El autor de Mazinger Z, Go Nagai es autor de este famoso manga llamado Devilman que desde los años 70 ha contado con multiples continuaciones, series anime, novela e incluso una película "crossover" donde Mazinger Z y Devilman luchan contra el Doctor Infierno. Mientras Go Nagai sigue haciendo viñetas del personaje manga.
Este año la nueva productora de Masaaki Yuuasa, Science SARU lanzó una nueva serie sobre Devilman contada en 10 episodios ONA que, en España y otros países, fueron distribuidos por Netflix en enero. Además, si esta nueva serie supiera a poco, en Netflix también puede verse otra serie de 3 OVA que junta, en otro "crossover", a dos mangakas: Shōtarō Ishinomori y Go Nagai con "Cyborg 009 vs Devilman".
Si Mazinger Z era una serie juvenil de aventuras y acción. En Devilman tenemos el lado oscuro, lleno de sexo y violencia a borbotones, de Go Nagai. Y la libertad desbocada de Masaaki a la hora de hacer animación.
Akira Fudō es requerido por su amigo de la infancia, Ryō Asuka, para que le ayude a desvelar una investigación que lleva entre manos y termina afectando al propio Akira. Akira y Ryō comienzan una larga batalla contra demonios, aunque Ryō tiene sus propias ideas sobre cómo deben ser combatidos. Para ello un hombre tiene que convertirse en demonio. Un demonio-hombre. Devilman.
No es una serie fácil de digerir pero merece la pena hacer el esfuerzo por ver sus diez episodios para tener un poco más claro que la animación japonesa puede ser cruel y dura, sin contemplaciones. Una serie que tiene acción y estrambóticos demonios más malos que la quina.
A destacar, la animación de cabecera que curiosamente está dirigida por artistas españoles afincados en Japón que trabajan en el estudio de Masaaki; Juanma Laguna y Abel Góngora.
La secuela de película de culto "Blade Runner 2049" contó con dos cortometrajes de acción real de seis minutos de duración, a modo de prólogo, titulados "2036: Nexus Dawn" y "2048: Nowhere to run".
Como sucediera con la secuela de Matrix, además de esos dos cortometrajes se encargó a la maquinaria de anime japonés que realizara este anime de quince minutos de duración. Sin reparar en gastos. Para lo cual contrataron ni más ni menos que a Shin'ichirō Watanabe, director de Cowboy Bebop y Zankyō no Terror.
Hay alguna similitud con alguna de las obras de Watanabe en estilo e incluso desenlace pero es mejor no hacer comparaciones.
Se puede decir que pinta muy bien como aperitivo de la nueva secuela, más de 30 años después de la primera versión (de nosecuantas versiones que hicieron productores y el director Ridley Scott para exprimir la gallina de los huevos de oro), y hace revivir el ambiente de ese futuro distópico que creaba la primera película y sigue encajando muy bien, visto hoy día.
En esta ocasión, tres años después de los hechos que acontecen en "Blade Runner", se nos muestra a dos replicantes, robots de aspecto humanoide, colaborando en una difícil misión para eludir el control de hordas de humanos supremacistas que desean su exterminio. Mientras, alternando con flashbacks, vemos de donde proceden los replicantes y aquello que el Nexus 6 de la película de 1982 contaba al terminar: "-He visto batallas más allá de Orión...-" y se explican razones de la rebelión.
Es mucho argumento, una gran imaginería y una atmósfera que evoca la película original a cada frame. Al mismo tiempo que hace de puente para enlazar con lo que será la secuela. Son muchas cosas que se muestran en tan sólo 15 minutos pero es un anime que merece la pena ver y magistralmente dirigido como cabía esperar de semejante director de anime.
La música es obra de un californiano apodado Flying Lotus que emula muy bien aquellos riffeos y acordes electrónicos con los que inundó Vangelis la película original.
Es imprescindible, sobre todo, si se es fan de la ciencia ficción distópica y se ha visto la primera película con intención de ver Blade Runner 2049 para tener las ideas más claras sobre qué pasó desde 2019 hasta 30 años después.
El pasado mes de enero de 2018 se pudo ver en simulcast por Crunchyroll la serie de 12 episodios, o 24 (no lo tengo claro),Pop Team Epic. O, para abreviar, Poputepipikku. 『ポプテピピック』
Anime basado en el popular yon-koma(tira de 4 viñetas) del mismo nombre, con dos protagonistas llamadas Popuko y Pipimi.
El humor absurdo traspasa las fronteras de la ficción para volverse prácticamente una parodia de la parodia en sí misma. Es una obra que extrae el surrealismo incipiente de la cultura popular actual. Burlándose de todas las modas modernas a las que hace guiños sin parar; al mismo tiempo que hace referencia a modas de las que ya casi nadie se acordaba.
Como buen 4-koma, no es una serie con una trama argumental sino mayormente de breves sketches de humor sofisticado. Cada cual dirigido con estilo diferente por distintos directores principales involucrados en el anime.
Si tu sentido del humor no está suficientemente desarrollado para esta serie es mejor que la dejes para un momento en que tu curiosa mente anhele ver algo diferente a lo habitual y tenga capacidad para dar sentido a lo que va a ver o simplemente asumir que no todo en esta vida lo tiene.
Para muestra, cada episodio de la serie se emite como si alguien hubiera grabado encima de un anime "normal" tras ver empezar un episodio de unos 25 minutos, titulado "Hoshiiro Girldrop" con su opening y todo, que parece ser un anime de vivencias y romance de los tiempos que corren; siguiendo la broma con la que el anime fue anunciado un año antes en "april fools". Y, terminado el capítulo de poputepipikku, el avance del siguiente episodio es por supuesto el de "Hoshiiro Girldrop". Serie ficticia que tarde o temprano se hará realmente. Y no sería la primera vez como pasa en Densha Otoko o en Genshiken.
Por si esa broma no fuera suficiente, cada capítulo dura unos 12 minutos realmente y se emite dos veces con actores y actrices de doblaje diferentes para la voz de Popuko y Pipimi. Mientras que el resto de personajes suele tener la misma voz en ambas partes del capítulo. Aunque en ocasiones, el guión cambia e improvisan de forma diferente entre una parte del capítulo y su "repetición".
Tiene más de un celebrado número musical y toques de la cultura del videojuego, películas y mundo otaku condensados. En cualquier caso no es un anime que deje indiferente a nadie, para bien o para mal. Pero no habrás visto nunca antes otra serie igual.
Vaya por delante que me ha gustado mucho esta serie anime de Kyoto Animation y seguro que me extiendo más de lo necesario. La serie se basa en una serie de novelas ligeras ganadoras de más de una categoría en unos premios que los propios estudios concedieron en 2014.
Hay pocos estudios como "KyoAni" que rivalicen en la calidad de sus obras y sello personal. Seguro que ya lo he dicho en alguna otra reseña. Y me gusta este anime, que Netflix distribuye, aunque sea una serie con ingredientes de géneros quizás muy comunes, que en mi caso no tendrían porque gustarme demasiado como el drama, romance, acción bélica e incluso algo de ciencia ficción o, más bien, algo parecido al steampunk; donde se muestra un escenario de época, próximo a los finales del siglo XIX o comienzos del XX con un toque refinado de la Europa clásica en contraposición con el uso de manos protésicas de adamantium(sí, el mismo metal de las garras de Lobezno-Wolverine- en los X-Men).
Todo ello para... escribir cartas en una máquina de escribir.
La mezcla funciona. Se aparta de los géneros comunes de anime, al no estar ambientado en Japón; ni el presente moderno. Pero está dotado de gran realismo en lo que podría ser perfectamente una región con claras influencias y costumbres occidentales. Con coherencia cultural; sin mezclar culturas dispares. Llevando el tema del diseño artístico a un nivel por encima de series como "Sora no woto".
Este escenario es cuando menos intrigante. Para querer saber más.
Y me ha gustado mucho el anime porque, aparte del personaje femenino protagonista que da nombre a la serie, cobra protagonismo la máquina de escribir. Por alguna razón, siempre me fascinaron los aparatos con teclas o botones. Las máquinas de escribir, siendo lo suficientemente "viejuno" para haberlas utilizado al aprender mecanografía con ellas, son una de las pocas cosas del pasado que me producen cierta nostalgia.
Y ese protagonismo está en la historia, en detalles y accesorios que acompañan a la protagonista, y en la fantástica música orquestal compuesta por Evan Call que integra los chasquidos característicos de las teclas en la banda sonora; que acompaña a la serie desde el comienzo. Y que le da un aire cinematográfico que también evoca cierto cine del pasado como la secuencia introductoria de "Forrest Gump". Supongo que no seré el único que note esa similitud en el primer episodio. No tanto musicalmente sino como por la puesta en escena.
El romance está tratado de un modo que, pese a que domina
toda la historia, no llega a sentirse cursi o empalagoso. Es una historia bonita, y en ocasiones triste, que transmite muchas emociones diferentes. Tiene una trama
argumental que conduce hasta el momento final en el episodio 13. (Con
un arco alternativo que está previsto se estrene en forma de OVA nº 14,
en julio de 2018)
Pero, si algo merece la pena en este anime es conocer a Violet Evergarden. ¿Es una chica o una máquina? Realmente no se sabe distinguir en los primeros episodios. Poco a poco, a razón de 25 minutos por episodio, contándonos su historia entre algún que otro flashback para recordarnos una reciente guerra que aún tiene frentes abiertos y cicatrices que aliviar, se nos muestra cuánto hay de humano en ella con cada nuevo episodio; en ocasiones autoconclusivo. Con personajes que encandilan y haciendo el mundo de la serie "Violet Evergarden" cada vez más grande.
Esta película forma parte del proyecto noitaminA que propuso hacer tres largometrajes animados basados en novelas de Project Itō. Seudónimo de Satoshi Itō, fallecido en 2009 con sólo 34 años, que llegó a publicar relatos de cierto éxito dentro del género de ciencia ficción distópica, donde mezcla grandes dosis de fantasía, terror, acción o suspense; Como, entre otras, la novela de "Metal Gear Solid 4: Guns of the Patriots".
Genocidal organ es la tercera película de un proyecto de tres películas basadas en relatos de Itō. Películas encargadas a estudios de anime diferentes de Japón.
Con la mala suerte de que ésta última se encargó a Manglobe; famoso estudio de "Ergo Proxy". Que entró en bancarrota teniendo la producción a medio hacer. Por suerte, la película no quedó en saco roto y con los restos de la producción se fundó el estudio Geno Studio que concluyó la película con algo de retraso respecto a lo esperado.
Para seguir con la mala suerte, en nuestro país su distribuidor es "Yowu Entertainment". Que si no los conocéis, es normal. Ya que no son muy populares como distribuidora. Por mala suerte. Por escasa financiación. O por lo que sea. Aunque son de los que más arriesgan al elegir títulos de manga y anime juvenil y adulto en España. Pero sus incondicionales si alguna vez tuvieron, cada vez son menos. El problema es que su ritmo de publicación y los soportes de distribución usados parece que vayan hacia atrás en vez de hacia adelante.
Eso no dice nada bueno tampoco de las distribuidoras más importantes en España. Ya que si hay títulos que sólo trae Yowu es porque ellas no se arriesgan.
Si alguna vez, a través de este blog, me he mostrado neutral entre el trabajo de las distribuidoras, dueños legítimos de los derechos de distribución y la labor de los fansubs; voy a romper una lanza por esa labor titánica y en muchas ocasiones sin remuneración que hacen los traductores no profesionales para acercar anime que nunca veremos en nuestro país de no ser por ellos.
Vista la cantidad de buen ANIME que jamás llega a nuestro país, ni siquiera a través de Crunchyroll u otras plataformas de streaming occidentales, creo que el FANSUB es todo lo contrario a criminalizable, como se lleva años tratando de engañar a la población de todo el mundo.
Hacer fansubs sin fines lucrativos (usar links adf.ly o banners publicitarios en la web es lucrativo, nenes), no es en absoluto un delito; y mucho menos un crimen. Debería ser recompensado. Con buenos sueldos, y yo incluso les dedicaría alguna calle en mi ciudad y un monumento.
Lo que sí es de juzgado de guardia es que distribuidoras nacionales no apuesten por otro anime que el que piensan les va a reportar más beneficio. Mientras obras que han tenido un éxito tremendo, no sólo en Japón sino fuera de Japón también, jamás llegan a estrenarse en los circuitos convencionales.
Esta distribuidora de segundo palo, es lo peor que le podía pasar en España a este título (y los tres de la serie Project Itoh) y cualquier otro anime medianamente bueno que por fatalidad han recibido derechos de distribución. No es el primero, ni, por desgracia, será el último que maltrate una(la) distribuidora.
Por suerte vi la película en una de las pocas opciones que da Yowu a ver sus obras licenciadas, como un esfuerzo colosal por su parte, en el Festival de Anime que se celebró en Pamplona en enero de 2018, FAN'18.
Genocidal organ es un psicothriller bélico donde se nos muestra a un soldado de fuerzas especiales de la agencia de inteligencia estadounidense que debe localizar a un científico americano responsable de una ola de crímenes mundial aparentemente al haber descubierto un modo de manipular el comportamiento humano hasta el punto de lograr volver a personas normales en asesinos de masas mediante el simple uso de palabras, como si de un tipo de hipnosis se tratase. En su misión encubierta tendrá que hacerse pasar por alumno de una filóloga que enseña checo en Praga que puede tener alguna conexión con el objetivo.
La película muestra violencia de forma cruda y subjetiva en escenarios de guerra de distintas partes del mundo. Y una excusa demasiado pobre para justificarla que pondrá a prueba la humanidad del protagonista. En cualquier caso es una película con toques de ciencia-ficción futurista entretenida, con cierta dosis de intriga y bien narrada.
Es resaltable que el pluriempleadísimo "ryo" (supercell) se encargó de poner música a los créditos finales de la película, con el tema "Reloaded" 『リローデッド』。
Si tienes la ocasión de verla, aunque veo difícil que aparezca pronto en algún sitio más fuera de Japón, y no te asusta ver sangrientos combates tácticos donde no se salva ni el apuntador, prueba a verla a ver qué te parece.
Sora yori mo tooi basho, o bien "Yorimoi", como se suele abreviar, es un anime de 13 episodios que empezó a emitirse en las TVs de Japón y también por Crunchyroll entre el 2 de enero y 27 de marzo de 2018.
Serie original del mismo equipo de Madhouse que creó "No game, no life". Pero totalmente alejado de la temática y estilo de ésta. Y, en mi opinión, es una serie genial.
En este caso estamos ante una serie de estilo vivencias. Pero lo mostrado no son vidas cotidianas corrientes en absoluto. Ya que sus protagonistas quieren llegar a la Antártida. Eso está muy alejado de las típicas series de vivencias. Y como a unos 14.000 kilómetros de Tokio.
El diseño de personajes recuerda a K-On, con estudiantes de instituto, personalidades similares. Incluso la canción del opening tiene un breve toque de batería inicial similar a la serie de Kyoto Animation.
Pero esta serie, como ya he dicho, va más lejos que un anime de vivencias de KyoAni, A-1 Pictures o Silver Link. También hay un episodio que recuerda bastante por el escenario y la acción a "Yama no susume" del Estudio 8-Bit, también chicas de instituto que escalan montañas y ven amaneceres (go-raikō).
Pero aquí, los personajes tienen un aura especial, una capa extra que acaba enganchándote a fondo.
En "Yorimoi" hay una línea argumental continua, que capítulo tras capítulo conduce a la conclusión de la serie. Con fantástico dibujo se pueden reconocer escenarios diferentes que te transportan a distintos lugares de Japón y del mundo con mucho realismo. Y en cada episodio conocemos cada vez un poco más de cada personaje.
Reímos con ellas. Se pasan apuros por ellas. Nos enfadaremos con ellas; Y lloraremos. Pero sólo un poquito. ¡Maldita sea!; Si tienes un miligramo de empatía prepara varios cubos para evacuar lágrimas con el penúltimo episodio. O sáltatelo. En serio, lo digo. El episodio 12 termina con el puñetazo más grande en todos los "feels" que he sentido en un anime en mucho tiempo. Una dosis de realidad que, quizás no te esperas en un anime tan dulce y lleno de candor moe. Aunque casi toda la serie está llena de anticipaciones y sabemos que llegará el momento en que tendremos que afrontarlo, tan intensamente como las protagonistas a las que hemos acompañado.
Pero la sensación final con el episodio 13 es de querer que haya más Yorimoi. Poesía pura y varios epílogos fantásticos que dejan buen sabor de boca. Para cerrar bien todo lo contado que no es poco.
Después de haber disfrutado todos y cada uno de los capítulos de la serie.
Los temas que más relevancia cobran son el valor y origen de la amistad. La consecución de las propias metas, sueños e ilusiones pese a lo que piensen o hagan los demás. La constancia y determinación. La perdida de un ser querido. Y, por supuesto, viajar al Polo Sur. Una experiencia vital que merece la pena ser vivida aunque sea en forma de anime.
El título de la serie trae sorpresa porque tiene la palabra espacio 宇宙 que se lee normalmente Uchū; pero le dan la lectura, también válida en japonés de Sora; que significa cielo. Es una forma más poética de decir "Un lugar más lejano que el espacio".
Traducirlo por "universo" en español creo que no quedaría bien, ya que todo forma parte del universo y no puedes alejarte de lo que formas parte; El espacio sin embargo se interpreta como lo que hay más allá de la atmósfera de nuestro planeta.
El título de la serie tiene más sentido dentro de la trama principal donde se habla continuamente de un libro con ese título y se dice la frase "Sora yori mo tooi basho" y también con la otra lectura "Uchū yori mo tooi basho" en distintos contextos.
Algo que quizás requiere entender un poco más de literatura y folklore japonés para comprender el uso que se hace de las palabras en cada momento. Yo lo interpretaría de modo que cuando dicen Uchū(espacio o universo) pueden aludir indirectamente al mito de que las personas que mueren se convierten en estrellas y van al espacio como en "Tren nocturno de la Vía Láctea" de Kenji Miyazawa. Y ese lugar está demasiado lejos de nuestro alcance.
El blog ha pasado por varios sistemas de musica de acompañamiento. Atrás quedan Imeem, Grooveshark y otros. Finalmente hemos puesto una playlist de Youtube. Esperamos que dure e ir ampliándola.
Sugierenos más música y deja comentarios sobre la playlist.
RIP Grooveshark:
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