decir que sea "mala".

Miyazaki ha querido jubilarse (por enésima vez) con esta película. Y es casi obligatorio verla si se quiere conocer un poco de la trayectoria de este genio-arrogante (a partes iguales), cascarrabias-pacifista(también a partes iguales) y ecologista-fumador(creo que más lo segundo).

Giovanni no shima - La isla de Giovanni

Poco se todavía de la obra de Kenji Miyazawa, el poeta y escritor del cuento infantil "El tren nocturno a la Vía Láctea". Pero la película "La isla de Giovanni", flamante ganadora del Festival de Anime de Navarra, FAN'15; no es la primera, sino la enésima obra de anime (o manga) que veo haciendo alusión a tal libro. Miyazawa es una inspiración innegable para muchos creadores japoneses.

Pero lo de esta película parece algo más que una alusión. Toda la película en sí misma homenajea sin parar al cuento clásico del tren de vapor que viaja al espacio y sus protagonistas, Giovanni y Campanella. Y son unas escenas bonitas y poéticas.

La fantasía es la vía de escape para evadirse del drama que viven unos niños, nacidos en la isla de Shikotan de la que se cuenta partía el tren de la obra de Miyazawa, durante los tumultuosos tiempos para Japón nada más terminar la Segunda Guerra Mundial.

Los protagonistas viven intensamente los días que podrían ser los más felices y más amargos de sus vidas al mismo tiempo.

Por mucho que se la compare con "La tumba de las luciérnagas", a mí me ha gustado más el modo en que se cuenta esta historia. Por supuesto hay drama detrás, pero la historia tiene más dosis de ternura y calor humano que hace falta en situaciones tan injustas.

Si se ha de comparar, en esta película hay un personaje secundario que recuerda al fantástico personaje que interpreta Roberto Benigni en "La vida es Bella", haciendo ver que las cosas no van tan mal, poniendo al mal tiempo buena cara.

Si se tiene ocasión de verla en V. O., es casi obligatorio verla así. Pues detrás hay un trabajo de diálogos en japonés, ruso e incluso coreano; que se perderían con el doblaje. Y son importantes para comprender mejor el mensaje de la película de diversidad y aceptación.

Porco Rosso

Gracias al FAN'11 he podido ver este clásico de Ghibli casi 20 años después de su estreno en 1992. Me da la sensación de que Hayao podía haber hecho este film tantos años atrás como años más tarde del momento en que se hizo porque el estilo de la narración se asemeja a toda la obra del maestro Miyazaki, desde Nausicaä a Ponyo, pasando por El castillo en el cielo y otras.

Debo reconocerle a los estudios Ghibli y en especial a las películas firmadas por Hayao que, aunque distintas, parecen formar parte de un todo cohesionado. Un estilo de hacer anime que forma un puzzle al que si le quitas una pieza parece completo pero no lo es.

Porco Rosso trata de un cazarecompensas al estilo Humphrey Bogart o Clark Gable algo gordo con apariencia porcina y algo egoista que se dedica a pilotar un avión de combate a cambio de dinero que le permite seguir en el aire con su viejo hidroavión rojo. En su aventura se cruzan otros personajes como Gina la cantante que enamora a todos los pilotos de la región o Fio una audaz joven que lo da todo para reparar y construir aviones. Estorbando, en medio, está la banda de piratas Mamma Aiuto y Donald Curtis que será el antagonista de la historia.

Aunque en ningún momento se muestran "verdaderos" buenos o malos en la película el ambiente está cargado de cierto resentimiento contra las malas actitudes humanas, como en todo film de Hayao. Con una mezcla de melancolía, romance y humor.

Y a diferencia de otras películas del autor en este caso se ve reflejada una época concreta entre la primera y segunda guerra mundial y lugar; el Mar Adriático.

La película es una adaptación del manga Hikōtei Jidai (飛行艇時代 - La era de los hidroaviones) creado por el propio Miyazaki y es un claro reflejo de su obsesión con los aeroplanos o máquinas volantes.

La música en el largometraje, como en todas las películas de Hayao, está firmada por su músico fetiche Joe Hisaishi. Que le da el envoltorio perfecto a lo que una película Ghibli tiene que ser.

Todos los ingredientes del anime hacen que, según nos explicó Juan Zapater en la introducción de la película, algún museo occidental haya considerado digna de formar parte de su colección de obras de arte ésta y no otra película.

Hetalia

Axis Powers Hetalia, es una serie anime producida por Studio Deen que consta de 52 breves capítulos, ONA, de 5 minutos de duración que se emitieron inicialmente por Internet.

La serie está basada en la obra homónima de Hidekazu Himaruya. Un webcómic que más tarde llegó a convertirse en manga con, hasta la fecha, tres tomos publicados en formato tankôbon en Japón.

El éxito de la serie es tal que ya hay una segunda serie titulada: Hetalia Axis Powers World Series, actualmente en emisión en Japón con, hasta la fecha, más de 30 nuevos episodios producidos. Y entre tanto se ha realizado un largometraje de 70 minutos titulado Hetalia Axis Powers Paint It White.

El fenómeno fan que ha producido esta serie en el mundo entero es tal que se ha proclamado una fecha para celebrar el Dia Internacional de Hetalia, que en 2010 se decidió celebrar en octubre, el día 24.

Ante todo es un anime peculiar ya que en clave de humor sin llegar a ser una sátira punzante se narra la historia de nuestro mundo a través de personajes que representan el arquetipo político-social-cultural de sus respectivos países. Con mayor atención al personaje llamado Italia, algo incompetente y con el trasfondo de ser aliado del Eje en la II Guerra Mundial.

El título es un juego de palabras en japonés entre Incompetente e Italia y se podría traducir como "Potencias del Eje: Incompetalia".

Sin embargo Italia no es la más maltratada, ni la menos, todos los personajes/países tienen un carácter y apariencia muy atractivo con un encanto especial, al tiempo que unas manías y defectos de lo más tonto. Tantas o más que las de Italia.

La historia está contada con muchísima delicadeza, aunque puede que con algo de frivolidad para tratar temas serios.

Este anime ayuda a conocer y comprender la historia del mundo, solidarizarse con los demás países y reconocer el propio sin sentirse insultado. Porque al ver que todos son tan "hetalianos" solo queda reírse pero no de ellos sino con ellos.

Este anime de ficción basado en sucesos históricos y anécdotas culturales de todos los tiempos debería usarse como material didáctico en las escuelas, y no otras cosas que se hacen pasar por documentales.