Evangelion 3.0+1.01: Thrice upon a time - シン・エヴァンゲリオン劇場版:||

Finalmente he podido ver el esperado final del rebuild de Evangelion, versión cinematográfica, tras la dilatada serie de estrenos desde Evangelion 1.0 (2007/2008), Evangelion 2.0(2009) y Evangelion 3.0(2012).

Tras un dilatadísimo esfuerzo para lograr producir esta última película estrenada, tras innumerables retrasos, este 2021 y disponible desde el 13 de agosto en exclusiva en la plataforma de Amazon Primevideo; Hideaki Anno, como director jefe, trabaja con otros tres experimentados directores que también participaron en anteriores películas y alguno dirigió episodios de la serie original de los 90s Neon Genesis Evangelion.

La película es una continuación desde el momento en que quedó la 3 y no se ha escatimado en tiempo o en medios para lograr un ritmo y estilo propio de la franquicia.

Con 2 horas y 35 minutos tiene al menos tres partes diferenciables, tras un breve resumen, perfecto para refrescar la memoria después de más de 12 años desde el estreno de la primera película, empezando con un prólogo en París, la vida en un pueblo japonés de supervivientes del casi tercer impacto(buscad la estación Ubeshinkawa-eki por la prefectura de Yamaguchi si queréis hacer peregrinaje anime de esta película), y una última parte de largo desenlace que supone el ataque final de WILLE para acabar con el plan de NERV, cuya destrucción (ojo, spoiler...)es realmente el plan original de NERV. Así que WILLE estaba haciendo lo que NERV quería desde el principio. Que los humanos vencieran a los dioses, que son ellos mismos. Muy "solipsista", todo. Y confuso para los que sólo entienden historias de malos contra buenos.

Shin Evangelion(como se titula en japonés) está al servicio de seguir contando la historia de los personajes y sus conflictos y traumas donde siguen en juego varias corrientes filosóficas, determinismo, libre albedrío, metafísica y crítica de la razón pura de Kant, dilema del erizo de Schopenhauer, y enorme influencia de Gundam y el propio Evangelion que ya tiene entidad suficiente como para servir de auto-inspiración.

En el apartado musical destaca como siempre Shirō Sagisu, sin el cuál no sería una película de Evangelion. Y en los créditos finales no hay una única canción sino dos de Hikaru Utada, artista que ha sido siempre genial guinda final en las cuatro películas.

Pese a su duración personalmente no se me ha hecho larga. Soy fan desde hace muchos años.

He echado en falta quizás ciertos toques de humor en el guión que sí tenían las anteriores películas, aunque no ha estado carente de guiños a los fans y de algún brevísimo toque absurdo saliéndose de los límites del espacio diegético que cuenta la historia. Pero como la historia se dirigía al final quizás no se habría salido del tono necesario para una despedida tras un camino tan largo. 

Aunque Hideaki ha dejado la puerta abierta para contar más historia previa a la tercera película u otras alternativas. Si logra presupuesto, ¿por qué no hacer más? Máxime cuando en la propia película explican lo que puede significar "sayonara". Jeje.

En conjunto es una película de culto ya desde su concepción. Y quizás este título tan "circular" como queriendo reunir la tercera parte con la primera hace que las tres primeras sean una parte integrada de la propia película. Con happy end.

Cuando supe que el estudio Khara se hizo contribuyente "Corporate Silver" de la Blender foundation me pareció una suerte para la reputación de este completo software de animación, modelado, y composición 3D y 2D, una suerte para Blender contar con el apoyo del reputado estudio japonés de Anno, y así poder mejorar el software a un ritmo mayor. Al mismo tiempo que Anno devolvía una parte del desembolso en licencias que hubiera tenido que pagar en caso de usar software privativo.

Pero viendo el resultado, aun siendo Software Libre, he flipado tanto que he llegado a pensar que Blender debería pagar al estudio Khara por la maravilla que han hecho sin que el arte CGI, la combinación entre 2D y 3D, o el resultado creado con Blender pueda reprochársele nada que se hubiera podido hacer mejor o peor con otras aplicaciones informáticas o técnicas más artesanales.

Si no has visto aún ni la serie ni películas. Puedes empezar por Evangelion 1.0 disponible con las otras tres películas ahora en Primevideo; ya que no vas a perderte apenas contenidos si empiezas por ahí, en vez de la serie de los 90s, que en Netflix está mutilada sin todas las canciones re-versionadas para cada episodio de ending con el "Fly me to the moon" cuyos derechos no lograron más que para emitir en Japón. La 2.0 ya tiene menos que ver con la serie original, e incluye cambios tan grandes que es un avance en la historia. Y la 3 supone información necesaria para entender finalmente el mensaje que da esta cuarta y última película.

Sayonara, subete no Evangelion.

Harmony

(Esta reseña se escribió el 25 de diciembre de 2020; tratando de llenar los huecos que le faltan al blog para este año 2020).

Harmony (2015) es la última película de Project Itoh.

Una saga que llevó al cine en forma de anime con diferentes estudios de animación las novelas del joven escritor con dicho seudónimo(Project Itoh - 伊藤計劃 - Itō Keikaku), como homenaje póstumo. Que falleció en 2009 a los 34 años.

Sus novelas distópicas han tenido cierto éxito en Japón y sólo faltaba reseñar en el blog este título tras comentar El imperio de los cadáveres (2014) y Genocidal Organ (2010)

Harmony muestra un mundo en el que los países asociados a la OMS (Organización Mundail de la Salud - WHO, en inglés.) viven en un sistema que "obliga" a la gente a ser feliz, sin ninguna preocupación; y donde morirse ya es problema del pasado.

Un día, la agente Kirie de operaciones especiales de la OMS, tras ser descubierta en un comportamiento reprobable en una misión de vigilancia en paises de fuera del sistema es enviada a su país por unos días como acción disciplinaria, allí conmplará el comienzo de una oleada de suicidios. Al parecer esa conducta es inducida por una entidad terrorista que amenaza con un terrible chantaje a la sociedad inmortal. Kirie comienza una investigación por su cuenta en busca de más información sobre una antigua amiga que puede estar relacionada con el caso y trata de averiguar la motivación de sus actos. Mientras lucha contra sus propios pensamientos suicidas.

La animación está llevada a cabo por Studio 4ºC y co-dirigida por Michael Arias y, un veterano de la animación, Takashi Nakamura.

Como las otras dos películas los créditos están acompañados por una canción final de EGOIST, duo formado por el prolífico músico RYO del grupo supercell y la vocalista Chelly.

La película tiene acción y algunos momentos violentos, sin llegar al nivel de Genocidal Organ, y tecnologías futuristas. Pero es ante todo una mirada introspectiva ante dilemas morales y la libertad personal limitada por otros.

En mi opinión se puede ver. Pero no es de las que vería más de una vez. Aún siendo de uno de mis estudios de animación preferidos ni aún sabiendo también que su banda sonora está hecha por Yoshihiro Ike, quien también compuso entre otras la de la serie Ergo Proxy. Pero un conjunto de grandes talentos juntos no siempre da una obra cohesionada de valor multiplicado.

Dorohedoro / ドロヘドロ

¿Qué pasa si mezclas un caimán, una cucaracha con deportivas, setas, una cocinera repartiendo golpes, magos, zombis, fetichismo por las máscaras, sangre, gore, historias de terror, absurdo y humor bizarro con una potente banda sonora de Hip Hop electrónico a cargo del joven grupo (K)NoW_NAME?

Pues que te sale:

 

Dorohedoro / ドロヘドロ quizás el anime más fresco de la temporada pasada de invierno, que se puede ver ahora en plataformas como Netflix. Basado en el manga homónimo de Q Hayashida del 2000 a 2018, ha sido llevado al anime de forma magistral por Yuichirō Hayashi. Con un potente estilo visual, gracias en parte a los nuevos efectos CGI, creados por el estudio MAPPA, que quizás no gusten a los más clasistas... Pero que han logrado presentar un anime tan fresco como diferente.

El argumento quizás es lo de menos, un caimán amnésico que ha perdido la memoria, y que es ayudado por una cocinera de gyozas, Nikaidō, que le ayudará a descubrir a golpe de machetazo, qué mago lo dejo así. En un mundo distópico en el que están separados humanos y magos, los humanos viven en un agujero o pozo llamado the Hole, al cuál acceden magos a través de portales para poder experimentar con ellos.

Nada más que añadir, señoría... Sólo mi recomendación a que la veáis, si el gore y el absurdo no os asusta.

Eizōken ni wa te wo dasu na ・ 映像研には手を出すな・Keep Your Hands Off Eizouken!

"No pongas tus manazas en el club de cinematografía" es la última serie anime del estudio de Masaaki Yuasa, Science Saru. Puede verse en Crunchyroll.

El anime, de 12 episodios, empezó a emitirse el 6 de enero de 2020 y concluyó el 23 de marzo de 2020(pasada la medianoche del domingo 22; hora de Japón).

El anime está basado en un manga de Sumito Oowara que sigue serializándose desde 2016.

Es una serie sobre anime. Llena de referencias a clásicos del anime japonés y multitud de guiños didácticos que muestran técnicas e historia del medio. Como Bakuman fue uno de los manga sobre manga más populares.

Es curioso que Yuasa haya acabado realizando este proyecto, porque otros lectores están de acuerdo en que no podía haber un candidato mejor para dirigir la serie.

El estilo propio de Yuasa es ideal para hacer una serie como esta. Y, aunque no he tenido ocasión de leer aún el manga, y pronto se estrenará una versión live-action en formato de película y mini-serie, es evidente que el medio ideal para una serie sobre anime es, ni más ni menos, un anime.
Como Bakuman es mejor leerlo en manga, que verlo en el anime.

El eizōken es un club compuesto por estudiantes de instituto que quieren hacer anime a toda costa. Cada chica tiene su propia personalidad, intereses y motivación.

Empezando por Midori Asakusa una chica bajita, muy bajita, parece un tapón, introvertida y con algo de fobia a las multitudes, entusiasmada por la animación desde que era pequeña(más) con una gran afición por crear escenarios y objetos basados en lo que observa en su día a día y desarrolla una capacidad arrolladora para dar vida a mundos narrativos de una imaginación desbordante.

Su compañera de fatigas Sayaka Kanamori, es una chica alta, muy alta y larguirucha, con poco interés en la parte técnica o creativa de la animación pero con una personalidad tan pragmática que resulta el contraste ideal de Asakusa para poner los cimientos a sus castillos en el aire. Es la productora perfecta.

El instituto Shibahama, y la ciudad donde se encuentra, es el escenario ideal para que las historias que Asakusa inventa cobren vida con separación casi invisible entre la realidad y la fantasía. Es una locura para cualquier dibujante con perspectivas imposibles y lugares inclasificables. Por ejemplo, el despacho de los profesores está dentro de una piscina (sin agua). Y no te das cuenta hasta que paras la imagen y lo ves desde lejos. Es imposible describirlo bien con palabras.

Las dos chicas conocen casualmente a Tsubame Mizusaki, otra estudiante del instituto que es modelo famosa siguiendo deseos de sus padres, con un profundo amor por la creatividad animada y en especial el diseño de personajes y animación de movimientos, aunque sus padres le tienen prohibido acercarse al mundillo en un club de la escuela, deciden iniciar juntas las actividades del club de cine con la única meta de hacer anime.

En el instituto, otros personajes de soporte y antagónicos van surgiendo creando nuevos problemas y retos que el Eizōken tendrá que resolver mientras conocemos un poco de la vida y personalidad de cada protagonista.

Cada capítulo cuenta con unas escenas de pocos minutos animadas con distintas técnicas, que siempre han caracterizado a Yuasa, de animación artesanal y por ordenador que son un auténtico lujo disfrutar.

En la parte musical destaca el opening "Easy breezy" de las raperas Chelmico; El ending "Namae no nai ao"(El azul sin nombre) de "Kamisama, Boku wa Kizuite shimatta". Y una serie de temas musicales a cada cuál más alocado, llenos de emoción que le dan un estilo característico y estructura homogénea a toda la serie.

Si te gusta el anime tiene que gustarte esta serie que muestra los entresijos del proceso creativo, los pros y los contras del oficio; lo mucho que cuesta crear historias y una trama que te acerca a unos personajes que es imposible no querer, padeciendo sus dificultades y alegrándote con sus éxitos.

Carole & Tuesday

Con Shin'ichirō Watanabe al timón como director general de su último anime producido por los estudios Bones,  Carole & Tuesday ha sido un gran éxito de la temporada de primavera y verano de 2019 en Japón.

La serie habla de las dos chicas que dan nombre a la serie; procedentes de mundos opuestos que coinciden en una próspera ciudad de Marte, de un futuro próximo, donde deciden iniciar juntas una carrera para abrirse camino en el mundo musical.

Gus, un agente venido a menos tratará de ayudarles junto con Roddy quien las descubre en un ensayo en plan "guerrilla" infiltrándose en un auditorio sin permiso.

También conoceremos a Ángela una joven modelo de la misma edad que Carole y Tuesday pero que ya cuenta con la supuesta ventaja de la fama.

La trama no se queda en una simple competición entre Ángela y las chicas.

Cada episodio es una celebración de la música en mayúsculas. Con un largo desfile de personajes que recuerdan a grandes artistas del pop, rock, o hip-hop que existieron o existen en nuestro planeta.

Como pasase en Cowboy Bebop, cada episodio tiene el título de una canción. Pero a diferencia de la vieja serie, donde las canciones eran originales de Yōko Kanno, los títulos de ésta son de canciones ya existentes de artistas conocidos que inspiran o tienen alguna relación con los hechos del capítulo.

Cada episodio tiene además temas musicales geniales que se han recopilado en dos álbumes de la serie. Y varios conciertos ya ofrecidos, y pendientes de ofrecer el año que viene, por las talentosas chicas de carne y hueso que cantan las canciones, e incluso han posado para dibujar mejor sus movimientos al interpretar la música.

El futuro mostrado de Marte se parece mucho a nuestra presente Tierra. Tanto en temas políticos, que chocan siempre con la libertad de expresión que defienden los artistas; como en la misma urbanización y forma de ser de distintas ciudades.

La escenografía es la segunda maravilla de la serie; después de la música.

Además de artilugios futuristas vemos edificios parecidos a Nueva York, grandes puertos comerciales asiáticos, o ciudades favela brasileñas. Un poco de todo, conformando la ciudad de Alba city; Parte que Watanabe encargó a dos artistas franceses artífices de "Studio No Border" afincados en Japón que han colaborado con Bones.

Sólo con leer Shin'ichirō Watanabe, si aún no has visto la serie ya tendrías que ir corriendo a buscarla sin dudarlo.

Su curriculum incluye títulos tan famosos como Zankyō no terror, Blade Runner Blackout 2022, Sakamichi no apollon(Kids on the slope), otra serie con la música como protagonista; o Samurai Champloo.

Carole & Tuesday se distribuye por Netflix. En España, por ahora, sólo los 12 primeros episodios.

Blade Runner: Black Out 2022

La secuela de película de culto "Blade Runner 2049" contó con dos cortometrajes de acción real de seis minutos de duración, a modo de prólogo, titulados "2036: Nexus Dawn" y "2048: Nowhere to run".

Como sucediera con la secuela de Matrix, además de esos dos cortometrajes se encargó a la maquinaria de anime japonés que realizara este anime de quince minutos de duración. Sin reparar en gastos. Para lo cual contrataron ni más ni menos que a Shin'ichirō Watanabe, director de Cowboy Bebop y Zankyō no Terror.

Hay alguna similitud con alguna de las obras de Watanabe en estilo e incluso desenlace pero es mejor no hacer comparaciones.

Se puede decir que pinta muy bien como aperitivo de la nueva secuela, más de 30 años después de la primera versión (de nosecuantas versiones que hicieron productores y el director Ridley Scott para exprimir la gallina de los huevos de oro), y hace revivir el ambiente de ese futuro distópico que creaba la primera película y sigue encajando muy bien, visto hoy día.

En esta ocasión, tres años después de los hechos que acontecen en "Blade Runner", se nos muestra a dos replicantes, robots de aspecto humanoide, colaborando en una difícil misión para eludir el control de hordas de humanos supremacistas que desean su exterminio. Mientras, alternando con flashbacks, vemos de donde proceden los replicantes y aquello que el Nexus 6 de la película de 1982 contaba al terminar: "-He visto batallas más allá de Orión...-" y se explican razones de la rebelión.

Es mucho argumento, una gran imaginería y una atmósfera que evoca la película original a cada frame. Al mismo tiempo que hace de puente para enlazar con lo que será la secuela. Son muchas cosas que se muestran en tan sólo 15 minutos pero es un anime que merece la pena ver y magistralmente dirigido como cabía esperar de semejante director de anime.

 La música es obra de un californiano apodado Flying Lotus que emula muy bien aquellos riffeos y acordes electrónicos con los que inundó Vangelis la película original.

Es imprescindible, sobre todo, si se es fan de la ciencia ficción distópica y se ha visto la primera película con intención de ver Blade Runner 2049 para tener las ideas más claras sobre qué pasó desde 2019 hasta 30 años después.

Dennou Coil

Dennou Coil es una historia de ciencia ficción que juega con la posibilidad de que cobre protagonismo en la vida cotidiana de las personas la Realidad Aumentada (AR, Augmented Reality).

Los niños protagonistas llevan unas gafas que les permite ver el mundo virtual electrónico desde el que acceden a información e interactuan con ciber-mascotas dentro del mundo real.

Algunos buscan sacar el máximo partido de sus ciber-gafas hackeando opciones ocultas, obteniendo valiosas rutinas para equiparse con arsenales virtuales de elementos electrónicos que tienen gran valor entre los niños, aunque ninguno en el mundo adulto. Y realizando encodings no previstos por la compañía de gafas Megabass que ponen en peligro la estabilidad de todo el sistema.

Esta serie se estrenó en Japón en 2007 y está producida por los afamados estudios Madhouse (Death Note) y nada menos que la NHK promueve también esta serie.

Además se realizó manga serializado por Shogakukan hasta octubre de 2007 en que salió en formato de un volumen tankobon y una serie de novelas ligeras que siguieron publicándose hasta 2010.

Dennou Coil está ambientada en el año 2026, 11 años después de que supuéstamente salieran las primeras gafas y viseras de realidad aumentada conectadas a Internet.

Estoy convencido de que Google quiere hacer realidad esta fantasía tras su lanzamiento del verano pasado del primer prototipo de Google Glasses. En 2013 está previsto que los programadores reciban modelos de desarrollo y es muy posible que para 2014 ó 2015, como en la ficción, todo el mundo pueda adquirir este nuevo gadget con un sin fin de posibilidades. Aunque, seguramente, muy lejos de los de la ficción.

Al margen de la deslumbrante tecnología también se muestra una historia sobre el valor de lo que se puede tocar y palpar en contra de lo invisible de las "ciber-sustancias"  del mundo electrónico que no pueden sentirse con la misma intensidad.

Mientras en los primeros capítulos se muestran historias cotidianas de niños y sus juegos de hackers poco a poco vamos descubriendo que hay dramas del pasado que se intentan superar. Y poco a poco el mundo electrónico se vuelve más y más amenazante para las personas del mundo real convirtiéndose en una oscura y tenebrosa historia con final agridulce.

Es una serie estructurada de forma bastante rígida. Tiene una cuidada banda sonora ambiental que casi pasa desapercibida, pero la fuerza del violín, cuerda y percusión del tema musical "Kanashimi" logra hacerte llorar en algunos capítulos; Suelen sonar los mismos pasajes musicales en cada episodio y casi siempre en el mismo orden. Lo que le da a la serie el toque de repetición y descubrimiento que muchos animes tienen para engancharte.

Aventuras, ciencia-ficción y melodrama. Muy recomendable.

Summer Wars

Grande, costumbrista, ciberpunk, coral, comédica, romántica, de acción. 

Tengo que preparar mi vocabulario para describir esta película con algunos adjetivos que se quedan bastante cortos para describir el film de Mamoru Hosoda, director conocido por La chica que saltaba a través del tiempo. Un anime aquel que no deja indiferente a nadie y que suele gustar mucho; y en esta ocasión el director no ha dado un paso atrás sino como cincuenta pasos adelante.

Summer Wars transcurre en una apacible casa familiar del Japón rural del norte de la isla Honshu (la principal), concretamente cerca de Ueda en la prefectura de Nagano, los últimos días de julio de 2010. La trama se mezcla con un problema en OZNet; una red de redes electrónica que interconecta el mundo real de las personas con el virtual, donde cada usuario dispone de un avatar que le representa y puede controlarlo desde su ordenador o dispositivo móvil.

La trama se va enredando mientras conocemos una interesante familia ¿normal? muy unida con sus avenencias y desavenencias.

No quiero desvelar ningún detalle más. Es muy probable que no hayáis visto esta película todavía, que tuve la suerte de encontrar en bluray en el Salón del Manga de Barcelona 2010 antes de comercializarse oficialmente en España por la distribuidora francesa KAZÉ, y creo que sus en torno a una hora y 50 minutos de largometraje merecen ser vistos con ojos curiosos, sin predisposición a nada para disfrutar más de la original historia. Aunque después se puede repetir sin cansarse de verla.

Habiendo entrado en la carrera por el Oscar a mejor película de animación, como única representante del país nipón en la categoría, y compitiendo con una decena de películas yankis marca Pixar/Dreamworks/etc, es garantía al menos de que es una película global, para todos los gustos. Y, en mi opinión, la única merecedora de la estatuilla por encima de sus rivales Toy Story 3, o incluso Como entrenar a tu dragón.

Comparándolas con otros animes, aunque se trata de un anime de los estudios Madhouse, estoy seguro de que los fans de las películas más ligeras de Ghibli (sin dramones del 15) en el campo de la comedia o fantasía también disfrutarán esta película.

Pues eso, que hay que verla. Punto. Y si no os gusta que os devuelvan el dinero.

Genius party - Limit cycle

Genius Party se compone de seis piezas de animación realizada por notables artistas de la animación japonesa más un opening que abre fuego a esta película liderada por la siempre genial compañía STUDIO 4ºC.


Aprovecho la última pieza que tenía pendiente de comentar para volver a reseñar un poco mejor esta obra realizada en 2007 que se componé de estas piezas ya reseñadas en el blog:


* Opening (GENIUS PARTY - Atsuko Fukushima)
* Shanghai Dragon (上海大龙 - Shōji Kawamori)
* Deathtic 4 (デステｲック4 - Shinji Kimura)
* Doorbell (ドアチャイム - Yoji Fukuyama)
* Limit Cycle (LIMIT CYCLE - Hideki Futamura)
* Happy Machine (夢みるキカイ - Masaaki Yuasa)
* Baby Blue (BABY BLUE - Shinichiro Watanabe)

Limit Cycle es el segmento más distópico de Genius Party. Se puede clasificar como una pieza experimental, llena de surrealismo que concentra una serie de afirmaciones trascendentales en un diálogo interior que podrían sacarse de distintos tratados filosóficos o teológicos del estilo de la crítica de la razón pura de Kant y algún que otro libro místico-religioso de distintas procedencias del mundo.


En esta pieza se concentran varias técnicas de dibujo que van desde la rotoscopia a efectos compuestos por ordenador.


La pieza, si la comparamos inevitablemente con obras anteriores de los estudios, tiene cierto parecido a las secuencias surrealistas de Matriculado de Animatrix. Aunque según AnimeNewsNetwork Hideki Futamura solo participó en cortos como Beyond, Historia del detective y El segundo renacimiento. Además trabajó con Satoshi Kon en la obra de suspense surrealista Perfect Blue. Lo cuál pudo haber dejado una fuerte impresión en este director.


Personalmente es la pieza que menos me gusta de la colección pero sin embargo tiene el punto necesario para considerarla interesante.


Puntos: 3/5

Aachi and Ssipak

La película sorpresa que se proyectó el pasado verano en Pamplona como colofón del Festival de Anime de Navarra '09 fue Aachi and Ssipak. Una película surcoreana de 2006 llena de humor absurdo y escatológico, acción y violencia desbordada llegando a los límites de la estupefacción.

La sorpresa era doble al ponernos una película que nadie pudo anticipar.
Y tanto, con la pequeña trampa de que ni siquiera era japonesa.

Pero es que los coreanos tienen algo especial. Un talento y un desparpajo del que solo ellos son capaces. A fin de cuentas la escritura china parece ser que la exportaron a Japón unos monjes coreanos.

Con esta película te ríes a mandíbula batiente o sales corriendo del cine como hicieron dos señoras que llegaron tarde y salieron espantadas. (con risas gratuitas del publico por su acción)

La película se programó como un contrapunto a películas tan serias, dramáticas y sesudas como Evangelion 1.0, Freedom project, o Sky Crawlers.

Y si querían liberar tensiones provocadas por las otras películas no podían escoger un film mejor.

El argumento se centra en Aachi y Ssipak dos "perdedores" que cambian sus vidas al tropezar con una "mina de oro", una mujer que no para de producir "barritas jugosas", algo que una peligrosa banda mutante conocida como la Banda del pañal intenta obtener a toda costa; sin importarles lo que un super policía, más bestia que Robocop, pueda hacerles para impedirles obtener cargamentos blindados de la valiosa sustancia. Cuando la producción masiva de barritas jugosas de la amiga de Aachi y Ssipak se dispara llama la atención de la agencia gubernamental dueña del "Robocop" y la pareja de amigos se verá en medio del conflicto entre la banda mutante y el gobierno.

Dejando el argumento al margen la película es toda una ida de olla para olvidarse de cualquier problema de la vida real. La animación es trepidante y llena de guiños a un sin fin de clásicos de la ciencia ficción y otras famosas películas de la historia del cine.

Es bastante curioso escuchar en versión original las voces en coreano teniendo en cuenta, que a diferencia del español o el japonés, ellos usan hasta diez vocales.

Hay a quien esta película le pareció una "cagada". Creo que si te acostumbras pronto al sentido del humor y estilo del film, es una de las mejores cagadas que hayas visto en tu vida.

A mi me gustó bastante y le doy 4 estrellas.


Trailer:
www.youtube.com/watch?v=f_rKuqM_8XM
www.imdb.es/title/tt0972542/

Akira

Bueno; me ha costado decidirme a comentar "El clásico" por excelencia, pero al final después de revisionarla hoy, un día cualquiera, porque cualquier día es bueno para ver esta obra de arte, me he decidido. Así que después de esta breve reseña y sin más dilación paso a comentarlo.

Comentario:

El film es una obra de arte, con un presupuesto millonario para la época; unos 1.100 millones de yenes (*), que se aparta un poco del manga inacabado por esa fecha, ya que este continua en paralelo hasta 1993.

Con un tecnología de dibujo y un detalle enorme de la ciudad y su entorno, y acompañado de una buenisima banda sonora, la película de 1988 y firmada por el mismo autor que el manga Katsuhiro Otomo, que se consagró con este manga y Anime el cual se convirtió pronto en una obra de culto tanto en Japon como en el resto del mundo donde dio el salto. Usando nuevas técnicas de animación no usadas hasta entonces como el "pre-scoring". En el 2001 fue resmasterizada por Pioneer.

La Película, aparte de su intachable calidad técnica para la época, cuenta con una violencia, crudeza y argumento asombrosos, quizás se podía haber indagado mas en cada personaje pero 124 minutos de acción, imágenes y argumento impactante no daban para más.

Argumento:

¿Cómo te sentirías si fueras un chico con un fuerte complejo de inferioridad sin apenas afecto, en una ciudad debastada y caótica, tras una gran guerra, con una humanidad sin esperanza y te dieran un poder inimaginable, de un misterioso proyecto llamado AKIRA?

Pues así se debería sentir Tetsuo Shima, para mí el verdadero protagonista de la historia. Aunque la película le roba algo de protagonismo su compañero y amigo Kaneda, lider de una banda de motoristas en la ciudad de Neo-Tokio en un futuro Ciber-punk en el 2019.

¿Y que pasaría si ese poder tan inmenso para cambiar el mundo o destruirlo se apoderara de ti?...Eso ya no os cuento porque quiero que la veáis.

El desenlace final cargado de tópicos, incógnitas y tensión da la respuesta del autor a estas preguntas aunque se echa de menos una mayor profundización en un tema que como demuestra el manga da para mucho más.

Curiosidades:

- Fue la película más cara de la Animación Japonesa en su época (1988), y se utilizaron tecnicas nunca usadas en el pais del sol naciente. Una Super-producción vamos.

- Convertida como película de culto, ha dado la vuelta al mundo siendo una de las películas embajadoras del Anime. (Imprescindible verla).

- Actualmente hay un proyecto para el 2009, que desestimó en su dia Sony por su coste, para hacer la película con actores de carne y hueso (live action), pero por la industria americana, que se está quedando sin superheroes de Marvel.

Insto a verlo antes de que Hollywood, que no tiene piedad en destrozar mitos aunque no sean suyos, malogren este film de culto. Los responsables de esta atrocidad son el infame Leonardo Di Caprio junto con un director novel. Miedo me da.

PD: Un clásico así se merece una excepción por mi cumpleaños en su publicación.