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domingo, 12 de diciembre de 2021

Nankyoku ryōrinin - 南極料理人 - The chef of South Polar (2009)

Esta película largometraje basada en hechos reales se inspira en la serie de libros escritos por su protagonista Jun Nishimura, "Omoshiro Nankyoku Ryōrinin", donde se cuenta cómo un limitado grupo de 8 compañeros procuran sobrevivir a una estancia de casi un año a finales de los 90s en el que es probablemente el lugar más inhóspito del planeta.

Con temperaturas medias de 57 grados centígrados bajo cero. A 1000 kilómetros de distancia de la base japonesa "Shōwa" del Polo Sur, en la base conocida como Fuji Dome a 3800 metros de altitud, superando la altura de la cumbre del Monte Fuji en el helado continente de la Antártida, donde el único ser vivo que merodea por allí son los científicos que pasan varios meses estudiando los distintos estratos de las capas más profundas de hielo del lugar.

El tono de comedia está presente en todo momento. Entendiendo como comedia el cine que intenta imitar la vida misma y se ríe de ella con todas sus fuerzas, incluyendo tanto los momentos buenos como los malos. Sin excesivo drama.

Es una comedia "cocinada" a fuego lento muy gastronómica que habla de quien era el miembro clave del equipo encargado de alimentar a todos cada día. Y las peculiaridades de cada personaje y su comportamiento en una situación extrema de confinamiento.

Tanto la adaptación del guión para la pantalla grande como la dirección me parecen muy bien hechas. Con un ritmo bien calculado y añadiendo información en cada secuencia "marinada" con chistes y gags que te sacan más de una carcajada.

Hay que hacer mención especial al extenso equipo de peluquería que casi sin darnos cuenta muestra como afecta el paso del tiempo a los confinados según su forma de ser o el cuidado puesto a su aseo personal.

La música de los créditos finales es de los Unicorn. Quienes también se encargaron de un famoso opening en el anime Uchū Kyōdai (Space Brothers).

Son poco más de dos horas de película que se pasan muy rápido. Seguramente a una velocidad mucho mayor que la del paso del tiempo en la Antártida real.

También se realizó en 2019 un dorama con mismo título que la serie de libros.

Le doy un 9.

Publicado por Freddyncalm el 12.12.21
Nankyoku ryōrinin - 南極料理人 - The chef of South Polar (2009)
2021-12-12T18:20:00+01:00
Freddyncalm
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domingo, 28 de febrero de 2021

Todavía no conoces Gunma・Omae wa Mada Gunma wo Shiranai・お前はまだグンマを知らない

Esta es una serie muy breve de 12 episodios de apenas 3 minutos de duración por cada capítulo.

Así que puede verse la serie entera en menos de 40 minutos. Yo tardé más de dos años en terminarla. Quizás lo dilaté un poco pero tampoco está mal dosificar aquello de lo que se tiene poco.

Es una serie en clave de humor claramente producida para atraer turismo a la región. Muestra peculiaridades de la zona algo alejada del Japón más urbanita y popular. Con la excusa de que en cierta ocasión un ranking de popularidad situó esta prefectura en último lugar.

Pero lo cierto es que Gunma tiene bastante fama; en el mundo del anime e incluso videojuegos. Gunma aparece en escenarios de Madoka Magica o Yorimoi y es la única prefectura que conozco protagonista de un vídeojuego de estrategia propio "Gunma no yabō", La ambición de Gunma; que consiste en conquistar los territorios de alrededor hasta convertir todo Japón en Gunma, seguidamente del resto de países del mundo y resto del universo. Ambición no les falta.

Además del anime existe manga original publicado como cómic web entre 2013 y 2019 así como una película y una serie de acción real estrenadas ambas en 2017. Y también se hizo un juego para móvil android y ios de la misma temática.

La historia nos presenta a Kamitsuki mudándose a Gunma con ciertas dudas sobre si será o no un buen lugar donde todo parece ir al revés de lo esperado. Las puertas del tren no son automáticas, los lugares donde hay máquinas expendedoras parecen refugios atómicos, y la gente se comporta de forma extraña.

Pero sólo son apariencias. Gunma es un buen lugar y así nos lo contarán distintas personalidades de la región tras los créditos de cada capítulo para convencernos de visitar el lugar. 

Gunma existe.

Publicado por Freddyncalm el 28.2.21
Todavía no conoces Gunma・Omae wa Mada Gunma wo Shiranai・お前はまだグンマを知らない
2021-02-28T21:30:00+01:00
Freddyncalm
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lunes, 28 de diciembre de 2020

La fortaleza escondida - Kakushi toride no san akunin - 隠し砦の三悪人

La fortaleza escondida ( 隠し砦の三悪人 - Literalmente: Los tres villanos de la fortaleza oculta. ) es una película de acción real estrenada en Japón hoy hace 62 años, el 28 de diciembre de 1958; y fue la más fructífera de Akira Kurosawa hasta el estreno, unos años después, de Yojimbo.

Pude verla recientemente en Filmin con el reclamo de ser una influencia de Star Wars, reconocida por el propio George Lucas.

Creo que ese reclamo no defrauda; Cualquiera que aprecie los personajes de C3PO y R2-D2 en la famosa saga verá casi un calco en sus dos zopencos protagonistas que incrustan una nota de humor en una historia de aventura en el Japón de entre guerras, con héroes y princesas de por medio.

Acercándonos a la cultura japonesa, queda patente la cultura de una pareja de personajes "boke"(tontorrón) y "tsukkomi"(mordaz) del "manzai" clásico originario de Japón ya unos mil años atrás.

En lo que respecta a Star Wars, le encuentro (algo más que) similitudes no sólo en toda la estructura del guión, personajes y estilo cinematográfico. La música tiene también bastante similitud con la parte buena de la partitura de John Williams. E incluso aparecen cortinillas de transición que George Lucas usó de igual modo en sus películas de unos 20 años después.

No he visto muchas películas de Kurosawa, aparte de la famosa "Siete Samurais" que me pareció algo aburrida y anodina en su momento; pero cineastas como Steven Spielberg lograron cierta mirada de atención de la crítica al reconocer su influencia. Y el propio George Lucas, como Spielberg, también siguió de cerca la carrera del famoso realizador nipón hasta el punto de, como ya se ha dicho, tener en mente esta película cuando hacía su guión de Star Wars.

Insisto porque puede haber quién no se lo crea. Pero está escrito y reconocido por el propio Lucas en varios libros y entrevistas.

Otra de las pocas películas que he visto de Kurosawa es Rapsodia en Agosto (1991), película donde aparece Richard Gere haciendo de medio estadounidense-japonés que procede de Hawai. Con más de 80 años, Kurosawa hizo una historia menos teatral de lo que acostumbraba y me pareció una película entretenida e interesante. Pero viendo ahora La fortaleza escondida, mi opinión sobre sus películas se inclina a su favor. Y por supuesto trataré de pagar la deuda pendiente de ver sus otras películas más famosas algún día.

Con La fortaleza escondida, Kurosawa inauguró un formato de la productora TOHO que hacía el cine más panorámico. Lo que hoy día nos parece "cine-cine".

Su hilo conductor equilibra humor con una situación dura, una trama que engancha y donde van cambiando escenarios y apareciendo personajes de forma tan coral como lo que hoy día ya se considera un canon de guión como Star Wars, y unos personajes con cierto relieve y que se vuelven interesantes aun empezando desde el punto de vista de los menos importantes de la historia.

No hay que olvidar otro componente de Star Wars que son los combates con sable laser, y en una película ambientada en la era dorada, un tanto idealizada, de la casta samurai obviamente no faltan tampoco combates entre protagonistas. La película de Kurosawa tiene varias escenas rodadas con especialistas en kendo y arco, según indican los créditos.

Con tantas similitudes resulta chocante que algún productor japonés de la Toei, animado por el éxito de la space-opera de Lucas, quiso hacer una producción equiparable; tanto en medios como en similitudes que fue un fracaso casi estrepitoso de taquilla.

Los invasores del espacio - Message from space: Galactic Wars - Uchū kara no messēji (1978) ( Más sobre el tema en este artículo de Unseen Japan (english) )

Y a nadie se le ocurrió hacer un remake de esta película de Kurosawa hasta que llegó en 2008 Shinji Higuchi. Mismo director que posteriormente hiciera los live-action de Shingeki No Kyojin, y codirigiera Shin-Godzilla junto Hideaki Anno.

Publicado por Freddyncalm el 28.12.20
La fortaleza escondida - Kakushi toride no san akunin - 隠し砦の三悪人
2020-12-28T20:01:00+01:00
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jueves, 22 de octubre de 2020

Sing "Yesterday" for Me・Yesterday wo utatte・イエスタデイをうたって

(Esta reseña se escribió el 25 de diciembre de 2020; para llenar los huecos pendientes del blog en este año 2020).

Yesterday o utatte es la adaptación en serie anime del manga homónimo.

La serie de 12 episodios se emitió en las TVs de Japón y también en Crunchyroll por la temporada de primavera de 2020.

La serie gira en torno a las vivencias de un grupo de jóvenes cuyas vidas se cruzan y surgen distintos tipos de romance no correspondidos en forma de triángulo amoroso que conforme avanza la historia parece complicarse hasta más allá de "pentágonos" o "hexágonos amorosos" diría yo.

El manga original tiene más de 100 capítulos recopilados en 11 tomos por lo que creo que la historia en el anime no queda tan bien explicada y parece despertar suspicacias entre los fans hacia algún personaje cuyas motivaciones y forma de ser quizás no se muestren tan a fondo en el anime para entender la evolución de sus relaciones.

Pese a todo la historia y modo de ser de cada personaje, y el modo en que está producido el anime con muy buen dibujo, algún toque de humor y unos ending variados y originales merece mucho la pena verse.

Son 12 episodios que pasan en un suspiro.

Publicado por Freddyncalm el 22.10.20
Sing "Yesterday" for Me・Yesterday wo utatte・イエスタデイをうたって
2020-10-22T00:30:00+02:00
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martes, 23 de junio de 2020

Penguin Highway

(Disculpen que vamos algo retrasados en fechas de publicación de reseñas en el blog por los trastornos coronavíricos)


Este anime de 2018 fue licenciado en España por Jonu Media, según se anunció en primavera de 2020. Esperemos que se edite finalmente. (...)

Está basado en una novela del mismo título de 2010.

Penguin Highway es el primer largometraje de Studio Colorido. Un estudio fundado en 2011 con la intención de promover trabajos de jóvenes creadores de la animación.

La historia transcurre en un pueblo donde Aoyama, un chico de primaria con cabeza despierta que apunta todo lo que aprende, anda enamorado de una chica mayor; y de los pechos. Cosas de la edad. Aunque sólo tiene unos 10 años.


Aoyama se encuentra con la señorita que trabaja en una clínica dental y descubren que ella tiene una extraña facultad que parece provocar extraños acontecimentos al tiempo que aparecen pingüinos de la nada por los alrededores.

Penguin Highway

Aoyama acepta el encargo de investigar lo que sucede por el método científico.

Con ayuda de algunos amigos y otra niña lista de su clase que parece entrometerse.

La historia es toda una aventura visual muy coral, con emociones, acción, humor y fantasía.

Es una pena que la distribución se retrase en España, porque no tiene nada que envidiar a otras películas de anime de éxito como las últimas de Makoto Shinkai o Summer Wars de Hosoda.

 

 

Publicado por Freddyncalm el 23.6.20
Penguin Highway
2020-06-23T18:30:00+02:00
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martes, 14 de abril de 2020

Kimi to, nami ni noretara / 君と、波に乗れたら / Ride your wave

Masaaki Yuasa, que ya debería sonar a los aficionados dado que no para de dirigir buenas dosis de anime en estos últimos años, ha dirigido esta película estrenada en Japón en 2019.

"Kimi to, nami ni noretara" (literalmente: Si montara sobre una ola contigo) nos habla de una chica a la que le gusta hacer surf y un bombero del barrio donde se muda la chica; que rápidamente se enamoran uno del otro. Se enamoran a un nivel tan empalagoso que los diabéticos deberían evitar las escenas centrales del noviazgo. Aunque son bastante divertidas.

La historia se complica cuando el chico tiene un accidente y la chica sólo puede invocarlo allí donde haya agua cantando su canción y cuando ella está en apuros.

Hay más interesantes personajes que acompañan a los protagonistas y nos ayudan a conocerlos mejor hasta contar una historia de una pareja feliz con un héroe en su interior.

La distribuidora española decidió estrenar la película en cines el día de San Valentín de 2020. Así queda claro que es una película para gente muy romántica.
Pero también con sentido del humor y sensibilidad.

Ganó también el premio a mejor película de animación en Shanghai International Film Festival, y en el festival de cine de Sitges 2019. Y el premio "Satoshi Kon" en el Fantasia Film Festival de Montreal.
Publicado por Freddyncalm el 14.4.20
Kimi to, nami ni noretara / 君と、波に乗れたら / Ride your wave
2020-04-14T14:00:00+02:00
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domingo, 22 de marzo de 2020

Eizōken ni wa te wo dasu na ・ 映像研には手を出すな・Keep Your Hands Off Eizouken!

"No pongas tus manazas en el club de cinematografía" es la última serie anime del estudio de Masaaki Yuasa, Science Saru. Puede verse en Crunchyroll.

El anime, de 12 episodios, empezó a emitirse el 6 de enero de 2020 y concluyó el 23 de marzo de 2020(pasada la medianoche del domingo 22; hora de Japón).

El anime está basado en un manga de Sumito Oowara que sigue serializándose desde 2016.

Es una serie sobre anime. Llena de referencias a clásicos del anime japonés y multitud de guiños didácticos que muestran técnicas e historia del medio. Como Bakuman fue uno de los manga sobre manga más populares.

Es curioso que Yuasa haya acabado realizando este proyecto, porque otros lectores están de acuerdo en que no podía haber un candidato mejor para dirigir la serie.

El estilo propio de Yuasa es ideal para hacer una serie como esta. Y, aunque no he tenido ocasión de leer aún el manga, y pronto se estrenará una versión live-action en formato de película y mini-serie, es evidente que el medio ideal para una serie sobre anime es, ni más ni menos, un anime.
Como Bakuman es mejor leerlo en manga, que verlo en el anime.

El eizōken es un club compuesto por estudiantes de instituto que quieren hacer anime a toda costa. Cada chica tiene su propia personalidad, intereses y motivación.

Empezando por Midori Asakusa una chica bajita, muy bajita, parece un tapón, introvertida y con algo de fobia a las multitudes, entusiasmada por la animación desde que era pequeña(más) con una gran afición por crear escenarios y objetos basados en lo que observa en su día a día y desarrolla una capacidad arrolladora para dar vida a mundos narrativos de una imaginación desbordante.

Su compañera de fatigas Sayaka Kanamori, es una chica alta, muy alta y larguirucha, con poco interés en la parte técnica o creativa de la animación pero con una personalidad tan pragmática que resulta el contraste ideal de Asakusa para poner los cimientos a sus castillos en el aire. Es la productora perfecta.

El instituto Shibahama, y la ciudad donde se encuentra, es el escenario ideal para que las historias que Asakusa inventa cobren vida con separación casi invisible entre la realidad y la fantasía. Es una locura para cualquier dibujante con perspectivas imposibles y lugares inclasificables. Por ejemplo, el despacho de los profesores está dentro de una piscina (sin agua). Y no te das cuenta hasta que paras la imagen y lo ves desde lejos. Es imposible describirlo bien con palabras.

Las dos chicas conocen casualmente a Tsubame Mizusaki, otra estudiante del instituto que es modelo famosa siguiendo deseos de sus padres, con un profundo amor por la creatividad animada y en especial el diseño de personajes y animación de movimientos, aunque sus padres le tienen prohibido acercarse al mundillo en un club de la escuela, deciden iniciar juntas las actividades del club de cine con la única meta de hacer anime.

En el instituto, otros personajes de soporte y antagónicos van surgiendo creando nuevos problemas y retos que el Eizōken tendrá que resolver mientras conocemos un poco de la vida y personalidad de cada protagonista.

Cada capítulo cuenta con unas escenas de pocos minutos animadas con distintas técnicas, que siempre han caracterizado a Yuasa, de animación artesanal y por ordenador que son un auténtico lujo disfrutar.

En la parte musical destaca el opening "Easy breezy" de las raperas Chelmico; El ending "Namae no nai ao"(El azul sin nombre) de "Kamisama, Boku wa Kizuite shimatta". Y una serie de temas musicales a cada cuál más alocado, llenos de emoción que le dan un estilo característico y estructura homogénea a toda la serie.

Si te gusta el anime tiene que gustarte esta serie que muestra los entresijos del proceso creativo, los pros y los contras del oficio; lo mucho que cuesta crear historias y una trama que te acerca a unos personajes que es imposible no querer, padeciendo sus dificultades y alegrándote con sus éxitos.
Publicado por Freddyncalm el 22.3.20
Eizōken ni wa te wo dasu na ・ 映像研には手を出すな・Keep Your Hands Off Eizouken!
2020-03-22T21:39:00+01:00
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sábado, 26 de octubre de 2019

Carole & Tuesday

Con Shin'ichirō Watanabe al timón como director general de su último anime producido por los estudios Bones,  Carole & Tuesday ha sido un gran éxito de la temporada de primavera y verano de 2019 en Japón.

La serie habla de las dos chicas que dan nombre a la serie; procedentes de mundos opuestos que coinciden en una próspera ciudad de Marte, de un futuro próximo, donde deciden iniciar juntas una carrera para abrirse camino en el mundo musical.

Gus, un agente venido a menos tratará de ayudarles junto con Roddy quien las descubre en un ensayo en plan "guerrilla" infiltrándose en un auditorio sin permiso.

También conoceremos a Ángela una joven modelo de la misma edad que Carole y Tuesday pero que ya cuenta con la supuesta ventaja de la fama.

La trama no se queda en una simple competición entre Ángela y las chicas.

Cada episodio es una celebración de la música en mayúsculas. Con un largo desfile de personajes que recuerdan a grandes artistas del pop, rock, o hip-hop que existieron o existen en nuestro planeta.

Como pasase en Cowboy Bebop, cada episodio tiene el título de una canción. Pero a diferencia de la vieja serie, donde las canciones eran originales de Yōko Kanno, los títulos de ésta son de canciones ya existentes de artistas conocidos que inspiran o tienen alguna relación con los hechos del capítulo.

Cada episodio tiene además temas musicales geniales que se han recopilado en dos álbumes de la serie. Y varios conciertos ya ofrecidos, y pendientes de ofrecer el año que viene, por las talentosas chicas de carne y hueso que cantan las canciones, e incluso han posado para dibujar mejor sus movimientos al interpretar la música.

El futuro mostrado de Marte se parece mucho a nuestra presente Tierra. Tanto en temas políticos, que chocan siempre con la libertad de expresión que defienden los artistas; como en la misma urbanización y forma de ser de distintas ciudades.

La escenografía es la segunda maravilla de la serie; después de la música.

Además de artilugios futuristas vemos edificios parecidos a Nueva York, grandes puertos comerciales asiáticos, o ciudades favela brasileñas. Un poco de todo, conformando la ciudad de Alba city; Parte que Watanabe encargó a dos artistas franceses artífices de "Studio No Border" afincados en Japón que han colaborado con Bones.

Sólo con leer Shin'ichirō Watanabe, si aún no has visto la serie ya tendrías que ir corriendo a buscarla sin dudarlo.

Su curriculum incluye títulos tan famosos como Zankyō no terror, Blade Runner Blackout 2022, Sakamichi no apollon(Kids on the slope), otra serie con la música como protagonista; o Samurai Champloo.

Carole & Tuesday se distribuye por Netflix. En España, por ahora, sólo los 12 primeros episodios.
Publicado por Freddyncalm el 26.10.19
Carole & Tuesday
2019-10-26T02:54:00+02:00
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domingo, 11 de agosto de 2019

Modest Heroes『ちいさな英雄』 Chiisana eiyū

Tras su primer largo como estudios herederos de los medio extintos Ghibli, Mary y la flor de la bruja, Studio Ponoc estrenó en 2018 esta película de animación compuesta de tres cortometrajes de distintos directores del estudio.

Modest Heroes, con título original 『小さな英雄』ーカニとたまごと透明人間ー (Chiisana eiyū. Kani to tamago to tōmei ningen.) Nos muestra tres historias de héroes pequeños. Pequeños, en todos los sentidos que puede tener la palabra. Y sin embargo no es una película dirigida exclusivamente al público pequeño de edad. Al contrario, me ha sorprendido especialmente la segunda y tercera historia; que en absoluto se acercan a obras del estilo de "Totoro" o "Ponyo" y quizás, se puede decir, se alejan del influjo del "genio cascarrabias", Hayao Miyazaki, para experimentar otros campos de la animación moderna. Con tres diferentes formas de ver la animación.

El corto de Hiromasa Yonebayashi 『カニーニとカニーノ』(Kanini to Kanino), muestra a unos héroes de tamaño reducido, recordando a aquellos personajes que fueron adaptados de la novela de Mary Norton, "The borrowers", con la que Yonebayasi debutó como director de anime en "Arrietty" estando aún en Studio Ghibli, pero en este caso los hermanos Kanini y Kanino son unas criaturas anfibias que viven bajo el agua. Este hecho hace que la historia carezca prácticamente de diálogos; Y sea una experiencia puramente visual, con una sucesión de imágenes técnicamente impecables.

El segundo cortometraje, dirigido por Yoshiyuki Momose, 『サムライエッグ』(Samurai Egg) -Life Ain't Gonna Lose- es un drama de superación que quita el aliento. No en el sentido de una historia trepidante de acción, sino todo lo contrario. Es una historia realista del mundo actual donde se muestra la vida de un niño que debido a una enfermedad, alergia al huevo, no puede hacer vida normal como los demás y el modo valiente en que afronta sus problemas, como un pequeño gran héroe.


El tercer cortometraje, dirigido por Akihiko Yamashita, 『透明人間』(Tōmei ningen), es quizás el más surrealista; Mostrando la triste vida de un hombre invisible, tan invisible que la gente no sólo no le ve sino que no le hace ni caso. Pero todo el mundo puede ser un héroe. Por muy insignificante que crea ser para los demás.

El cuarto cortometraje nunca se llegó a terminar. Ya que Studio Ponoc lo encargó a Isao Takahata antes de su muerte en abril de 2018(con 82 años) y se quedó sin hacer. Sin embargo, su influencia es agradecida por todo el estudio; y creo que con "Samurai Egg" se suple en parte su ausencia dado que Momose ha hecho un guión que realmente conmueve y alegra a partes iguales y ha sabido dar vida a la animación de sus personajes próxima al nivel que lograba Takahata porque, no en vano, Yoshiyuki Momose fue mano derecha de Takahata.
Publicado por Freddyncalm el 11.8.19
Modest Heroes『ちいさな英雄』 Chiisana eiyū
2019-08-11T04:23:00+02:00
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lunes, 18 de marzo de 2019

Mirai no Mirai - 未来のミライ

El 15 de marzo se estrenó en España la última película de Mamoru Hosoda con el título de "Mirai, mi hermana pequeña".

En Japón se estrenó en verano de 2018, y su título original es 『未来のミライ』(Mirai no Mirai). En este caso 未来 Mirai, el compuesto en kanji, significa futuro, o algo más concretamente, "el mundo que está por venir". Y Mirai también es el nombre de la nueva hermana de Kun, el protagonista de la peli.

Este juego de palabras hace la traducción algo complicada. Se podría interpretar simplemente como "El Futuro de Mirai" pero también como "El mundo que está por venir donde está Mirai", o "Mirai, que representa el futuro". El idioma es así de ambiguo.

De todos modos uno de los títulos internacionales es "Mirai of the Future". Y el chino de Taiwan es 未來的未來。

El argumento es sencillo: Kun-chan con apenas 4 años espera despreocupadamente la llegada de su nueva hermana pequeña Mirai con la que seguro va a poder jugar mucho más que antes cuando era hijo único. Pero no ha asumido que todavía será pequeña para jugar y que sus padres, que hasta entonces siempre se habían preocupado de él por encima de todo lo demás, en ese momento tendrán la prioridad de hacerse cargo del bebé.

Como cabe esperar en un niño de su edad, los celos y las ganas de llamar la atención más de la cuenta lo llevan a comportarse de forma deplorable hasta que empieza a recibir visitas de otros familiares y allegados de otro tiempo y le muestran su punto de vista y el modo en que ellos actuaban antes que él, y lo improbable que es que Kun-chan y cada miembro de su familia hayan llegado hasta su tiempo y pensar en las posibles consecuencias que su comportamiento puede acarrear en el futuro.

Hosoda ha logrado con esta película su primera nominación al Oscar a Mejor película de Animación; quedando finalista entre los 5 nominados del año.

En mi opinión no es tan profunda como sus anteriores obras pero eso es algo totalmente intencionado.

Hosoda no quiere mostrar una historia llena de acción y situaciones sorprendentes donde un niño hace cosas imposibles y "salva el mundo". Sino todo lo contrario. Una historia donde un niño es un niño y no pasa nada especial. Eso es lo original y lo bueno de la película.

Tiene una buena dosis de escenarios donde destaca Yokohama y la prefectura de Kanagawa. Y la estación de Tokio con cierta subjetividad desde los ojos del niño, algo reformada, con toques de viejas estaciones parisinas y londinenses, según ha explicado Hosoda en varias entrevistas sobre el film.

La película es una serie de relatos divertidos bien hilados que poco a poco se van anticipando en la trama.

Destaca por el color y dibujo detallado al que nos tiene acostumbrados Mamoru en todas sus películas desde "La chica que saltaba a través del tiempo" a "El niño y la bestia" y una puesta en escena realista que contrasta con el toque de fantasía y la comedia salpicada con distintas emociones que transmite la transición del pequeño niño protagonista hacia una prematura madurez como corresponde a un hermano mayor.

También se pueden apreciar, en escenarios y situaciones, continuas alusiones sutiles a todas esas anteriores películas de Hosoda. Como si dijera -Mirad. ¿Os acordáis de esta escena en la otra película que hice?-

Publicado por Freddyncalm el 18.3.19
Mirai no Mirai - 未来のミライ
2019-03-18T01:20:00+01:00
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martes, 29 de enero de 2019

Un asunto de familia 『万引き家族』Shoplifters

La primera película con la que el prolífico cineasta Hirokazu Koreeda (ya reseñado en este blog con Kiseki) ha conseguido nominación a Mejor Película de habla no inglesa para los premios Oscar de 2019 se titula en japonés "Manbiki kazoku" (familia hurtadora). Conocida internacionalmente como "Shoplifters", o "Un asunto de familia" en España.

No es una película de acción, ni de un gran sentido de la comedia o el drama pero relata de forma muy serena y realista el día a día de una "típica familia japonesa" contado desde el prisma del contraste y los extremos de la marginación que, de todas formas, son casos que bien pueden suceder en la realidad de forma aislada. Sólo que en el caso de esta "típica familia" se juntan en uno.

Image result for 万引き家族El director, guionista, editor, y productor nos muestra su idea de forma casual, quizás con un ritmo demasiado sereno a la hora de dosificar la información sobre la situación que nos presenta. Pero lo hace sin contar nada superfluo, ni ocultar detalles imprescindibles para entender la historia al llegar al final de la película.

Quizás con un final muy japonés. Con la estética de lo inconcluso donde: "El final perfecto es inconcluso." 未完(mikan = inconcluso - Palabra compuesta por los kanji de "todavía no" y "perfecto"). Un final que mira directamente al espectador y le hace preguntarse por todos los temas que se tratan en las cerca de dos horas que dura la película y que realmente están todavía sin resolver; Especialmente en la sociedad japonesa.

Temas como la familia, la "verdadera familia", el maltrato, las adopciones, el juego, la eufemísticamente llamada industria del entretenimiento de compañía, o la industria sexual, el valor que se le confiere al dinero, la propiedad ajena, etc; son temas que se retratan mediante un prisma de personajes que todo el mundo diría que no hacen bien las cosas pero esta "familia hurtadora" acaba por robarte el corazón.

La discreta banda sonora acompaña al ritmo de la película con el estilo de un veterano musical llamado Haruomi Hosono que la ha realizado pasando ya de los 70 años. Este músico tiene cierta relación con la vieja película de Ghibli de 1984, "Nausicaä del valle del viento".

Haruomi Hosono no es el compositor de Nausicaä, sino Joe Hisaishi (eterno compositor de películas Ghibli); pero resulta que el motivo musical, la canción que canta la protagonista cuando es niña y se repite sin parar en Nausicaä, la compuso este mismo músico, que fue miembro fundador de la banda folk-rock "Happy End" y de la banda techno-electro j-pop YMO "Yellow Magic Orchestra". Además una de sus canciones, "Kaze wo atsumete", aparece en la película de 2003 de Sofia Coppola "Lost in translation".

Por último, aunque sea su primera nominación al Oscar, y habiendo visto también la impresionante Roma de Cuarón con la que compite, deseo que Koreeda se lleve la estatuilla porque con ésta y las anteriores películas de su carrera ha demostrado que domina bien el medio del lenguaje cinematográfico. Que haya suerte.
Publicado por Freddyncalm el 29.1.19
Un asunto de familia 『万引き家族』Shoplifters
2019-01-29T22:19:00+01:00
Freddyncalm
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lunes, 31 de diciembre de 2018

Despedidas - おくりびと Okuribito

Para despedir el año aquí dejo una pequeña reseña y opinión de la película de acción-real "Despedidas" para variar un poco y saldar cierta deuda pendiente cuando escribí la reseña del primer live-action comentado en el blog, Kiseki. Para aquellos que aún no hayan visto esta buena película o quieran echar un poco la vista atrás.

El premio Oscar a mejor película extranjera de 2008 se lo llevó Japón con esta película.

Parte de una estructura clásica donde el protagonista se ve obligado a abandonar su vida cotidiana y empezar una nueva vida no exenta de dificultades. Alguien le guía y podrá acabar recuperando el impulso en su vida. (Piensa por ejemplo en "A new hope", de Star Wars.)

El personaje protagonista se llama Daigo el cuál se ve repentinamente sin trabajo tras pagar un gran crédito para el carísimo cello con el que actuaba en una orquesta sinfónica de Tokio al disolverse ésta. El alto nivel de vida de la ciudad y la falta de recursos le obliga a mudarse con su pareja a su tierra natal en Yamagata para llevar una vida más modesta. El primer trabajo que encuentra es un tanto peculiar, asistente de funerales.


La película conocida en inglés como "Departures", en japonés se titula 『おくりびと』 (Okuribito). En su sentido literal se refiere a las personas que acompañan a despedir a alguien por ejemplo en un aeropuerto o en una estación. Y no a una despedida en sí.

En clave de comedia, donde tristeza y alegría se entremezclan sutilmente, muestra ese equilibrio natural que hay entre la vida y la muerte. No hay nada como pensar en la muerte para aprender a disfrutar de la vida.

Lo que esta película hace muy bien es mostrar el contraste entre costumbre antigua llena de simbolismo del ritual funerario japonés y modo moderno corporativo carente de tacto, interesado en el volumen de negocio más que en el detalle y aportar consuelo a familiares y seres queridos del fallecido.

Pese al tema que trata no llega a extremos escabrosos y ofrece una buena dosis de humor e ironía haciendo más ligeras las dos horas y poco que dura la película.

En el tema musical, los habituales de este blog seguro que conocen más de una obra del compositor de la banda sonora que es, el músico fetiche de Miyazaki y otros directores del estudio Ghibli, Joe Hisaishi.

Un dato que siempre me llama la atención, cuando aparece, es la música con la que comienza la película: el cuarto móvimiento de la novena sinfonía de Beethoven.

Es una pieza que escuchamos por todas partes, como himno de Europa, Eurovisión, en películas como La Jungla de Cristal, etc. Pero también parece muy habitual en obras japonesas. Podemos oirla en Evangelion, en Gunslinger Girls, Read or Die y otros animes, series japonesas y películas más.

Quizás porque llevan cerca de 100 años con costumbre en Japón de representar este movimiento en año nuevo y la pieza es bien conocida en todo el país, como en todo el mundo. Quizás el "Himno de la alegría" es una buena forma de expresar ese sentimiento.

En cuanto a lugares visitables, la película nos muestra ese Japón rural de Yamagata, tan alejado de la gran ciudad. Paisajes rurales y montaña del norte de Japón con una vida y costumbres tan inmensamente diferentes del urbanita mundo moderno. Algo diferente con un toque nostálgico que quizás inclinó la balanza para hacerse con la estatuilla dorada de Hollywood.
Publicado por Freddyncalm el 31.12.18
Despedidas - おくりびと Okuribito
2018-12-31T11:50:00+01:00
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miércoles, 21 de noviembre de 2018

Hataraku Saibō 『はたらく細胞』Cells at work

Esta serie anime empezó con fuerza este verano y se hizo muy popular en poco tiempo. No sólo en Japón sino por todo el mundo.

La serie es tan famosa que recientemente, desde el pasado 16 de noviembre, se ha estrenado una película de acción-real en cines japoneses basada en la obra. Y, como si no tuvieran bastante anime para emitir en las televisiones japonesas, tan sólo un mes después de concluirlo lo han vuelto a re-emitir en cadenas como Tokyo-MX.

Hataraku saibō(celulas que trabajan) muestra el cuerpo humano desde dentro de un modo muy similar a "Erase una vez la vida", serie educativa de origen francés de co-producción europea y otros países como Canadá, Suiza, España y, por supuesto Japón (que ha liderado la producción de series de animación desde hace mucho tiempo) que recordarán de los años 80s los más curtidos del lugar.

Hataraku saibō está basada en un manga orientado a público shōnen de la autora Akane Shimizu. Su fama ya es tan grande que cuenta con varios spin-off del manga en otros estilos, incluyendo manga para público shōjo y un manga seinen titulado "Hataraku saibō Black" que comentaré después.

La premisa de unos personajes antropomórficos que hacen de células, o determinados actantes de nuestro organismo, no es nueva. Pero sí lo es hacer una serie con mucha gracia, al mismo tiempo que afán de entretener y misma cantidad de rigor mientras enseña características de la biología del cuerpo humano con sus alrededor de 37 billones de células por humano adulto medio.

La trama cuenta con una protagonista, la eritrocito o hematíe novata con mal sentido de la orientación que acaba de empezar su trabajo como mensajera, un leucocito que se toma muy en serio su trabajo de avanzada en el sistema inmune, y las plaquetitas, otro grupo de células pequeñas y, como tales, en la serie tienen forma de simpáticos niños, de gran ayuda para el sistema inmunitario. Y varias células más que se van presentando poco a poco en un entramado urbanizado como una ciudad con sus calles señalizadas como 動脈 arterias, 静脈 venas, 肺 pulmones, etc. Y la importancia fundamental que tienen las células en el argumento de la serie; y buen funcionamiento de nuestro propio cuerpo.

Se muestran de forma muy entretenida los problemas que provocan virus y bacterias e incluso alergias al polen, larvas de anisakis e incluso el cáncer. Al mismo tiempo que se muestra el modo de actuar y procedencia de células sin las cuales realmente no podríamos vivir.

El anime tiene buenas dosis de acción, humor y metáforas con toque cultural japonés, donde el corazón es representado con toques de taiko y puertas torii por doquier. Mientras que un estornudo se representa con el lanzamiento de un cohete al exterior.

Esta serie hace que la biología se vuelva interesante. Y puede que sea causa de que nuevos médicos o biólogos empiecen su carrera con esta fantástica introducción. Que incluso a alguien a quien la hemoglobina y la sangre real le provoca cierta aversión puede gustarle y aprender cosas nuevas. Porque ciertos datos entran mejor con una sonrisa que a golpe de hincar los codos delante de un libro inanimado.

La música del opening es genial. Muy enérgica. El ending está cantado por el duo ClariS, aunque desde 2014 una de sus integrantes fue sustituida. Por lo tanto ya no son Clara y Alice (seudónimos) sino Clara y Karen.

La serie sólo tiene por ahora 13 episodios y deja con ganas de seguir viendo a los glóbulos rojos y demás vecinos hacer su trabajo.

El manga está siendo publicado también en inglés, y no me extrañaría verlo pronto también en librerías españolas. Aunque es más improbable que nos llegue el título seinen "Hataraku Saibō - Cells at work - BLACK", donde se muestra un cuerpo en peores condiciones con otras células protagonistas, esta vez con los roles invertidos de la estricta glóbulo blanco y un debilucho eritrocito que se enfrentan a situaciones límite. Aunque en los episodios del anime también se muestran situaciones complicadas para la supervivencia si no fuera porque al contrario que en "black" el sistema inmune suele estar fuerte y bien alimentado.

Es posible encontrar en Youtube, y otras plataformas, información y comparaciones de la serie con datos reales que identifican las distintas células-personaje con sus dimensiones reales o esperanza de vida. Hay incluso algún médico occidental que ha hecho vídeo-comentarios de varios episodios explicando lo acertados que son al respecto con la vida real.

Publicado por Freddyncalm el 21.11.18
Hataraku Saibō 『はたらく細胞』Cells at work
2018-11-21T18:00:00+01:00
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sábado, 31 de marzo de 2018

Un lugar más lejano que el cielo - 宇宙よりも遠い場所 (A place further than the universe)

Sora yori mo tooi basho, o bien "Yorimoi", como se suele abreviar, es un anime de 13 episodios que empezó a emitirse en las TVs de Japón y también por Crunchyroll entre el 2 de enero y 27 de marzo de 2018.

Serie original del mismo equipo de Madhouse que creó "No game, no life". Pero totalmente alejado de la temática y estilo de ésta. Y, en mi opinión, es una serie genial.

En este caso estamos ante una serie de estilo vivencias. Pero lo mostrado no son vidas cotidianas corrientes en absoluto. Ya que sus protagonistas quieren llegar a la Antártida. Eso está muy alejado de las típicas series de vivencias. Y como a unos 14.000 kilómetros de Tokio.

El diseño de personajes recuerda a K-On, con estudiantes de instituto, personalidades similares. Incluso la canción del opening tiene un breve toque de batería inicial similar a la serie de Kyoto Animation.

Pero esta serie, como ya he dicho, va más lejos que un anime de vivencias de KyoAni, A-1 Pictures o Silver Link. También hay un episodio que recuerda bastante por el escenario y la acción a "Yama no susume" del Estudio 8-Bit, también chicas de instituto que escalan montañas y ven amaneceres (go-raikō).

Pero aquí, los personajes tienen un aura especial, una capa extra que acaba enganchándote a fondo.

En "Yorimoi" hay una línea argumental continua, que capítulo tras capítulo conduce a la conclusión de la serie. Con fantástico dibujo se pueden reconocer escenarios diferentes que te transportan a distintos lugares de Japón y del mundo con mucho realismo. Y en cada episodio conocemos cada vez un poco más de cada personaje.

Reímos con ellas. Se pasan apuros por ellas. Nos enfadaremos con ellas; Y lloraremos. Pero sólo un poquito. ¡Maldita sea!; Si tienes un miligramo de empatía prepara varios cubos para evacuar lágrimas con el penúltimo episodio. O sáltatelo. En serio, lo digo. El episodio 12 termina con el puñetazo más grande en todos los "feels" que he sentido en un anime en mucho tiempo. Una dosis de realidad que, quizás no te esperas en un anime tan dulce y lleno de candor moe. Aunque casi toda la serie está llena de anticipaciones y sabemos que llegará el momento en que tendremos que afrontarlo, tan intensamente como las protagonistas a las que hemos acompañado.

Pero la sensación final con el episodio 13 es de querer que haya más Yorimoi. Poesía pura y varios epílogos fantásticos que dejan buen sabor de boca. Para cerrar bien todo lo contado que no es poco.

Después de haber disfrutado todos y cada uno de los capítulos de la serie.

Los temas que más relevancia cobran son el valor y origen de la amistad. La consecución de las propias metas, sueños e ilusiones pese a lo que piensen o hagan los demás. La constancia y determinación. La perdida de un ser querido. Y, por supuesto, viajar al Polo Sur. Una experiencia vital que merece la pena ser vivida aunque sea en forma de anime.


El título de la serie trae sorpresa porque tiene la palabra espacio 宇宙 que se lee normalmente Uchū; pero le dan la lectura, también válida en japonés de Sora; que significa cielo. Es una forma más poética de decir "Un lugar más lejano que el espacio".

Traducirlo por "universo" en español creo que no quedaría bien, ya que todo forma parte del universo y no puedes alejarte de lo que formas parte; El espacio sin embargo se interpreta como lo que hay más allá de la atmósfera de nuestro planeta.

El título de la serie tiene más sentido dentro de la trama principal donde se habla continuamente de un libro con ese título y se dice la frase "Sora yori mo tooi basho" y también con la otra lectura "Uchū yori mo tooi basho" en distintos contextos.

Algo que quizás requiere entender un poco más de literatura y folklore japonés para comprender el uso que se hace de las palabras en cada momento. Yo lo interpretaría de modo que cuando dicen Uchū(espacio o universo) pueden aludir indirectamente al mito de que las personas que mueren se convierten en estrellas y van al espacio como en "Tren nocturno de la Vía Láctea" de Kenji Miyazawa. Y ese lugar está demasiado lejos de nuestro alcance.
Publicado por Freddyncalm el 31.3.18
Un lugar más lejano que el cielo - 宇宙よりも遠い場所 (A place further than the universe)
2018-03-31T05:10:00+02:00
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sábado, 23 de diciembre de 2017

Koe no katachi - A silent voice 『聲の形』

Pude ver este largometraje durante un pase promovido por Selecta Visión en el Salón del Manga de Barcelona de 2017. Ya tenía bastante expectativa por verla por breves comentarios y alabanzas a lo largo del año y descubrí entonces que es una película hecha por el remarcable estudio Kyoto Animation.

La película adapta el manga de mismo título que se editó en España por Milky Way. Con 7 tomos. Siete tomos que, como nos explicaron en una breve introducción, no da tiempo a desarrollar completamente en las dos horas que dura el film. Y, por tanto, muestra los momentos de mayor relevancia, como una película episódica que avanza hasta llegar al final con ritmo ágil.

El tema de la película es el acoso escolar. Los personajes: un niño cruel que quiere redimirse al hacerse mayor pero recibe el desprecio en masa por sus actos pasados; Una niña sorda; Y una buena cantidad de personajes más. Que hace la película bastante coral. Sin llegar a los niveles de Summer Wars, en ese sentido.

Y pese a tratar un tema serio, contiene ingredientes comédicos que la hacen amena y digerible. 

Lo que me sorprende de "Koe no katachi" es precisamente su atípico punto de vista donde el protagonista es un "ijimekko", o acosador de colegio, que maltrata a una niña nueva en primaria; que además es sorda y se comporta de un modo que crispa aún más a sus acosadores. Esas escenas del comienzo hicieron que más de uno abandonase la sala de proyección. Quizás porque tenían otras cosas que hacer. O quizás porque realmente es duro de soportar. Pero es sólo el comienzo. Personalmente creo que no deja indiferente a nadie con conciencia. Y se muestra así para remover las conciencias más frías.

Más tarde, asistí a una magistral charla sobre el tema que dió @CapitanUrias para comprender mejor algunas claves sobre el tema que trata esta película.

Lo resumo aquí, en cuatro párrafos: Resulta que Japón(el de verdad, no el de los manga y anime del montón) ha sido uno de los países con más acoso escolar a lo largo de varias décadas. Hasta una serie de campañas que se hacen desde 2013 en Japón para tratar de reducirlo.

Al menos supera a muchos otros países occidentales. Japón tiene reportados casos de distinta gravedad en una proporción inmensamente superior a los casos conocidos en países como España(aunque no deja de ser una cifra importante).

El イジメ "ijime", como se conoce en Japón al bullying, se distingue entre acoso físico y acoso psicológico. El primero suele cometerlo un único abusón. El segundo tipo, más frecuente, suele ser en grupo mayoritario, con agresiones físicas y/o psicológicas con comentarios despectivos, exclusión del grupo o el simple silencio al no denunciar una situación injusta por miedo a que el objetivo del acoso cambie al chivato.

En ocasiones los abusones fueron víctimas de acoso en el pasado. Parece paradójico pero sucede en una proporción bastante alta de los casos conocidos.

Esta película le da al tema un pequeño giro de tuerca que en el fondo tiene su lógica; pero resulta bastante inesperado. Lo que se muestra es a un acosador arrepentido que es acosado moralmente, por toda la escuela una vez se hace mayor, por haber sido culpado del "ijime" que practicó en el pasado.


Un paradigma de "acosador acosado". Con caída a los infiernos y camino hacia la redención.

La directora de esta película lo ha mostrado de un modo original, desde el punto de vista del protagonista que inicialmente ve las caras de sus compañeros de instituto como si le estuvieran vetadas, tachadas con una gran X. Que en Japón se interpreta como "incorrecto" (o "no permitido"), mientras que el circulo ○ viene a significar "correcto".

Viniendo de la directora de K-ON! y K-ON!! no puedes esperar un dibujo chapucero sino todo lo contrario. Y la trama, como ya he dicho, incluye comedia pero también mucho dramatismo e incluso romance.

Si no la has visto, yo le daría un tiento.

Si la has visto y te ha gustado; Añado que los escenarios que salen en la película existen cerca de Gifu. Y puedes animarte a hacer algo de Peregrinaje Anime por sus lugares más emblemáticos.

Y por último, si tienes la suerte de no padecer sordera, escucha la Banda Sonora con atención. Pone las emociones, aún más, a flor de piel.
Publicado por Freddyncalm el 23.12.17
Koe no katachi - A silent voice 『聲の形』
2017-12-23T06:18:00+01:00
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lunes, 27 de noviembre de 2017

Interviews with Monster girls 『亜人ちゃんは語りたい』(Demi-chan wa kataritai)

Con un título que despista un poco sobre el estilo de esta serie, 『亜人ちゃんは語りたい』(Demi-chan wa kataritai - Quiero entrevistar a las chicas "monstruo".), en enero de 2017 se pudo ver esta maravillosa serie anime de 12 episodios con un episodio extra no emitido en la TV japonesa pero incluído después en la edición bluray del último episodio que se editó en septiembre en Japón. Los 13 episodios, no obstante, pueden verse actualmente en Crunchyroll.

El anime está basado en un manga homónimo que desde 2015 lleva 5 tomos editados.

El género de esta serie es un "vivencias" algo peculiar. Con comedia, poca "dramedia", y unos personajes que enamoran al primer o segundo vistazo mientras se van dando a conocer.

El toque de fantasía desmitificado, que muestra la serie, puede que se haya planteado así para dar una sensación de que lo que a unos les parece extraño para otros es de lo más normal y la gente puede aprender a respetar lo diferente.

La trama está ambientada, como en miles de anime más, en una escuela. Pero no es otro anime escolar más del montón. Este es distinguible de los demás por su sútil toque de humor, y tacto al manejar temas de la vida diaria en los tiempos actuales.

El anime tiene lugar, en concreto, en el instituto superior Shibasaki y alrededores donde conviven los personajes principales.

El protagonista es Tetsuo Takahashi. Un profesor de biología que nunca ha tenido contacto con seres semi-humanos, que podríamos clasificar como monstruos aunque en realidad su aspecto es bastante normal, y recientemente ha sido normalizada su relación con el resto de humanos del país por parte de agentes del gobierno.

Casualmente este profesor se verá de pronto, en su mismo colegio, con 4 demi-humanas que concuerdan con patrones de leyendas muy conocidas, como la mujer súcubo, la chica de las nieves, la vampiro, y una chica sin cabeza, o dullahan. Tetsuo, con bastante curiosidad, pretende aprender más de ellas entrevistándoles en sus ratos libres fuera de clase, siempre que ellas estén dispuestas a dejarse entrevistar también.

No faltarán complicaciones y personajes extra que dan sal a la historia.

Si esperáis una serie con monstruos que hacen cosas raras o de chicas con comportamientos aberrantes, esta no es vuestra serie, chiquillos. "Monster Musume" está en otro extremo muy alejado de aquí.

Esta serie es una auténtica joya, de personajes muy normales con penas y alegrías que trantan de superar sus problemas del mejor modo posible; como el resto de mortales.

La serie está producida por A-1 pictures, conocidos por Your lie in april o Seven deadly sins, Sword Art Online, Kuroshitsuji, Silver Spoon, Space Brothers y muchas otras pequeñas grandiosidades del anime. El manga está editado por la editorial Kodansha y serializado en la revista "Young Magazine the 3rd".

Son muy pocos episodios que pasan en un suspiro. Y deja la serie con ganas de ver más y más temporadas. Esperemos que llegue pronto otra más.

Si aún no has visto este anime, es posible que te estés perdiendo una de las mejores series de 2017.
Publicado por Freddyncalm el 27.11.17
Interviews with Monster girls 『亜人ちゃんは語りたい』(Demi-chan wa kataritai)
2017-11-27T04:30:00+01:00
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sábado, 19 de agosto de 2017

Detroit Metal City

Esta serie anime de tan sólo 12 episodios cuenta, con grandes dosis de humor y desparpajo, la historia de un grupo de heavy metal vivida desde dentro por su cantante estrella Johannes Krauser II, un ser infernal hambriento de sangre, soez, diabólicamente caracterizado, con la palabra "muerte" en la frente, propio del death-metal más rimbombante y con mucho éxito en la sociedad. Aunque todo ello no es más que una fachada y, en realidad, debajo de la máscara no es más que Sōichi Negishi, un joven que sueña con formar una banda de música pop que cante sólo baladas románticas.

¿Absurdo? En absoluto. Me parece muy coherente. Y todo aficionado al heavy que he conocido tiene un corazón tierno en su interior. Jejeje.

La serie muestra en varios episodios como Sōichi sobrelleva su doble vida, como lider de la exitosa banda de death metal con resto de sus compañeros y personajes secundarios dados al sado-maso como "Cerdo Capitalista", que aparece en los conciertos de DMC. Así como su vida diaria intentando huir de su propia fama, intentando aparentar ser la persona normal que es. Pero ¿quién logrará imponerse? ¿el ego indeciso con ambiciones incumplidas o el alter-ego que causa furor, carismático, sin pelos en la lengua, que no duda de nada?

Los fans de la música heavy verán en la serie muchos guiños y duelos con auténticos personajes del mundillo y de otros géneros de la música moderna.

El aspecto visual está realmente cuidado; recuerda a ciertas películas de ficción o "falso documental" donde se simula no tener medios pero poco a poco cambia el tamaño de la imagen. Y también da la sensación de estar leyendo un cómic.

No hace falta decir que, a nivel musical podemos disfrutar buen rock, buen metal de opening y una dosis de balada romántica como ending.

Si estás leyendo esto y no has visto aún la serie, te estás perdiendo un clásico del anime. Es una serie imprescindible por su estilo muy distinto a cualquier otra.

Además, poco después de la serie, también se estrenó en Japón una película con personajes de carne y hueso, muy bien adaptada por la productora Tōhō. Mientras que el anime está hecho por los inigualables 4ºC Studio.


Publicado por Freddyncalm el 19.8.17
Detroit Metal City
2017-08-19T19:02:00+02:00
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sábado, 3 de junio de 2017

Yama no susume - Encouragement of climb


Yama no susume『ヤマノススメ』es un anime, disponible en Crunchyroll, con una primera temporada (2013) de 12 brevísimos episodios de 3 minutos y medio; más una OVA de unos 6 minutos que sólo son el aperitivo para la temporada grande. "Yama no susume - Second season" 『ヤマノススメ・セカンドシーズン』(emitida en Japón en verano y otoño de 2014) Sumando a la anterior 24 episodios de unos 13 minutos y medio.

Es una serie, muy "moe", sobre montañismo. Con una "montaña" de emociones.

El título se podría traducir por "Apología de la montaña"; o su subtítulo en inglés "Encouragement of climb" (apología de la escalada).

En la primera temporada descubrimos los personajes de Aoi y Hinata; dos amigas que hicieron la promesa de volver juntas a la cima de una montaña, desde la que vieron el amanecer siendo pequeñas.

Aoi ha olvidado ya esa promesa y además ha adquirido un pánico terrible a las alturas. Pero eso no será problema para la arrolladora personalidad de Hinata que arrastrará a su amiga poco a poco a subir a lugares cada vez más altos.

Además conoceremos a la sempai Kaede, que es gran apasionada del montañismo con amplia experiencia en excursiones en solitario. Y Kokona-chan que pronto se hace amiga de las chicas para compartir la afición por el excursionismo a lugares elevados de Japón.

Además un quinto personaje se unirá a la pasión escaladora de las protagonistas, apareciendo en los últimos episodios de la segunda temporada.

Todo fusionado con vivencias, humor, frustraciones y logros, y lugares que realmente existen en Japón.

Otra protagonista es la pequeña ciudad de Hannō, donde viven las amigas. Donde se organizan, y preparan lo necesario para sus excursiones. Hannō se encuentra al oeste de la prefectura de Saitama; A unos 48 Km. del centro de Tokio.

Esta serie, basada en un manga que sigue publicándose, es por supuesto un modo de promocionar multiples destinos turísticos de Japón.

Entre otros lugares visitables, la serie dedica 3 capítulos de la segunda temporada(que no me canso de ver; 2x09, 2x10 y 2x11.) a la subida a la montaña/volcán más alta de Japón, el Monte Fuji. (Lugar al que subí en 2015, sabiendo ya de la existencia de esta serie pero antes de verla) Me arrepentí de no haber visto la serie antes porque da consejos e ideas sobre imprevistos que pueden suceder. Y, aunque te informes bien, siempre quedan cabos sueltos. Tiene un gran realismo en el dibujo de paisajes y escenarios de fondo; y la atmósfera sonora de los lugares más altos, doy fe de que es muy parecida a la real. Seguramente, hechos con referencias in-situ de cada lugar que aparece en el anime.

Es una serie imprescindible para los que nos gusta el peregrinaje-anime. Y además puede seguirse al autor del manga y sus fans por Twitter para ver más y más rincones promocionados por los personajes de la serie. Y ver como se acerca la posibilidad de que se estrene una anhelada, y muy necesaria, "Third season" del anime.

Las músicas de opening y ending son fantásticas; y creo que debería tipificarse como delito saltárselas con lo poco que dura cada episodio.

Happy climbing.
Publicado por Freddyncalm el 3.6.17
Yama no susume - Encouragement of climb
2017-06-03T01:30:00+02:00
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jueves, 11 de mayo de 2017

K-On!

K-On! (kei on) es una serie anime de Kyoto Animation. Con dosis extra de "moe". Basada originalmente en un manga 4-koma para una audiencia madura (seinen), que no busca historietas de simples batallitas prota contra los titanes de su vida.

Entra dentro del género de vivencias y humor.

En 2009, se hicieron 12 episodios con un capítulo y OVA extra. Y, dado el gran éxito de la serie, le siguió una segunda temporada llamada K-On!! (notesé la diferencia de signos de exclamación) con 26 nuevos episodios, y otra OVA extra. Y un largometraje de 110 minutos de duración estrenado en cines japoneses, que obtuvo muy buena taquilla (puesto 2 en su semana de estreno; en diciembre de 2011).
Además se hicieron algunos episodios breves en plan omake, Ura-on. Y videojuegos de la saga.

Es un anime como pocos, de los que marcan época y estilo. Y aún hoy en día, gente de todas partes sigue recordando la serie, cantando sus canciones o coleccionando su merchandising.

La historia se centra en Yui, una chica con personalidad sanguínea e inocente que empieza su etapa de estudiante de instituto y se une a Ritsu, Mio y Tsumugi, formando un -club de música ligera-(軽音楽部 kei ongaku bu "kei on").

Aunque Yui no tiene practicamente ninguna experiencia musical, se las arregla para formar una banda con las otras chicas tocando la guitarra eléctrica.

Ritsu, tocando la batería, será la principal promotora del club que trata de salvarlo de la desaparición. Ya que están en el mínimo de miembros admisible para conservar el club en el instituto.

Mio, toca el bajo, y canta, pero le da miedo la oscuridad, los fantasmas, su timidez le produce vergüenza, le entristece que le quiten un trozo de pastel... etc, etc. Su "factor de adorabilidad" la convierte en el "moe" personificado de la serie. Sólo seguida por "Azunyan", personaje que aparece en la segunda temporada; continuamente "acosada" como gatito arrullable por Yui.

Tsumugi toca el teclado; Y es la culpable de que llamen a la banda HTT (Hōkago Tea Time - La hora del té después de clase); porque siempre lleva pastelitos al club, y, como alguien tiene que comérselos, es casi lo único que veremos hacer a las chicas en vez de ensayar para tocar música.

Muestra situaciones típicas de escolares, excursiones, distintos escenarios genialmente dibujados, y más variopintos personajes que hacen una serie muy completa y divertida. Merece la pena.

Aunque no sea la típica serie de "bandas de música", sí que incluye una buena lista de canciones muy potentes. Celebérrimas.
Especialmente los ending de cada episodio.

Publicado por Freddyncalm el 11.5.17
K-On!
2017-05-11T17:00:00+02:00
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lunes, 6 de marzo de 2017

Keijo!!!!!!!!

"Keijo!!!!!!!!" es un peculiar anime de competiciones "deportivas" de 12 episodios estrenado en Japón, con simulcast en Crunchyroll, durante la pasada temporada de otoño 2016.

Por alguna razón que desconozco, en ocasiones a los creadores de manga y anime les da por poner títulos con más de un signo de exclamación. Y este en particular tiene cuatro pares de exclamaciones.

『競女!!!!!!!!』el título original de "Keijo" podría traducirse por competición de mujeres, o competidoras. Y está basada en un manga homónimo iniciado en 2013.

El argumento es sencillo: la protagonista, Nozomi, aspira a convertirse en atleta profesional y campeona de "keijo", para lo cual asiste a una escuela especializada de Awajishima, la isla que separa Shikoku de Kōbe, en el mar interior de Seto, o Setouchi; donde conocerá a otras aspirantes de Keijo.

El keijo es un deporte de lucha femenino, inventado para esta ficción, en el que se compite una contra una, o en grupo, sobre plataformas de distinto tipo, sobre el agua.

Y las normas son muy simples: Hay que golpear a la contrincante hasta que quede en el suelo sin poder levantarse en un plazo de tiempo, o caiga al agua. Las únicas "armas" permitidas son sus pechos o el trasero.

Llegados a este punto, descubrimos que no es una serie para tomarsela muy en serio. Sin embargo el planteamiento y motivación de los personajes la hacen una serie amena y atrayente, ni siquiera por ver atléticas chicas en bañador, sino porque pese a todo el humor y desparpajo que puede acarrear una competición así, el anime no llega a encasillarse en el típico ecchi; Y se cuenta la historia personal de cada personaje con sus conflictos, anhelos y dramas con mucha seriedad, respeto y gran realismo.

Aún con este realismo transmitido por la trama en competiciones y prácticas, con paisajes de fondo de conocidos lugares de diversos puntos de Japón, se da la paradoja de que cada chica puede realizar con esas partes de su cuerpo poderosos movimientos totalmente absurdos e increíbles, que harían palidecer de vergüenza a Son Goku por el escaso rendimiento logrado con sus "kamehames", en comparación. Jeje.
Con una larga lista de técnicas con nombres tan extraños como "cañonazo de trasero al vacío" o la "cadera meteorito".

En definitiva es una serie remarcable. Aún con un planteamiento aparentemente tan frívolo, es divertida y tiene acción. No se puede pedir más.

Crunchyroll informó que fue la serie más vista de la temporada en gran parte de Estados Unidos, sólo después de "Yūri on Ice!!" y "Drifters".
Publicado por Freddyncalm el 6.3.17
Keijo!!!!!!!!
2017-03-06T12:45:00+01:00
Freddyncalm
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