Youjo senki - 幼女戦記 - Saga of Tanya the Evil

Youjō senki (Diario de guerra de una niña) procede de una serie de novelas del autor japonés Carlo Zen. Novelas que también están siendo adaptadas a manga.

El anime fue estrenado en 2017 y su primera temporada tiene 12 episodios. Tras la cual se produjo una continuación en forma de película y este verano de 2021 se anunció que se trabaja en la esperada segunda temporada.

La trama, sin hacer mucho spoiler, trata de un mundo donde existe la magia y recuerda mucho al nuestro en la época de la segunda guerra mundial sólo que las batallas además de con artillería e infantaría armada se libran con magos capaces de volar, generar escudos y pegar tiros.

Tanya es apenas una niña y en poco tiempo se ha ganado una fama de ser diabólicamente atroz comandando una división de magos para sus misiones.

Quién es esta Tanya, qué estrategias sigue y su motivación es algo que se empieza a descubrir en apenas el segundo episodio. Y si tras ese capítulo no termina de engancharte quizás es que la serie no es para ti. La vi en Crunchyroll y cuando me di cuenta que no la había reseñado he tenido que corregir el error rápidamente. Porque es una de las mejores series de su año.

Las canciones de opening y ending son realmente buenas. El opening de MYTH & ROID banda que ya había participado con algún opening y ending de la serie Re:Zero.

El ending es también especialmente cañero. Cantado por la misma seiyū que pone voz a la protagonista. Sólo por escuchar este tema titulado "LOS!LOS!LOS!" ya merece la pena ver toda la temporada sin saltarse los créditos.

Mobile Suit Gundam Hathaway - 機動戦士ガンダム 閃光のハサウェイ

La película con título internacional "Mobile Suit Gundam: Hathaway's flash" es la más nueva de las películas de la casi inabarcable franquicia de franquicias de anime y plamodel japonés de Gundam.

Pertenece a una serie de tres películas anunciadas que el estudio Sunrise ha lanzado tras varios retrasos. Finalmente se ha podido ver este mismo año en España y otros países no mucho después que en Japón. Haciendo historia al ser el primero de toda la franquicia que obtiene doblaje en español. Aunque por ahora sin otras pistas disponibles en nuestro territorio diferentes al castellano, inglés, alemán o el japonés original.

Si aún no has visto la película no haré spoiler pero te recomiendo no leer la sinopsis que incluye Netflix. Siempre son un spoiler continuo de los títulos de su catálogo. Y tampoco son los productores por mucho que Netflix ponga un rótulo diciendo que es una película suya. Distribuir y localizar no es producir aunque ayuda a su producción, por supuesto.

Hasta ahora sólo había visto la serie clásica restaurada en Crunchyroll que se estrenó originalmente en 1979, Gundam '079 y otra más reciente que viene a ser como un reboot desde el punto de vista del mítico personaje Char Aznable. Gundam, The Origin. The advent of red comet. disponible libremente en la plataforma de Sony/Funimation Crunchyroll.

Con esta base, y la influencia del fandom de @gundamspain, he visto Hathaway basada en novela ligera de tres tomos con mismo título, publicada en Japón entre 1989 y 1990. La película, con alguna diferencia en los cánones del hilo argumental de la saga UC (Universal Century), se ubica prácticamente durante todo el largometraje en una pequeña isla de la Tierra siguiendo la estela tras las otras dos series en lo que sería el año UC 0105. Es decir cerca de 30 años después. Y con personajes algo diferentes.

Aunque en otras series de la franquicia se han mostrado más eventos de este universo diegético de Gundam, esta es una película que sirve de prólogo a las futuras partes 2 y 3, y en mi opinión puede verse sin conocer nada de la saga. Aunque siempre enriquece la historia.

El Director Shukō Murase y el guionista Yasuyuki Mutō, ambos, han hecho otros trabajos en otras series de Gundam y participado en roles diferentes de creación o trabajos técnicos también dentro de otras obras míticas como Ergo Proxy o Samurai Champloo, en el caso del director. O Afro Samurai, Tokyo Revengers, Persona: Trinity Soul, Le cavalier D'Eon, Sengoku Basara, etc, en el caso del guionista.

Películas como esta no tienen la acción que se espera en series de grandes aparatos móviles de combate, típicos del mechanical anime. Nunca son verdaderos protagonistas de la trama. Desde el primer momento siempre fueron obras de animación enfocadas por los inversores para vender juguetes, que luego se especializaron en detalladas maquetas, sin embargo su creador original, el director, guionista y perpetrador de Gundam Yoshiyuki "minagoroshi" Tomino, parió una serie donde la esencia del ser humano, emociones, conflictos y traumas se ve reflejada sin concesiones donde el martirio de combatir la guerra con guerra supone un irónico mensaje.

En Hathaway de nuevo tenemos aparentemente dos facciones enfrentadas y es más difícil para el espectador entender quién hace más bien o menos mal. Si de algo puede presumir el anime japonés es de no tener tramas maniqueas.

Y Hathaway aporta cierto mensaje social con guiños a la gente de a pie de cualquier época. Sobre los que sufren realmente las consecuencias de conflictos que les son ajenos. Y también de los dilemas propios de los que participan directamente en las guerras.

Entre tanto la trama comienza con un secuestro y termina con las esperadas o no batallas entre aparatos mecánicos "mobile suit"; sin que en ningún momento haya escenas que resulten aburridas o anodinas. Incluyendo alguna escena contemplativa que se pasa volando gracias a la música de Hiroyuki Sawano con estilo dispar; con aires de epicidad mecha, drama humano o una intro muy del estilo James Bond.

No he visto todavía serie o película de Gundam que no se pase en un suspiro. Y eso que esta dura sus buenos 96 minutos.

Promare - プロメア

Han pasado dos años desde el estrenó en Japón de Promare y finalmente se ha incluído en el catálogo de Amazon Primevideo. Así que no he esperado ni un minuto para ver esta película por ser de los creadores de Kill la Kill o Little Witch Academia, así como Darling in the Franxx y herederos del éxito de Gurren Lagann, aún en Gainax.

Promare es, por ahora, el último largometraje estrenado por el estudio mientras se ultima la adaptación/spin-off animada de la franquicia de Cyberpunk 2077, Cyberpunk Edgerunners.

Promare es una película para pasar el rato, llena de acción a raudales y unos personajes extremadamente sanguíneos y explosivos en su sentido no literal.

Sin ánimo de ser cínico a lo Carlos Boyero pero siendo crítico honesto, y crítico conmigo mismo también pues al tener espectativas más altas tiendo a ser más exigente por lo que puede que para otros esta película no sólo esté muy bien sino que sea sobresaliente, pero tras el primer visionado yo creo que no es la mejor de las películas del estudio, ni de cualquier otro estudio de los que hacen películas anime en la actualidad.

En mi opinión falla el ritmo que es algo frenético, centrado en nada más que la acción sobre la acción y más acción. Con unos personajes secundarios muy poco aprovechados; como queriendo correr mucho en la trama que da para una serie como si no hubiera más presupuesto.

Aún durando cerca de dos horas la película apenas tiene una historia que apasione. Aunque despierta interés no llega al límite de sorprender a quienes estén más curtidos en todo tipo de ficción de anime japonés.

Se podría decir que es una película con aire de Kill la Kill o cualquier otra obra de los creadores del estudio; pero con otros personajes con los que cuesta familiarizarse.

Y por si eso fuera poco se sacan de la manga un "deus ex machina". (pun intended; para los que hayan visto la película.)

En algún aspecto es interesante pero por la forma que empieza, explicando el advenimiento de la facción que causa problemas, daba esperanzas de que podría haber sido una obra algo más seria y no la traca y retraca de fuegos de artificio que abruman desde el comienzo de la película. Y pese a todo le falta el nivel de chispa humorística que caracteriza a otras obras del estudio.

Lo que estoy seguro es que se tiene que poder disfrutar más vista en el cine. Porque ni con una pantalla de 55 pulgadas se luce todo lo que podría. De hecho la película se estrenó en cines 4D de Japón, para lo cuál es perfecta.

Como una barraca de feria para pasar 112 minutos entretenidos con mucho movimiento y un pulso por mantener públicos de distintas generaciones mientras sus creadores ya empiezan a estar un poco mayores.

La música es curiosa mezclando piezas de piano con el rap-pop al que nos tiene acostumbrados el estudio.

Hay alguna escena que recuerda a Evangelion 3.0 y no creo que sea casualidad que el estudio Khara haya colaborado en la película.

La sinopsis, por si interesa, cuenta una historia en la que Galo Thymos es un novato de un cuerpo especial de bomberos que combate incendios provocados por los Burnish, una especie de humanos que mutó 30 años atrás y cercenaron la mitad de la población del planeta.

El actual líder de los Burnish es Lio Fotia, un enfant terrible con poder fuera de lo común. Lio tiene un encontronazo con Galo que logra detenerlo con ayuda de sus compañeros del "Burning Rescue". Galo es condecorado por el líder de la ciudad de Promepolis, Kray Foresight al que Galo admira porque de pequeño le salvó la vida; Pero las apariencias engañan y personajes que parecen opuestos terminan siendo complementarios para luchar contra un destino que afecta a todos.

Mobile Suit Gundam - Kidō Senshi Gandamu - 機動戦士ガンダム

La primera serie de la franquicia Gundam se gestó por Yoshiyuki Tomino emitiéndose en Japón a lo largo de 1979.

Cuenta con 43 episodios. 42 de ellos están en Crunchyroll; Junto con otras series de la franquicia que han tenido el detalle de incluír. El episodio perdido lo decidió eliminar el propio Tomino de la distribución internacional por motivos de calidad técnica. Además esta serie recuperada en Crunchyroll ha sido restaurada y se muestra muy bien en resolución 1080p pese a sus ya más de 40 años de antigüedad.

No era el primer anime de robots. No era el primer anime producido por una empresa con la intención de vender juguetes. Quizás tampoco fue el primero en dar una bofetada en la cara al "mundo de los adultos". A la jerarquía que manda sobre el más débil y con menos ventaja en la sociedad. Por ejemplo, la serie anime de Ashita no Joe se estrenó en 1970.

Yoshiyuki Tomino perpetró un universo que se ha hecho inmensamente grande. Y es responsable de un submundo de aficionados al modelismo PLAmodel. Así como de lo que el propio Tomino llamó el "Nuevo Siglo del Anime", de la que coge el nombre   Neon Genesis Evangelion -shin seiki evangerion- y es fuente de inspiración directa de la serie, así como de todo el estudio Gainax y otros que vinieron después.

Este logro viene no por mostrar una historia de ciencia ficción. Sino por mostrar el drama humano cuando los poderosos buscan ascender por encima de su condición y ejercen presión sobre otros para lograr beneficios que el común de los mortales ni se plantea. A costa de mentiras, intrigas, conspiraciones y el caiga quien caiga. Y mientras las castas se pelean los que están abajo sufren las consecuencias.

Gundam no es un anime de robots. Es un anime de personajes. De traumas. De trascendencia sobre los defectos de la humanidad. Habla de lo absurdo de la guerra, la débil línea que separa unos bandos de otros y las innecesarias muertes y sufrimiento que producen los que diseñan el mundo para servir a sus propósitos y no al bien común.

No soy aficionado a series tan largas. Aunque reconozco el valor histórico de algunos títulos de animación. Y éste desde luego merece la pena sobre todo si quieres entender las bases del anime actual.

No obstante, si quieres ahorrarte las casi 17 horas que te va a robar esta primera serie de la saga, se produjo inmediatamente después de terminar el anime una serie de 3 largometrajes(algo largos. valga la redundancia) con algunos cambios respecto a la serie original; que te permitirán pillar la esencia de la serie en un total de 7 horas.

En el año 0079 se inicia una guerra que tiene dividas a dos facciones, la federación y el principado de Zeon. Una guerra salvaje que en poco tiempo merma la mitad de la población civil de ambos bandos. Entre tanto, Ray Amuro, descubre un proyecto secreto de su padre para la federación y coincidiendo con un ataque de Zeon a su base espacial termina siendo piloto del primer Gundam que dará una ventaja clave a su facción; junto con la nave de la federación WhiteBase y otros vehículos mecha capaces de plantar cara en espacio, tierra, mar o aire.

Si te gusta este universo en la era "Universal Century" puedes ver la precuela Gundam The Origin, en su formato de 6 OVA muy elaboradas de unos 70 minutos de duración por capítulo. O la más reciente serie de 2019 en 13 episodios donde se cuenta la misma historia desde el punto de vista del carismático e inicialmente antagonista Char Aznable; The Origin - Advent of the Red Comet.

Pero hay también decenas de series posteriores que siguen la misma trama o crean otras alternativas totalmente distintas. Y con distintos estilos y producción. Lo último que se estrenó fue en este 2021 "Mobile Suit Gundam: Hathaway's Flash", parece ser en el año 0105 de esta misma trama argumental. Adaptando la propia novela de tres tomos que el propio Tomino publicó entre 1989 y 1990.

Para que no se alargue esto mucho más, diré que el anime me gustó. Viéndolo en 2021; Con todo lo que he visto ya. En especial le encontraba sentido a muchos detalles que se consideran ya marca de la casa en Evangelion.

Tiene buena dosis de acción, drama y enredo y toques comédicos además de el anuncio de juguetes que son los super-robot, con una estructura típica de anime juvenil y un ritmo trepidante. Los episodios se pasan en un suspiro. Creó una base de fans legendaria que se dieron cuenta de que este anime no era la misma 💩 de siempre.

Si te gusta el anime de mecha (pronunciado como en "mechanical".) puede que te des cuenta que este no es de esos anime. El Gundam no es para nada el protagonista. Aunque lo que representa trasciende todos los anime de mechas.

Desde estas líneas quiero dar las gracias a Gundam Spain que a través de su Twitter, @gundamspain, empezó a promover el visionado conjunto que pudimos disfrutar comentando a través de Discord y otros medios. Seguidles si queréis saber más de esta mítica franquicia de franquicias.

Assassination classroom - 暗殺教室 - Ansatsu kyoushitsu

Una extraña criatura con forma de pulpo se ofrece a dar clases en un campus viejo reservado para los estudiantes menos cualificados de una escuela de secundaria elitista. Este profesor, al que apodan Koro-sensē, parece ser el responsable de destruír un trozo de la Luna y amenaza con destruír también la Tierra por lo que hay una enorme recompensa por su cabeza. Todos los alumnos son designados para intentar matarlo antes de que acabe el curso con armas especiales que sólo hacen daño a Koro-sensē. Pero esta criatura es capaz de moverse y volar a una velocidad de mach-6. No lo tendrán nada fácil.

El anime basado en manga con 21 tomos publicados entre 2012 y 2016 también tiene hechos una par de breves ova precuela y spinoff. También se hizo una película resumen de la serie. Así como un live-action dividido en dos películas (disponibles para compra digital en Rakuten TV, tanto en V.O.S. como dobladas a español).

Los primeros episodios del anime se estrenaron en Japón en 2015 y pudimos verlos poco después durante el FAN Festival en Pamplona. También pasaron algunos episodios cuando salió la segunda temporada estrenada en Japón en 2016.

Aunque no fue hasta cerca de 2018 cuando finalmente empecé a verla con desgana pero con el deseo de terminar de ver los 22 episodios de su primera temporada. Y luego, los 25 episodios siguientes de la segunda temporada. Y la terminé de ver finalmente este mes de marzo, en 2021.

Normalmente si una serie me gusta la veo de forma más seguida aunque tenga poco tiempo.

Creo que esto pasó porque tiene una trama interesante, personajes curiosos y buena animación, pero creo que a nivel de adaptación o en su planteamiento de dirección anda algo flojo y carece de una la linea argumental que atrape lo suficiente para mi gusto.

Es un típico-atípico shōnen nekketsu. Donde se vuelve a dar relieve a lo que importa es que "solo, no puedes; pero con tus amigos eres más fuerte"; hay batallas, violencia, competición. Pero al final son todos amigos o rivales camaradas. Y así son todos los anime de género nekketsu 熱血 (entusiasmo "hierve sangre"). Este tiene puntos originales, algunos viajes a escenarios interesantes, incluso sale la ISS, y tiene clave de comedia y toques de humor pero no le encuentro mucha coherencia y tiene el problema de querer mostrar demasiados personajes.

Hay una historia bien planteada pero creo que tiene excesivo relleno. Si la hubieran contado en 12 episodios para mí sería ideal. Una gran serie.

Si aún no la has visto y te sobra tiempo para ver anime, dale una oportunidad a la serie. Pero si no, quizás prefieras ver la película anime, el manga o sus live-action.

La fortaleza escondida - Kakushi toride no san akunin - 隠し砦の三悪人

La fortaleza escondida ( 隠し砦の三悪人 - Literalmente: Los tres villanos de la fortaleza oculta. ) es una película de acción real estrenada en Japón hoy hace 62 años, el 28 de diciembre de 1958; y fue la más fructífera de Akira Kurosawa hasta el estreno, unos años después, de Yojimbo.

Pude verla recientemente en Filmin con el reclamo de ser una influencia de Star Wars, reconocida por el propio George Lucas.

Creo que ese reclamo no defrauda; Cualquiera que aprecie los personajes de C3PO y R2-D2 en la famosa saga verá casi un calco en sus dos zopencos protagonistas que incrustan una nota de humor en una historia de aventura en el Japón de entre guerras, con héroes y princesas de por medio.

Acercándonos a la cultura japonesa, queda patente la cultura de una pareja de personajes "boke"(tontorrón) y "tsukkomi"(mordaz) del "manzai" clásico originario de Japón ya unos mil años atrás.

En lo que respecta a Star Wars, le encuentro (algo más que) similitudes no sólo en toda la estructura del guión, personajes y estilo cinematográfico. La música tiene también bastante similitud con la parte buena de la partitura de John Williams. E incluso aparecen cortinillas de transición que George Lucas usó de igual modo en sus películas de unos 20 años después.

No he visto muchas películas de Kurosawa, aparte de la famosa "Siete Samurais" que me pareció algo aburrida y anodina en su momento; pero cineastas como Steven Spielberg lograron cierta mirada de atención de la crítica al reconocer su influencia. Y el propio George Lucas, como Spielberg, también siguió de cerca la carrera del famoso realizador nipón hasta el punto de, como ya se ha dicho, tener en mente esta película cuando hacía su guión de Star Wars.

Insisto porque puede haber quién no se lo crea. Pero está escrito y reconocido por el propio Lucas en varios libros y entrevistas.

Otra de las pocas películas que he visto de Kurosawa es Rapsodia en Agosto (1991), película donde aparece Richard Gere haciendo de medio estadounidense-japonés que procede de Hawai. Con más de 80 años, Kurosawa hizo una historia menos teatral de lo que acostumbraba y me pareció una película entretenida e interesante. Pero viendo ahora La fortaleza escondida, mi opinión sobre sus películas se inclina a su favor. Y por supuesto trataré de pagar la deuda pendiente de ver sus otras películas más famosas algún día.

Con La fortaleza escondida, Kurosawa inauguró un formato de la productora TOHO que hacía el cine más panorámico. Lo que hoy día nos parece "cine-cine".

Su hilo conductor equilibra humor con una situación dura, una trama que engancha y donde van cambiando escenarios y apareciendo personajes de forma tan coral como lo que hoy día ya se considera un canon de guión como Star Wars, y unos personajes con cierto relieve y que se vuelven interesantes aun empezando desde el punto de vista de los menos importantes de la historia.

No hay que olvidar otro componente de Star Wars que son los combates con sable laser, y en una película ambientada en la era dorada, un tanto idealizada, de la casta samurai obviamente no faltan tampoco combates entre protagonistas. La película de Kurosawa tiene varias escenas rodadas con especialistas en kendo y arco, según indican los créditos.

Con tantas similitudes resulta chocante que algún productor japonés de la Toei, animado por el éxito de la space-opera de Lucas, quiso hacer una producción equiparable; tanto en medios como en similitudes que fue un fracaso casi estrepitoso de taquilla.

Los invasores del espacio - Message from space: Galactic Wars - Uchū kara no messēji (1978) ( Más sobre el tema en este artículo de Unseen Japan (english) )

Y a nadie se le ocurrió hacer un remake de esta película de Kurosawa hasta que llegó en 2008 Shinji Higuchi. Mismo director que posteriormente hiciera los live-action de Shingeki No Kyojin, y codirigiera Shin-Godzilla junto Hideaki Anno.

El hundimiento de Japón 2020 ・ Nihon chinbotsu 2020 ・ 日本沈没２０２０

(Esta reseña se escribió el 25 de diciembre para completar los meses incompletos del blog en 2020)

El hundimiento de Japón es una serie anime de diez episodios disponible en Netflix.

Está basada en una vieja novela de éxito que ha sido adaptada a manga en varias ocasiones y también existe una vieja película de acción real del más puro estilo de catástrofes.

Este anime de Masaaki Yuasa y su estudio Science SARU puede parecer un poco crudo cuando empieza a morir más gente que en una novela de George R. R. Martín pero tiene algo más que eso.

Masaaki no se anda con contemplaciones como puede notarse en la, también disponible en Netflix, adaptación que hizo de Devilman Crybaby; un anime para adultos con escenas de sexo y violencia sin subterfugios.

En Nihon Chinbotsu 2020 encontraremos algunas escenas violentas pero si la miramos desde una óptica de la ficción existente no son más que un reflejo de otras obras populares a las que no se ha juzgado por eso mismo. Y tampoco es que se pueda prescindir de ese ingrediente en una historia así. Se ha adaptado a los tiempos que corren hoy día pero el fuerte de este tipo de historia es ver pasar por dificultades a los personajes e intentar superarlas. Da igual que lo logren o no.

El realizador es un genio de la animación con ya una larga carrera y ofrece un story-telling flexible en estilos, con más de una forma de contar historias.

No se limita a contar siempre lo mismo, ni de la misma manera. Busca el estilo que cree oportuno para cada obra. Por tanto no estamos ante el más ecléctico de los animadores. No es alguien que busca ser original pero sin pasarse. Busca ser original y si hay que pasarse se pasa. Eso es arte también. Provocar emociones de sorpresa al espectador e ir a su aire.

En este sentido este anime tiene un aire de películas de diversos géneros y parece alimentarse de películas del siglo XX y la actualidad sin tomarse totalmente en serio a sí misma.

La historia sigue a Ayumu Mutō una estudiante de instituto con talento para los deportes cuya vida da un vuelco al encontrarse de pronto ante un cataclismo de grandes proporciones donde, tras una serie de extraños terremotos, el país parece que empieza a hundirse y hay predicciones de que llegará a hundirse por completo antes de que puedan huír tras reunirse con su familia y otros vecinos.

En su huida, se encontrará con un youtuber, un científico, un clown, o un viejo tendero con escopeta, y una secta donde todo parece muy loco.

Me gustó especialmente el rap que improvisan los personajes del episodio 9 y el final donde se ve el Japón del "pasado", el que los protagonistas dejaron atrás. Con muchos lugares de interés típicos para los turistas del "peregrinaje anime".

El opening es una maravilla. Una música y dibujos tranquilos del mundo feliz que queda atrás. Que contrasta con las situaciones horribles que poco a poco también van quedando atrás pero que sin ellas lo bueno de la vida(o de la historia) no se valoraría tanto. También la banda sonora y los créditos de algún episodio del final me parecen buenísimos. Especialmente me gustó el tema "Attack of legends" con que se cierra el episodio 6 (y he añadido a la playlist del blog). Creo que cualquier aficionado a las BSOs lo apreciará también.

De los créditos del último episodio abruma ver la cantidad de gente que ha participado haciendo esta serie. Es una gran producción y el esfuerzo que hay detrás se debe tener en cuenta. Aunque no sea del gusto de todo el mundo por el género que toca pero, al menos a mí, me ha gustado más que Devilman Crybaby y otros de sus anime.

Si tuviera que hacer un ranking, de lo que he visto hasta ahora de Yuasa, sería:

1º Eizōken ni wa te wo dasu na

2º Night is short, walk on girl

3º Mind Game

4º Nihon chinbotsu 2020

5º Kimi to, nami ni noretara 

6º Lū over the wall

7º Devilman Crybaby

Y peligra el segundo o primer puesto con el estreno de su próxima película el año que viene con Inu-Oh. Qué pinta va a ser una deliciosa obra de arte muy musical y sobre todo visual.

Harmony

(Esta reseña se escribió el 25 de diciembre de 2020; tratando de llenar los huecos que le faltan al blog para este año 2020).

Harmony (2015) es la última película de Project Itoh.

Una saga que llevó al cine en forma de anime con diferentes estudios de animación las novelas del joven escritor con dicho seudónimo(Project Itoh - 伊藤計劃 - Itō Keikaku), como homenaje póstumo. Que falleció en 2009 a los 34 años.

Sus novelas distópicas han tenido cierto éxito en Japón y sólo faltaba reseñar en el blog este título tras comentar El imperio de los cadáveres (2014) y Genocidal Organ (2010)

Harmony muestra un mundo en el que los países asociados a la OMS (Organización Mundail de la Salud - WHO, en inglés.) viven en un sistema que "obliga" a la gente a ser feliz, sin ninguna preocupación; y donde morirse ya es problema del pasado.

Un día, la agente Kirie de operaciones especiales de la OMS, tras ser descubierta en un comportamiento reprobable en una misión de vigilancia en paises de fuera del sistema es enviada a su país por unos días como acción disciplinaria, allí conmplará el comienzo de una oleada de suicidios. Al parecer esa conducta es inducida por una entidad terrorista que amenaza con un terrible chantaje a la sociedad inmortal. Kirie comienza una investigación por su cuenta en busca de más información sobre una antigua amiga que puede estar relacionada con el caso y trata de averiguar la motivación de sus actos. Mientras lucha contra sus propios pensamientos suicidas.

La animación está llevada a cabo por Studio 4ºC y co-dirigida por Michael Arias y, un veterano de la animación, Takashi Nakamura.

Como las otras dos películas los créditos están acompañados por una canción final de EGOIST, duo formado por el prolífico músico RYO del grupo supercell y la vocalista Chelly.

La película tiene acción y algunos momentos violentos, sin llegar al nivel de Genocidal Organ, y tecnologías futuristas. Pero es ante todo una mirada introspectiva ante dilemas morales y la libertad personal limitada por otros.

En mi opinión se puede ver. Pero no es de las que vería más de una vez. Aún siendo de uno de mis estudios de animación preferidos ni aún sabiendo también que su banda sonora está hecha por Yoshihiro Ike, quien también compuso entre otras la de la serie Ergo Proxy. Pero un conjunto de grandes talentos juntos no siempre da una obra cohesionada de valor multiplicado.

El imperio de los cadáveres - Shisha no teikoku - 屍者の帝国

 (Esta reseña se ha escrito el 4 de noviembre de 2020. Aprovechando el Festival de anime del Salón del Manga de Barcelona 2020 Limited Edition)

Esta película, también conocida como The empire of corpses, es parte de una serie de adaptaciones como Genocidal Organ o Harmony de Proyecto Itoh. Seudónimo de un novelista fallecido en 2009 que con 34 años ya tenía tras de sí cierta relevancia como escritor de novelas de ciencia ficción. Íntimo colaborador del creador de vídeojuegos Hideo Kojima que escribió también alguna novela para la saga Metal Gear Solid.

El imperio de los cadáveres se publicó como novela en 2012 póstumamente, en colaboración con EnjoeToh; alias de otro novelista de ciencia ficción.

El anime ha sido realizado por Wit studio, famosos por Shingeki no kyojin.
Y, como otras de la misma saga de Proyecto Itoh, cuenta con música de créditos finales de ryo(supercell), famoso compositor Vocaloid que colabora con la cantante Chelly bajo el nombre de grupo "EGOIST" desde que hicieran música juntos para el anime de seis episodios Guilty Crown.

La historia se centra en John Watson, un joven científico que experimenta sin permiso con la tecnología de reanimación de cadáveres en un mundo donde el doctor Frankenstein dejó un legado que tiempo después se quiso aprovechar según los intereses de la gente, directivos, militares y gente con retorcidas ambiciones.

En su aventura se unirá a otros compañeros que complementan sus carencias para viajar desde el Londres de finales del siglo XIX hasta Afganistan; Conduciendo la historia por otros escenarios como Japón o EEUU en busca del legado prohibido del único hombre que logró reanimar un muerto capaz de hablar.

El estilo del film tiene toques steampunk y muchísimas referencias a la literatura clásica de aventuras aparte del Frankenstein de Mary Shelley.

Me gustó especialmente su secuencia elaborada(narración de varias escenas sin diálogos en una secuencia seguida resumida) con muy buena banda sonora musical y, aunque la historia puede resultar algo confusa para algunos, pues su director es un animador con algo menos de experiencia en la dirección, creo que su estructura es un "viaje de Ulises" sencillo de entender. Con su salida del hogar y vuelta al comienzo. Con algunos detalles más durante los créditos(¡Mira que le gusta a Wit Studio meter cosas durante los créditos!) y alguna escena-guiño post-créditos adicional.

A mí me ha resultado entretenida, emocionante y llena de detalles que merece la pena ver. Más de lo que esperaba.

Penguin Highway

(Disculpen que vamos algo retrasados en fechas de publicación de reseñas en el blog por los trastornos coronavíricos)

Este anime de 2018 fue licenciado en España por Jonu Media, según se anunció en primavera de 2020. Esperemos que se edite finalmente. (...)

Está basado en una novela del mismo título de 2010.

Penguin Highway es el primer largometraje de Studio Colorido. Un estudio fundado en 2011 con la intención de promover trabajos de jóvenes creadores de la animación.

La historia transcurre en un pueblo donde Aoyama, un chico de primaria con cabeza despierta que apunta todo lo que aprende, anda enamorado de una chica mayor; y de los pechos. Cosas de la edad. Aunque sólo tiene unos 10 años.

Aoyama se encuentra con la señorita que trabaja en una clínica dental y descubren que ella tiene una extraña facultad que parece provocar extraños acontecimentos al tiempo que aparecen pingüinos de la nada por los alrededores.

Aoyama acepta el encargo de investigar lo que sucede por el método científico.

Con ayuda de algunos amigos y otra niña lista de su clase que parece entrometerse.

La historia es toda una aventura visual muy coral, con emociones, acción, humor y fantasía.

Es una pena que la distribución se retrase en España, porque no tiene nada que envidiar a otras películas de anime de éxito como las últimas de Makoto Shinkai o Summer Wars de Hosoda.

 

 

Dorohedoro / ドロヘドロ

¿Qué pasa si mezclas un caimán, una cucaracha con deportivas, setas, una cocinera repartiendo golpes, magos, zombis, fetichismo por las máscaras, sangre, gore, historias de terror, absurdo y humor bizarro con una potente banda sonora de Hip Hop electrónico a cargo del joven grupo (K)NoW_NAME?

Pues que te sale:

 

Dorohedoro / ドロヘドロ quizás el anime más fresco de la temporada pasada de invierno, que se puede ver ahora en plataformas como Netflix. Basado en el manga homónimo de Q Hayashida del 2000 a 2018, ha sido llevado al anime de forma magistral por Yuichirō Hayashi. Con un potente estilo visual, gracias en parte a los nuevos efectos CGI, creados por el estudio MAPPA, que quizás no gusten a los más clasistas... Pero que han logrado presentar un anime tan fresco como diferente.

El argumento quizás es lo de menos, un caimán amnésico que ha perdido la memoria, y que es ayudado por una cocinera de gyozas, Nikaidō, que le ayudará a descubrir a golpe de machetazo, qué mago lo dejo así. En un mundo distópico en el que están separados humanos y magos, los humanos viven en un agujero o pozo llamado the Hole, al cuál acceden magos a través de portales para poder experimentar con ellos.

Nada más que añadir, señoría... Sólo mi recomendación a que la veáis, si el gore y el absurdo no os asusta.

Kimi to, nami ni noretara / 君と、波に乗れたら / Ride your wave

Masaaki Yuasa, que ya debería sonar a los aficionados dado que no para de dirigir buenas dosis de anime en estos últimos años, ha dirigido esta película estrenada en Japón en 2019.

"Kimi to, nami ni noretara" (literalmente: Si montara sobre una ola contigo) nos habla de una chica a la que le gusta hacer surf y un bombero del barrio donde se muda la chica; que rápidamente se enamoran uno del otro. Se enamoran a un nivel tan empalagoso que los diabéticos deberían evitar las escenas centrales del noviazgo. Aunque son bastante divertidas.

La historia se complica cuando el chico tiene un accidente y la chica sólo puede invocarlo allí donde haya agua cantando su canción y cuando ella está en apuros.

Hay más interesantes personajes que acompañan a los protagonistas y nos ayudan a conocerlos mejor hasta contar una historia de una pareja feliz con un héroe en su interior.

La distribuidora española decidió estrenar la película en cines el día de San Valentín de 2020. Así queda claro que es una película para gente muy romántica.

Pero también con sentido del humor y sensibilidad.

Ganó también el premio a mejor película de animación en Shanghai International Film Festival, y en el festival de cine de Sitges 2019. Y el premio "Satoshi Kon" en el Fantasia Film Festival de Montreal.

Yakusoku no neverland / 約束のネバーランド / The promised neverland

Esta serie estrenada en enero de 2019 se basa en el manga de la Jump de Kaiu Shirai (en el guión) y Posuka Demizu(al dibujo) que sigue en publicación desde 2016. Puede leerse cada semana un nuevo capítulo en la app oficial de la Jump "Manga plus". Además se publica en España por Norma editorial.

El anime no sólo tiene un dibujo y puesta en escena moderno y detallado sino que la historia te atrapa desde el primer episodio, y no te deja soltarlo hasta que acaba la temporada en el episodio 12.

Los protagonistas se preguntan qué habrá más allá del orfanato en el que viven confinados; y por qué los niños que fueron adoptados no se han vuelto a comunicar con ellos. Conforme averiguan cosas deciden pasar a la acción cuando descubren que nada es lo que parecía ser.

Es una historia de misterio y suspense con personajes carismáticos y llenos de inteligencia deductiva, que parece seguir la ola que levantaron series como Death Note o Shingeki No Kyojin. A mitad de camino entre la historia de fantasía y el puro suspense detectivesco donde hay que averiguar qué es lo que se oculta al espectador y cómo resolveran problemas de muy difícil solución para pequeños huérfanos que cada día evaluan sus habilidades como niños superdotados.

La música del opening está realmente bien y transmite la energía necesaria para ver la serie sin indiferencia. La lleva a cabo UVERworld que, si no los conoces, son míticos por haber participado también en openings o endings de Bleach, Blood+, Ao no exorcist, Gundam 00, o Nanatsu no taizai (The seven deadly sins).

El ending de Cö shu Nie también es interesante y me recuerda el estilo de las últimas canciones de Ryo de supercell o a cierto ending del anime Kakegurui.

Lo mejor y a la vez lo peor de la serie, según se mire, es que todos los episodios acaban en "cliffhanger"; al estilo de LOST(Perdidos). Como si una serie tan corta necesitase desesperadamente que el espectador se muera de ganas por ver el siguiente episodio, o se acaba el mundo.

Carole & Tuesday

Con Shin'ichirō Watanabe al timón como director general de su último anime producido por los estudios Bones,  Carole & Tuesday ha sido un gran éxito de la temporada de primavera y verano de 2019 en Japón.

La serie habla de las dos chicas que dan nombre a la serie; procedentes de mundos opuestos que coinciden en una próspera ciudad de Marte, de un futuro próximo, donde deciden iniciar juntas una carrera para abrirse camino en el mundo musical.

Gus, un agente venido a menos tratará de ayudarles junto con Roddy quien las descubre en un ensayo en plan "guerrilla" infiltrándose en un auditorio sin permiso.

También conoceremos a Ángela una joven modelo de la misma edad que Carole y Tuesday pero que ya cuenta con la supuesta ventaja de la fama.

La trama no se queda en una simple competición entre Ángela y las chicas.

Cada episodio es una celebración de la música en mayúsculas. Con un largo desfile de personajes que recuerdan a grandes artistas del pop, rock, o hip-hop que existieron o existen en nuestro planeta.

Como pasase en Cowboy Bebop, cada episodio tiene el título de una canción. Pero a diferencia de la vieja serie, donde las canciones eran originales de Yōko Kanno, los títulos de ésta son de canciones ya existentes de artistas conocidos que inspiran o tienen alguna relación con los hechos del capítulo.

Cada episodio tiene además temas musicales geniales que se han recopilado en dos álbumes de la serie. Y varios conciertos ya ofrecidos, y pendientes de ofrecer el año que viene, por las talentosas chicas de carne y hueso que cantan las canciones, e incluso han posado para dibujar mejor sus movimientos al interpretar la música.

El futuro mostrado de Marte se parece mucho a nuestra presente Tierra. Tanto en temas políticos, que chocan siempre con la libertad de expresión que defienden los artistas; como en la misma urbanización y forma de ser de distintas ciudades.

La escenografía es la segunda maravilla de la serie; después de la música.

Además de artilugios futuristas vemos edificios parecidos a Nueva York, grandes puertos comerciales asiáticos, o ciudades favela brasileñas. Un poco de todo, conformando la ciudad de Alba city; Parte que Watanabe encargó a dos artistas franceses artífices de "Studio No Border" afincados en Japón que han colaborado con Bones.

Sólo con leer Shin'ichirō Watanabe, si aún no has visto la serie ya tendrías que ir corriendo a buscarla sin dudarlo.

Su curriculum incluye títulos tan famosos como Zankyō no terror, Blade Runner Blackout 2022, Sakamichi no apollon(Kids on the slope), otra serie con la música como protagonista; o Samurai Champloo.

Carole & Tuesday se distribuye por Netflix. En España, por ahora, sólo los 12 primeros episodios.

Dororo (2019)

Osamu Tezuka es conocido como "dios del manga" pero fue también padre del anime moderno tal y como lo conocemos.

Como conmemoración de los 50 años desde que la productora de Tezuka, Mushi Productions, estrenase su serie "Dororo"(1969) adaptando el manga de Tezuka de 1967, "Dororo to Hyakkimaru", el estudio Mappa ha hecho un gran trabajo de adaptación. Con la diferencia fundamental de que el original fue realizado en blanco y negro para abaratar costes.

Tanto la serie clásica como la de 2019 son gratamente disfrutables aunque, como es natural, la nueva serie tiene toques más modernos y se permite el lujo de contar con distintos directores que le aportan un estilo diferente en ocasiones. Algo que a veces le resta consistencia al conjunto del anime. Especialmente, hay bastante consenso entre los aficionados de que el episodio 15, firmado por el director Osamu Kobayashi, desentona con el resto de la serie.

Dororo es un personaje callejero que aún no ha superado la niñez y sobrevive sin sus padres entre rateros en mitad del Japón de estados en guerra hasta que se topa con Hyakkimaru; un ser desprovisto de prácticamente todas las partes de su cuerpo, que carece de vista, oído y demás sentidos pero compensa con una visión sobrenatural ante el "aura" de los seres vivos y unas espadas camufladas en el lugar de sus brazos protésicos.

Dororo y Hyakkimaru inician un camino juntos enfrentándose a demonios que poseen las partes que robaron a Hyakkimaru cuando nació; y devolviéndoselas cuando son derrotados. Siendo huérfanos o abandonados por sus padres, ambos personajes conectan pronto y se complementan llegando a depender Hyakkimaru, alguien capaz de matar un enorme demonio, más de Dororo que Dororo de Hyakkimaru.

Es un anime de época, lleno de acción y seres sobrenaturales en medio de la cruel era Sengoku. Pese a todo tiene un toque natural de humor mezclado con filosofía y dramatismo. Es un anime muy recomendable por su valor estético y personajes interesantes.

Destacan el tema musical del opening de la banda J-Rock Queen Bee, 火炎 "Kaen"; y el tema del ending de la banda J-Rock Amazarashi, "Sayonara Gokko". Que son un gran envoltorio para los 24 minutos de la primera mitad de sus 24 episodios.

Amazon Primevideo ha ofrecido el anime prácticamente en simulcast. Con un nuevo episodio cada semana desde principios de 2019 hasta que se concluyó su emisión en Japón.

One Punch Man

La primera temporada del anime fue realizada por el estudio Madhouse y emitida en Japón en la temporada de otoño de 2015.

Saitama es un hombre que ha logrado una fuerza sobrehumana a base de mucho entrenar, quedándose calvo en el proceso.

Se ha hecho tan fuerte que cualquier villano que se ha puesto en su camino sólo le ha durado un puñetazo. Lo cual hace que su vida se haya vuelto tediosa y aburrida.

El autor del web-cómic original se hace llamar ONE y es también responsable de otra obra con personaje con poderes sobrenaturales, MOB-100 Psycho. Ambas muy populares.

Aunque puede ser que el humor tontorrón y absurdo no cale al principio; esa parte es quizás la más original y divertida de la serie. Aunque, al margen de procurar mostrar la situación cada vez más absurda posible, la serie tiene una línea argumental y desarrolla varios personajes que se van conociendo poco a poco.

En 2019 se inició una segunda temporada por parte de un estudio de animación diferente (J.C. Staff) y parece que el cambio afectó al estilo de su dibujo y algún fan del anime va de camino de quedarse como Saitama, de tanto tirarse de los pelos.

Aún no he visto la segunda temporada, pero la primera no está mal; como cabe esperar del estudio que la produce. Y vale para pasar algún rato divertido.

Made in Abyss - メイドインアビス

Esta serie se emitió en Japón entre julio y septiembre de 2017 en la temporada de anime de verano.

Adapta un seinen manga con, hasta la fecha, 8 tomos publicados.

El anime tiene 13 episodios, siendo el último algo más largo de lo habitual, pasando de unos 23 minutos de duración a un capítulo final de unos 47 minutos.

Además las cerca de 5 horas y media de serie han sido sintetizadas y readaptadas en enero de 2019 para estrenarse en cines japoneses en forma de dos películas.

Y se espera una continuación de la serie en forma de tercera película para enero de 2020.

Me ha gustado mucho y la recomiendo a casi cualquier tipo de público salvo a los más pequeños que podrían asustarse. Salvo que sean suficientemente maduros para comprender una historia de fantasía oscura con criaturas que devoran gente, educación espartana, amputaciones, eutanasia, gags sexuales y serias situaciones incluso escatológicas que suceden igual en la vida real.

La serie está contada como un cuento para adultos, o quizás tal vez como un prólogo del cuento final. Hace disfrutar un poco de la fantasía e incrementa el apetito por ir cada vez más allá y explorar lo extraño y desconocido.

Es una serie que inculca esa filosofía del explorador "Antes muerto que sin metas."

La música, dibujo, y escenarios están verdaderamente cuidados. Y el mundo presentado cobra tanto protagonismo, o más, que los personajes en sí.

El estudio que ha hecho la serie es Kinema Citrus, escisión de miembros de Production I.G. y los estudios BONES. Que también fueron responsables de series como Tokyo Magnitude 8.0.

Los personajes principales son Riko y Reg. Riko es una niña que vive en un horfanato ubicado en Orth, una ciudad de exploradores en torno a una profunda fosa abisal. Llamado simplemente Abismo. Con miles de metros de profundidad, cada capa guarda distintos tipos de criaturas y ecosistemas por explorar, y mayor dificultad para que los exploradores sobrevivan si intentan regresar.

Riko sólo quiere llegar a convertirse en exploradora de primera categoría, los llamados Silbatos blancos. Para ir quizás tras los pasos de su madre desaparecida cuando ella era pequeña.

Reg es el nombre que pone Riko a un extraño robot con forma de niño y brazos robóticos que aparece con amnesia en las primeras capas del abismo cuando los jóvenes del orfanato exploran las proximidades en busca de artefactos y extrañas reliquias que se cree llevan mucho tiempo en el Abismo; y es motivo por el que los exploradores arriesgan su vida para comerciar con ellos.

La serie es un viaje por todo el Abismo. Y avanza muy deprisa hasta el último episodio, tras el cuál una secuencia elaborada nos muestra los pasos de los protagonistas para continuar su aventura. Contiene mucha acción, sonrisas y lágrimas. No es una serie aburrida, ni, con tan pocos episodios, se pueden tomar el lujo de meter capítulos "de relleno".

Deja buen sabor de boca y ganas de ver la próxima película, o leer el manga bien sea en japonés, u otros idiomas en los que ha sido publicado, como el editado en España por Ivrea.

Ninja Batman

Esta película, distribuída por Warner Bros a nivel mundial y disponible en Netflix, está realizada por los estudios Kamikaze Douga que son conocidos por algunas series de Jojo o el anime Poputepipikku.

Es un largometraje anime que presenta al héroe de capa de murciélago famoso de DC comics en una atípica situación donde retrocede en el tiempo para enfrentarse una vez más al Joker y a señores daimyo, que han sido reemplazados por otros archienemigos de la franquicia fugados de Arkham, en el Japón feudal de entre guerras.

La realización y ritmo es bastante buena con una historia medianamente compleja y multitud de personajes del mundo de Batman y de las leyendas del Japón del período "sengoku".

Es una película con mucha acción y bastante fantasía. Agudizando el ingenio para lograr los sofisticados artilugios del héroe enmascarado pero apenas con los medios disponibles 5 o 6 siglos atrás, dándole algo más que un toque steampunk a la película.

La película es original al cambiar su escenario habitual de Gotham por el antiguo Japón mezclando dos cosas que no existen en la realidad como Batman y los ninja. Jeje. Pero funciona y entrentiene.

No es la primera película anime de Batman que se estrena pero sí la primera realizada integramente por estos estudios a modo de película guionizada sin episodios sueltos.

Hataraku Saibō 『はたらく細胞』Cells at work

Esta serie anime empezó con fuerza este verano y se hizo muy popular en poco tiempo. No sólo en Japón sino por todo el mundo.

La serie es tan famosa que recientemente, desde el pasado 16 de noviembre, se ha estrenado una película de acción-real en cines japoneses basada en la obra. Y, como si no tuvieran bastante anime para emitir en las televisiones japonesas, tan sólo un mes después de concluirlo lo han vuelto a re-emitir en cadenas como Tokyo-MX.

Hataraku saibō(celulas que trabajan) muestra el cuerpo humano desde dentro de un modo muy similar a "Erase una vez la vida", serie educativa de origen francés de co-producción europea y otros países como Canadá, Suiza, España y, por supuesto Japón (que ha liderado la producción de series de animación desde hace mucho tiempo) que recordarán de los años 80s los más curtidos del lugar.

Hataraku saibō está basada en un manga orientado a público shōnen de la autora Akane Shimizu. Su fama ya es tan grande que cuenta con varios spin-off del manga en otros estilos, incluyendo manga para público shōjo y un manga seinen titulado "Hataraku saibō Black" que comentaré después.

La premisa de unos personajes antropomórficos que hacen de células, o determinados actantes de nuestro organismo, no es nueva. Pero sí lo es hacer una serie con mucha gracia, al mismo tiempo que afán de entretener y misma cantidad de rigor mientras enseña características de la biología del cuerpo humano con sus alrededor de 37 billones de células por humano adulto medio.

La trama cuenta con una protagonista, la eritrocito o hematíe novata con mal sentido de la orientación que acaba de empezar su trabajo como mensajera, un leucocito que se toma muy en serio su trabajo de avanzada en el sistema inmune, y las plaquetitas, otro grupo de células pequeñas y, como tales, en la serie tienen forma de simpáticos niños, de gran ayuda para el sistema inmunitario. Y varias células más que se van presentando poco a poco en un entramado urbanizado como una ciudad con sus calles señalizadas como 動脈 arterias, 静脈 venas, 肺 pulmones, etc. Y la importancia fundamental que tienen las células en el argumento de la serie; y buen funcionamiento de nuestro propio cuerpo.

Se muestran de forma muy entretenida los problemas que provocan virus y bacterias e incluso alergias al polen, larvas de anisakis e incluso el cáncer. Al mismo tiempo que se muestra el modo de actuar y procedencia de células sin las cuales realmente no podríamos vivir.

El anime tiene buenas dosis de acción, humor y metáforas con toque cultural japonés, donde el corazón es representado con toques de taiko y puertas torii por doquier. Mientras que un estornudo se representa con el lanzamiento de un cohete al exterior.

Esta serie hace que la biología se vuelva interesante. Y puede que sea causa de que nuevos médicos o biólogos empiecen su carrera con esta fantástica introducción. Que incluso a alguien a quien la hemoglobina y la sangre real le provoca cierta aversión puede gustarle y aprender cosas nuevas. Porque ciertos datos entran mejor con una sonrisa que a golpe de hincar los codos delante de un libro inanimado.

La música del opening es genial. Muy enérgica. El ending está cantado por el duo ClariS, aunque desde 2014 una de sus integrantes fue sustituida. Por lo tanto ya no son Clara y Alice (seudónimos) sino Clara y Karen.

La serie sólo tiene por ahora 13 episodios y deja con ganas de seguir viendo a los glóbulos rojos y demás vecinos hacer su trabajo.

El manga está siendo publicado también en inglés, y no me extrañaría verlo pronto también en librerías españolas. Aunque es más improbable que nos llegue el título seinen "Hataraku Saibō - Cells at work - BLACK", donde se muestra un cuerpo en peores condiciones con otras células protagonistas, esta vez con los roles invertidos de la estricta glóbulo blanco y un debilucho eritrocito que se enfrentan a situaciones límite. Aunque en los episodios del anime también se muestran situaciones complicadas para la supervivencia si no fuera porque al contrario que en "black" el sistema inmune suele estar fuerte y bien alimentado.

Es posible encontrar en Youtube, y otras plataformas, información y comparaciones de la serie con datos reales que identifican las distintas células-personaje con sus dimensiones reales o esperanza de vida. Hay incluso algún médico occidental que ha hecho vídeo-comentarios de varios episodios explicando lo acertados que son al respecto con la vida real.

Mary y la flor de la bruja『メアリと魔女の花』(Mary and the witch's flower)

La esperadísima primera película del Studio Ponoc se ha estrenado finalmente en España, dirigida por Hiromasa Yonebayashi. ¿Será posible hacer una reseña de esta película sin pronunciar ni una sóla vez la palabra "Ghibli"? (ups) Voy a intentarlo.

Studio Ponoc es un estudio de nueva creación pero sus integrantes no son en absoluto unos novatos. Empezando por el director de la película que ya tuvo un estreno de fuego siendo el director en "cierto estudio" que más joven se ponía a las riendas de un proyecto de largometraje y que además cosechó tanto éxito; y todo el mundo calificó enseguida como sucesor de Miyazaki. (¿cuantos posibles sucesores tiene ya?)

Nadie será, para bien o para mal, sucesor del estilo y personalidad del genio ex-re-re-jubilado. Pero si alguien tenía dudas, con "Mary y la flor de la bruja" se confirma que Hiromasa Yonebayashi puede llegar a ser practicamente como su maestro.

No hace falta un clon de un artista particular teniendo al original.

Personalmente prefiero la visión que mezcla realidad y fantasía que aporta Yonebayashi en sus tres películas dirigidas hasta la fecha. Cuatro, si contamos el reciente cortometraje "Kanini to kanino" que estrenó Studio Ponoc este verano en Japón como parte de la película "Chīsana eiyū: Kani to tamago to tōmei ningen"(Modest Heroes) que consistió en tres cortometrajes de tres directores del estudio, a falta del cuarto director Isao Takahata que lamentablemente falleció en abril antes de realizar su proyecto.

"Mary y la flor de la bruja" es una película para niños, aunque no es una etiqueta comercial para ganar más audiencia. Realmente se puede decir así. Pero no significa que los mayores no vayamos a disfrutar mucho más que ellos una película donde no se tratan temas excesivamente complicados salvo por exigencia del guión. Sin filosofía profunda, ni extremada violencia. No obstante, podría rivalizar en alguna escena de acción con la película de "cierto estudio" -La princesa mononoke-. Los guiños a trabajos anteriores de "cierto estudio" son también continuados. La de "Chihiro" está también presente en el diseño de algún personaje y también hay una pequeña porción de su fantasía desbordante.

Lamento no haber visto todavía "El castillo ambulante" pues me ha parecido que también había algún guiño a ella.

Se pueden notar también guiños, evidentemente a Kiki's delivery service, y a Ponyo.

La historia nos cuenta cómo Mary, una niña que pasa unos días con su abuela, encuentra una extraña flor en el bosque que parece aportar poderes mágicos y una escoba voladora que le conducen a la Universidad de Endor(no, no hay ewoks); donde grandes brujas han estudiado y Mary parece estar dotada para formar parte de ella y ser la mejor de las mejores pero en esta universidad sólo hay una norma importante por encima de todas las demás: -No se aceptan impostores o serán transformados en otra cosa.

Sin entrar en detalles, antes de verla podría decirse que estamos ante un "Viaje de Chihiro conoce a Harry Potter"; Pero realmente no es algo tan complejo. Es una historia más simple con varios conflictos y solución final. Lo importante es cómo se muestran.

Aún con ciertas carencias en la parte de la trama argumental del guión se nota que se han trabajado mucho los personajes y tienen una profundidad que sobresale más allá de la pantalla.

El film cuenta con música compuesta por Takatsugu Muramatsu. Se hace algo extraño no ver a Hisaishi como compositor. Pero la banda sonora es realmente cautivadora. Aunque se echa de menos en ocasiones; supongo que para equilibrar ritmo y estructura, y que no canse durante los casi 100 minutos que dura el metraje.

El compositor Muramatsu es ya habitual en las películas de Yonebayashi, como en Arrietty y Marnie, y ha sido autor también de la banda sonora de Lu over the wall.

Es más una película con sucesión de acciones en cadena que un viaje emocional a la madurez como Chihiro o una película cualquiera de magos que compiten y se efrentan a terribles enemigos. Es, por tanto, una película muy agradable de ver. Para dejar de pensar un rato y disfrutarla sin más.

Se disfruta mucho porque en la parte visual derrochan toda la imaginería de la que siempre hizo gala "cierto estudio" y demuestran que Studio Ponoc es "cierto estudio", y goza de buena salud.

Bravo, Hiromasa.