Paranoia Agent - 妄想代理人 - Mōsō Dairinin

Satoshi Kon, rey del surrealismo en el anime, de lo onírico, y amante del cine que imbuía la influencia del cine en su propio cine, animación y manga, hizo con Paranoia Agent una serie divertida, estrambótica con toques de suspense y cine policiaco o thriller psicológico con una fina línea argumental que sobrevuela distintas historias y personajes con ciertas diferencias en cada capítulo que casi podrían verse como partes separadas autoconclusivas, como Shin'ichirō Watanabe hiciera con Cowboy Bebop.

El opening con música de Susumu Hirasawa, como no podía ser de otra manera en una obra de Satoshi Kon, es ya una de sus canciones más icónicas. Título de la canción:『夢の島思念公園』(Yume no shima shinen kōen - Parque de la meditación de la isla de los sueños). Todo un himno a la ansiedad, los delirios y el natural ánimo de evadirse de la realidad. Sin desmerecer a la tranquila balada instrumental del ending, también de Susumu, llamado Tema de Maromi.

La trama comienza más o menos con una diseñadora famosa saliendo en los medios al haber sido atacada por un chico con un bate. Nadie más ha visto al chico del bate pero conforme progresa la historia mucha más gente parece encontrarse con ese chico del bate. ¿Es todo producto de su imaginación o es real? Y si no lo es ¿qué está causando este revuelo?

La serie se emitió en 2004, con 13 capítulos producidos por el estudio Madhouse.

Esta serie de Satoshi Kon vino años después de haber cosechado bastante éxito con Perfect Blue, Millenium Actress o la que estrenó a finales de 2003, Tokyo Godfathers. Quizás bebiendo más de la primera de ellas, suavizando un poco el tono, sin dejar de retratar una sociedad muy dada a los delirios y paranoias.

Si aún no has visto esta corta serie de culto quizás te deberías replantear si te gusta el anime. Porque perderse una obra del ya desaparecido Satoshi Kon es probablemente un pecado otaku.

Kimi no na wa (Your name / 君の名は)

Es una película preciosa, y así con estas breves palabras podría cerrar este reporte, que tanto me ha costado hacer porque te deja sin palabras, y cualquier cosa que ponga se queda corta.

Algunos pensarán que puedo estar exagerando, y quizás sea una obra sobrevalorada. Pero para mí es la primera vez en la meteórica y excepcional obra y carrera “Makoto Shinkai” que todo encaja, y aúna todos los elementos y sensaciones en una obra. Todo hilvana como un hilo rojo bien trenzado, difícil de romper ;)

Desde la mayor tristeza e impotencia, a la mayor de las alegrías y esperanzas, pasas por todas ellas durante la película que te mantiene pegado al sillón durante sus “escasos” 106 min de metraje, suficientes para decir -WoW, ¿qué ha pasado?-, y empezar a digerirla.

De lejos su mejor obra o la más completa y he visto casi todo lo que ha hecho que es excelente.

Desde “5 centímetros por segundo” que me hizo llorar y enamorarme de su ilustración y de su melancolía, la breve y preciosa “El Jardín de las Palabras”, o la estremecedora y aventurera “Viaje a Agartha” o, entre otras, “Voces de una lejana Estrella” que fue uno de sus primeros y más modestos trabajos pero no por ello menos realista, estremecedor y melancólico (triste); y todas ellas muestran las dificultades y virtudes en el camino del AMOR, que es el tema que enlaza toda su obra. Pues para mí es su trabajo más completo.

Un enlace a este AMV con una de las canciones de la película y sus obras, para que las apreciéis: https://www.youtube.com/watch?v=nPwCtsLhYto

 

La historia es sencilla, y parece ya trillada, pero Makoto le da un enfoque con toques de fantasía, que no había visto en otras obras de intercambios de cuerpos y comunicación a través de mensajes escritos.

Mitsuha es una chica de pueblo y Taki un chico que vive en la gran capital de Tokyo, un día amanecen y descubren que uno está en el cuerpo del otro, y a partir de ahí empezarán todos los enredos, aventuras y desventuras de esta singular pareja, sus amigos y familia. En la que te reirás, llorarás, y te quedarás con ganas de mucho más.

Y acabaré por su parte técnica; Si sus anteriores obras ya eran un prodigio de detalle en el dibujo y de un realismo que parece cobrar vida, el realismo y preciosismo de los detalles de ésta, son inolvidables. "CoMix Wave Films", ha hecho un gran trabajo, como siempre.

Retrata Tokio como si estuvieras paseando por sus calles, metro, institutos y cafeterías, y luego te hace enamorarte de la parte campestre de Japón retratando esos coloristas paisajes y vida rural de forma tan vívida que parece que estás contemplando delante el paisaje.

Mención especial para toda la banda sonora. No hay ningún tema que destaque por encima de otro y todos son muy buenos. Quizás me quedaría con alguno de los temas principales; éste. Os dejo el enlace al tema oficial del grupo que lo elabora “Radwimps” https://youtu.be/a2GujJZfXpg  

Sólo me queda recomendar encarecidamente que esperéis para verla. Y si no podéis esperar la veáis en la mejor calidad posible para disfrutarla y juzgar por vosotros mismos.

Omoide no Marnie - El recuerdo de Marnie

Hiromasa Yonebayashi es el director de este largometraje con innegable sello del estudio Ghibli. Obtuvo nominación al Oscar 2015 (celebrado en febrero de 2016) a mejor película de animación.

Aunque no ganó el Oscar, cualquiera con una mínima sensibilidad verá que la película está más esmerada que la que lo ganó "Inside Out" (Del revés) y lo digo con toda certeza; aún sin haber visto todavía dicha oscarizada película.
El título original 『思い出のマーニー』(Lo recordado de Marnie), que en inglés se ha dejado como "When Marnie was there", tiene un sentido ambiguo para dejar al espectador pensando en la historia que se está contando y cómo se cuenta.

La película presenta a Anna, una niña que debido a una enfermedad debe viajar a casa de unos allegados para alejarse del aire de ciudad de Sapporo, donde vive, y recuperarse en un (precioso) pequeño pueblo costero del Hokkaidō rural. Seguramente inspirado en las proximidades de 【藻散布沼】el pantano de Mochirippu.

Allí conoce a Marnie, alguien que será ejemplo a seguir y confidente para la protagonista.

Desde el comienzo se nos presenta a un personaje que padece un conflicto interior que le atormenta que parece olvidar cuando está con Marnie.

En el transcurso de más de 100 minutos de película se desvelan los pormenores de ambos personajes hasta descubrir su identidad, a pequeñas cucharadas de narración templada, de cuidado dibujo, luces, paisaje y animación.

Y al final llorarás, o no tienes sentimientos. :_)

La canción final de Priscilla Ahn, "Fine on the outside", habla de la premisa de la película y es una voz a tener en cuenta porque canta divinamente.

El viento se levanta - 風立ちぬ

Dado que contiene algunos elementos perturbadores que pueden irritar a algunas sensibilidades por tocar temáticas cuyas heridas no están todavía cerradas, la (probablemente) última película de Hayao Miyazaki imagino que se perpetró con toda intención para causar cierta polémica; que siempre viene bien para atraer público a las salas. Pero no está exenta de la maestría que caracteriza al genio animador.

Kaze tachinu (風立ちぬ) relata la biografía de un ingeniero aeronáutico a modo de "biopic", desde tiempo antes de la Segunda Guerra Mundial en Japón, y su pasión por construir aviones como su mayor ilusión que compensa las frustradas ganas de pilotarlos por culpa de una vista imperfecta.

El film tiene unos toques de estilo originales en la forma de la animación y ambientación sonora y alzan a Miyazaki un poco más, si eso era posible, entre los pocos maestros de la animación de estilo tradicional. Aunque alejándose de la animación contemporánea donde predominan los efectismos tridimensionales, personajes llamativos y colores contrastados.

En mi opinión, no es en absoluto la mejor de sus películas pero en algún festival de cine se ha llevado el primer premio en su categoría poniéndola por delante de por ejemplo la taquillera Frozen. Aunque no es el caso del Festival de Anime de Navarra, FAN'15 donde quedó en un humilde 4º lugar; 3 puestos por debajo de La isla de Giovanni.

De cualquier modo, es una muy buena película. No quiero entrar en detalles sobre la diversidad y calidad de los personajes mostrados, el ritmo y temple mostrado en todo el largometraje, la buena ambientación musical, etc porque hay muchas cosas que me gustan y otras que me disgustan pero en términos globales le doy la mejor nota posible. No hace falta hablar más porque a este cineasta le sobra curriculum y no ha hecho una película que se pueda decir que sea "mala".

Miyazaki ha querido jubilarse (por enésima vez) con esta película. Y es casi obligatorio verla si se quiere conocer un poco de la trayectoria de este genio-arrogante (a partes iguales), cascarrabias-pacifista(también a partes iguales) y ecologista-fumador(creo que más lo segundo).

El Castillo en el cielo (Laputa)

¿Puede el sueño de unos niños combatir la ambición de un hombre, puede la naturaleza defenderse de la codicia del ser humano, pueden los curiosos piratas tener buen corazón y los hombres y militares "rectos y honrados" un corazón retorcido, será real la Fortaleza Celeste o sólo un sueño...?

La historia de dos niños, la enigmática Sheeta y el constante y voluntarioso Pazu, que el azar une y los cuales tendrán que luchar contra la adversidad para alcanzar sus sueños y descubrir los secretos que oculta esa misteriosa tierra flotante.

Y mención especial para el robot que cuidaba de las plantas haciendo una analogía al hombre hojalata o la maquina con corazón.

Todo esto es lo que parece plantearnos Hayao Miyzaki en su obra para el Estudio Ghibli, el Castillo en el Cielo como aquí se tradujo (o Laputa, termino bastante desafortunado en Castellano).

Como curiosidad decir que oficialmente es la primera película del Estudio Ghibli (1986), aunque a efectos prácticos fuera Nausica del Valle del Viento de la que hablaremos más adelante y que es todavía más dura si cabe, a pesar de ser una película para todos los públicos.

Por lo demás reseñar que tiene un dibujo preciosista y una banda sonora muy cuidada (de Joe Hisaishi) que acompaña perfectamente, sobre todo en las escenas de batallas en el cielo o de vuelo, de las que tanto gusta Miyazaki en algunas de sus obras.

Una obra sencilla pero que llevada de la mano de un excelente Miyazaki se convierte en una obra a tener en cuenta. Quizás la conclusión final pueda gustar más o menos pero para eso tendréis que verla.

Muy recomendado su visionado como todas las obras del Estudio Ghibli.

Trailer HD: http://www.youtube.com/watch?v=McM0_YHDm5A&hd=1

The Sky Crawlers

¿En que momento... dejamos de amar, de ser nosotros mismos, de dejar de recordar, de crecer, de madurar, de necesitar excusas para vivir o dar sentido a la vida...? ¿En que momento necesitamos que los demás murieran para recordarnos que estamos vivos o simplemente despiertos?.

'The Sky Crawlers', es lo nuevo de Mamoru Oshii, basado en las novelas de Hiroshi Mori, que investigando un poco es un novelista e ingeniero de gran ingenio, que ha demostrado sobradamente su talento, que se ha especializado en ese tipo de obras reflexivas o de misterio que tanto nos gustan algunos.

Partiendo de un buen guión o una buena historia, Mamoru Oshii sabe plasmarla con un alarde no solo de composición sino de belleza gráfica y una banda sonora y efectos de sonidos, a cargo de la Skywalker Sound de Lucasfilm Ltd.,que te mantienen en vilo. Pocas veces he visto una banda sonora que acompañe tan bién a una producción.

Aparte sabe jugar con el tiempo, y aunque puede parecer lenta al principio, es el prólogo necesario para el desenlace final, ese ritmo que le imprime es el necesario para meternos en materia.

Una vez que ya nos tiene seducidos por la complejidad de cada personaje protagonista y la sucesión de imágenes dignas de una superproducción como esta... nos sirve sin más dilación y sin mas condimentos la reflexión final condesada y recién cocinada, para sorpresa de propios ajenos. Aunque los ingredientes de este plato final se han ido cocinando a lo largo de toda la película.

Y es que Sky Crawlers, es de esas películas que te hacen pensar, de las que sales del cine dándole vueltas y que necesitas ver al menos otra vez para disfrutarla y comprenderla un poco más. No me gustan las películas vanas que no te hacen pensar, por eso esta Obra de Arte me encanté.

Aunque no podía esperarme menos del creador de Ghost in the shell, de la cual y de anteriores obras mete algunos guiños para los fans de la obra tanto como guionista como director de este pequeño genio. Aunque algunos no entiendan todas sus obras, como la denostada Ghost in the Shell 2.

Por último solo os recomiendo verla y os digo "Que voy a matar a mi padre", pequeño
guiño al que ya la haya visto, que no enturbia para nada la trama y ver este trailer como adelanto de esta gran superproducción en todos los sentidos.
Trailer en YouTube

Genius Party - Happy Machine

Este anime surrealista muestra un momento de la vida de un bebé donde las "pilas" de su máquina de la felicidad se agotan y sale al mundo exterior a explorar y descubrir otras formas de ser feliz e infeliz. Pues lo uno no puede existir sin lo otro.

Al menos esa es la conclusión que saco a bote pronto de un anime de lo más surrealista que cuesta digerir si no estás muy puesto en materia de filosofía y abstracciones.

El autor de esta pieza del film "Genius Party" es Masaaki Yuasa quien ya ha participado como Director y Guionista en MindGame. Y se nota.

Pues en este anime emplea técnicas mixtas de animación tradicional, 3D, y rotoscopia sobre imagen real como ya lo hiciera en su película de 2004.

Ghost in the Shell2, Innocence

Cómo empezar con esta película, que después de volver a verla esta vez en el lenguaje de Cervantes, me ha impresionado... podría decir que sin palabras. Desde luego no dejará a nadie indiferente o te gusta o la aborreces...

Empezaré haciendo una advertencia, abstenerse otakus ocasionales, fans de Naruto y otras obras más comerciales, Ghost in the Shell2 Innocence, es la continuación de una obra de culto, su predecesora, pero es mucho menos comercial por decirlo de alguna forma.


Ahonda tanto en los sentimientos y cuestiones sin resolver, y abusa tanto también de frases filosóficas y citas celebres que para los no iniciados puede parecer lenta e insulsa, pero nada más lejos de la realidad; es una obra profunda para ver de forma pausada y para reflexionar, su trama por el contrario es tan simple como rebuscada, pero sirve como telón de fondo para la verdadera trama o reflexión.

E incluso dejando la trama de lado, merece la pena verla por su increíble tema sonora, en especial el tema central, y su belleza artística con un derroche de medios y fusión de Tecnología con trazo clásico, diseños 2D con 3D, que dejarán a más de uno con la boca abierta.

La película más que resolver dudas las crea, pero esa parece ser la intención del gran director Mamoru Oshii, que se sale de la línea típica del Anime, para hacer trabajos más íntimos y que al final acaban siendo alabados por la critica como Ghost in the shell obra de culto y Avalon, entre otras.

El argumento, esta vez quizás es lo de menos, es mejor ver el contenido salpicado de detalles y reflexiones donde vive atormentado el Agente Batou en su búsqueda incansable de la conocida por todos los que siguen la saga de la Mayor Kusanagi desaparecida en la red.

Como curiosidades decir que producida por Production I.G, el tema final "Follow Me", está compuesto por un compositor valenciano Joaquín Rodrigo, y la banda principal de nuevo por Kenji Kawaii.

Eso es todo. Solo verla aquellos elegidos que tengáis paciencia y sabiduría para saber apreciarla, y los demás que disfruten del espectáculo visual y sonoro. ;)

The Animatrix: Matriculated

En "Matriculado" un grupo de humanos se dedica a re-educar máquinas a las que dan caza e introducen en su Constructor particular instruyéndolas para que sean sus aliadas.

Esta pieza es una de las más surrealistas de la serie de OVAs de Animatrix. E incluye más lenguaje visual que narrativo.

Podría decirse que es la pieza más sesuda y requiere más análisis para comprender, de toda la saga Animatrix.

¿Puede una máquina tener sentimientos?

Paprika

"Paprika: Detective de sueños" es un film lleno de surrealismo, siempre que lo entendamos como un retrato extremo de la realidad.

Algo que profundiza en la mente humana, al fondo de los sueños y la imaginación.

Sin duda después, antes, o al mismo tiempo que Tekkon Kinkreet, este anime también me lo compraré en Bluray.

Es un homenaje por partida doble a la Imaginación con mayúsculas. Tanto en su argumento como en la forma en que está hecho.

Con guiños reconocibles de famosas secuencias de películas de cine, y siento que he presenciado una película cuyo autor ha sabido subirse a lomos de sus maestros convirtiendo ésta en una obra de culto.