Night is short, walk on girl 『夜は短し、歩けよ乙女』(Yoru wa mijikashi, arukeyo otome)

El título del largometraje podríamos traducirlo como "La dama que camina en la corta noche"; aunque yo diría que si se ha decidido comercializar con el título internacional en inglés es porque es algo difícil de traducir al español.

Masaaki Yuuasa que recientemente nos ha llenado de obras suyas gracias a su estudio ScienceSARU, ha hecho este original film, estrenado en 2017, con una frescura, humor, y desparpajo como no había visto desde que el mismo director hiciese Mind Game (2004).

La película muestra a una chica con ganas de comerse el mundo en una larga, o corta, noche festiva de celebraciones por Kioto a la que la suerte le sonríe y a su sempai del instituto, que tras largas temporadas de hacerse el encontradizo casual ha decidido por fin declararse del modo más efectivo posible, pero la indiferencia de la chica y el azar no se lo pondrá nada fácil en esta alocada noche.

Esta comedia romántica tiene un estilo con toque nostálgico que muchos críticos han valorado positivamente y ha recibido muy merecidos premios a mejor película de animación.

Más allá de las situaciones alocadas que se viven se nos van mostrando una serie de personajes y avatares de sus vidas que se entrecruzan una y otra vez con los de esta intrigante damisela de pelo negro que quiere empezar a disfrutar de lo que considera ha de ser la vida adulta. Con ritmo y estructura perfectos y un guión finamente hilbanado, se sigue la historia con interés de principio a fin haciendo uso de recursos llenos de imaginación y fantasía. Y, sobre todo humor. El humor es algo que Yuuasa se toma muy en serio. Porque Yuuasa es un genio pero de los que se hacen entender.

Aunque se introduzcan elementos que en ocasiones puedan rozar lo absurdo, al menos te lo hace pasar bien.


Me es difícil hablar de la obra sin hacer comparaciones. He notado un atisbo de la magia que Satoshi Kon incorporaba en sus películas, con cierto toque de "Tokyo Godfathers" (Culpa mía que aún no haya reseña de este anime en el blog; lo corregiré pronto. Que Kon-sama me perdone.). E incluso, un atisbo de Paprika. Pero sobre todo tiene estilo propio capaz de pasar la mano por la cara a los actuales enfant-terrible del anime como Mamoru Hosoda o Makoto Shinkai. He dicho.

Pero al margen de lo que yo diga; simplemente hay que verla y dejarse llevar por su embriagador humor. Y si ya la has visto, volverla a ver. ¿A qué sí?

La obra está basada en manga de 5 tomos serializados por la revista Shounen Ace entre 2007 y 2009, o más bien está basada en la novela de 2006 de Tomihiko Morimi, un novelista que suele ambientar sus obras en Kioto y que también fue artífice de la novela Penguin Highway en 2010, y que el nuevo estudio Colorido eligió adaptar para su primera película largometraje estrenada este pasado verano de 2018. (Espero que podamos verla pronto).

Además existe también una serie anime anterior, de 2010, basada en obra del mismo novelista que también fue adaptada por Masaaki Yuuasa con 11 episodios para televisión, que son un aperitivo perfecto para esta película ya que los personajes que salen en ella son los mismos. Esa serie se llama "Yojōhan shinwa taikei" 『四畳半神話大系』o bien "The tatami galaxy". Y parece ser la parte que en la película se muestra a modo de flashbacks resumidos donde se relatan esos intentos de encuentros "casuales" que el sempai intenta crear cuando se encuentra en su segundo año de universidad en Kioto.

Quizás el dato que me resulta más "mind-blowing" de "Night is short, walk on girl" es que el compositor de la música es Michiru Ōshima, conocido por poner música a algunas series de anime con partituras que no dejan indiferentes; como Little Witch Academia, Full Metal Alchemist(2003, 2005), o So-Ra-No-Wo-To.

Al margen de este fantástico acompañamiento para toda la película se cuenta con los conocidos Asian Kung-Fu Generation para dar el toque pop a esta sencilla historia con situaciones cotidianas en la vida y exageraciones sin sentido pero llenas de significado.

Mary y la flor de la bruja『メアリと魔女の花』(Mary and the witch's flower)

La esperadísima primera película del Studio Ponoc se ha estrenado finalmente en España, dirigida por Hiromasa Yonebayashi. ¿Será posible hacer una reseña de esta película sin pronunciar ni una sóla vez la palabra "Ghibli"? (ups) Voy a intentarlo.

Studio Ponoc es un estudio de nueva creación pero sus integrantes no son en absoluto unos novatos. Empezando por el director de la película que ya tuvo un estreno de fuego siendo el director en "cierto estudio" que más joven se ponía a las riendas de un proyecto de largometraje y que además cosechó tanto éxito; y todo el mundo calificó enseguida como sucesor de Miyazaki. (¿cuantos posibles sucesores tiene ya?)

Nadie será, para bien o para mal, sucesor del estilo y personalidad del genio ex-re-re-jubilado. Pero si alguien tenía dudas, con "Mary y la flor de la bruja" se confirma que Hiromasa Yonebayashi puede llegar a ser practicamente como su maestro.

No hace falta un clon de un artista particular teniendo al original.

Personalmente prefiero la visión que mezcla realidad y fantasía que aporta Yonebayashi en sus tres películas dirigidas hasta la fecha. Cuatro, si contamos el reciente cortometraje "Kanini to kanino" que estrenó Studio Ponoc este verano en Japón como parte de la película "Chīsana eiyū: Kani to tamago to tōmei ningen"(Modest Heroes) que consistió en tres cortometrajes de tres directores del estudio, a falta del cuarto director Isao Takahata que lamentablemente falleció en abril antes de realizar su proyecto.

"Mary y la flor de la bruja" es una película para niños, aunque no es una etiqueta comercial para ganar más audiencia. Realmente se puede decir así. Pero no significa que los mayores no vayamos a disfrutar mucho más que ellos una película donde no se tratan temas excesivamente complicados salvo por exigencia del guión. Sin filosofía profunda, ni extremada violencia. No obstante, podría rivalizar en alguna escena de acción con la película de "cierto estudio" -La princesa mononoke-. Los guiños a trabajos anteriores de "cierto estudio" son también continuados. La de "Chihiro" está también presente en el diseño de algún personaje y también hay una pequeña porción de su fantasía desbordante.

Lamento no haber visto todavía "El castillo ambulante" pues me ha parecido que también había algún guiño a ella.

Se pueden notar también guiños, evidentemente a Kiki's delivery service, y a Ponyo.

La historia nos cuenta cómo Mary, una niña que pasa unos días con su abuela, encuentra una extraña flor en el bosque que parece aportar poderes mágicos y una escoba voladora que le conducen a la Universidad de Endor(no, no hay ewoks); donde grandes brujas han estudiado y Mary parece estar dotada para formar parte de ella y ser la mejor de las mejores pero en esta universidad sólo hay una norma importante por encima de todas las demás: -No se aceptan impostores o serán transformados en otra cosa.

Sin entrar en detalles, antes de verla podría decirse que estamos ante un "Viaje de Chihiro conoce a Harry Potter"; Pero realmente no es algo tan complejo. Es una historia más simple con varios conflictos y solución final. Lo importante es cómo se muestran.

Aún con ciertas carencias en la parte de la trama argumental del guión se nota que se han trabajado mucho los personajes y tienen una profundidad que sobresale más allá de la pantalla.

El film cuenta con música compuesta por Takatsugu Muramatsu. Se hace algo extraño no ver a Hisaishi como compositor. Pero la banda sonora es realmente cautivadora. Aunque se echa de menos en ocasiones; supongo que para equilibrar ritmo y estructura, y que no canse durante los casi 100 minutos que dura el metraje.

El compositor Muramatsu es ya habitual en las películas de Yonebayashi, como en Arrietty y Marnie, y ha sido autor también de la banda sonora de Lu over the wall.

Es más una película con sucesión de acciones en cadena que un viaje emocional a la madurez como Chihiro o una película cualquiera de magos que compiten y se efrentan a terribles enemigos. Es, por tanto, una película muy agradable de ver. Para dejar de pensar un rato y disfrutarla sin más.

Se disfruta mucho porque en la parte visual derrochan toda la imaginería de la que siempre hizo gala "cierto estudio" y demuestran que Studio Ponoc es "cierto estudio", y goza de buena salud.

Bravo, Hiromasa.

Devilman Crybaby

El autor de Mazinger Z, Go Nagai es autor de este famoso manga llamado Devilman que desde los años 70 ha contado con multiples continuaciones, series anime, novela e incluso una película "crossover" donde Mazinger Z y Devilman luchan contra el Doctor Infierno. Mientras Go Nagai sigue haciendo viñetas del personaje manga.

Este año la nueva productora de Masaaki Yuuasa, Science SARU lanzó una nueva serie sobre Devilman contada en 10 episodios ONA que, en España y otros países, fueron distribuidos por Netflix en enero. Además, si esta nueva serie supiera a poco, en Netflix también puede verse otra serie de 3 OVA que junta, en otro "crossover", a dos mangakas: Shōtarō Ishinomori y Go Nagai con "Cyborg 009 vs Devilman".

Si Mazinger Z era una serie juvenil de aventuras y acción. En Devilman tenemos el lado oscuro, lleno de sexo y violencia a borbotones, de Go Nagai. Y la libertad desbocada de Masaaki a la hora de hacer animación.

Akira Fudō es requerido por su amigo de la infancia, Ryō Asuka, para que le ayude a desvelar una investigación que lleva entre manos y termina afectando al propio Akira. Akira y Ryō comienzan una larga batalla contra demonios, aunque Ryō tiene sus propias ideas sobre cómo deben ser combatidos. Para ello un hombre tiene que convertirse en demonio. Un demonio-hombre. Devilman.

No es una serie fácil de digerir pero merece la pena hacer el esfuerzo por ver sus diez episodios para tener un poco más claro que la animación japonesa puede ser cruel y dura, sin contemplaciones. Una serie que tiene acción y estrambóticos demonios más malos que la quina.

A destacar, la animación de cabecera que curiosamente está dirigida por artistas españoles afincados en Japón que trabajan en el estudio de Masaaki; Juanma Laguna y Abel Góngora.

Blade Runner: Black Out 2022

La secuela de película de culto "Blade Runner 2049" contó con dos cortometrajes de acción real de seis minutos de duración, a modo de prólogo, titulados "2036: Nexus Dawn" y "2048: Nowhere to run".

Como sucediera con la secuela de Matrix, además de esos dos cortometrajes se encargó a la maquinaria de anime japonés que realizara este anime de quince minutos de duración. Sin reparar en gastos. Para lo cual contrataron ni más ni menos que a Shin'ichirō Watanabe, director de Cowboy Bebop y Zankyō no Terror.

Hay alguna similitud con alguna de las obras de Watanabe en estilo e incluso desenlace pero es mejor no hacer comparaciones.

Se puede decir que pinta muy bien como aperitivo de la nueva secuela, más de 30 años después de la primera versión (de nosecuantas versiones que hicieron productores y el director Ridley Scott para exprimir la gallina de los huevos de oro), y hace revivir el ambiente de ese futuro distópico que creaba la primera película y sigue encajando muy bien, visto hoy día.

En esta ocasión, tres años después de los hechos que acontecen en "Blade Runner", se nos muestra a dos replicantes, robots de aspecto humanoide, colaborando en una difícil misión para eludir el control de hordas de humanos supremacistas que desean su exterminio. Mientras, alternando con flashbacks, vemos de donde proceden los replicantes y aquello que el Nexus 6 de la película de 1982 contaba al terminar: "-He visto batallas más allá de Orión...-" y se explican razones de la rebelión.

Es mucho argumento, una gran imaginería y una atmósfera que evoca la película original a cada frame. Al mismo tiempo que hace de puente para enlazar con lo que será la secuela. Son muchas cosas que se muestran en tan sólo 15 minutos pero es un anime que merece la pena ver y magistralmente dirigido como cabía esperar de semejante director de anime.

 La música es obra de un californiano apodado Flying Lotus que emula muy bien aquellos riffeos y acordes electrónicos con los que inundó Vangelis la película original.

Es imprescindible, sobre todo, si se es fan de la ciencia ficción distópica y se ha visto la primera película con intención de ver Blade Runner 2049 para tener las ideas más claras sobre qué pasó desde 2019 hasta 30 años después.

Pop Team Epic

El pasado mes de enero de 2018 se pudo ver en simulcast por Crunchyroll la serie de 12 episodios, o 24 (no lo tengo claro),Pop Team Epic. O, para abreviar, Poputepipikku. 『ポプテピピック』

Anime basado en el popular yon-koma(tira de 4 viñetas) del mismo nombre, con dos protagonistas llamadas Popuko y Pipimi.

El humor absurdo traspasa las fronteras de la ficción para volverse prácticamente una parodia de la parodia en sí misma. Es una obra que extrae el surrealismo incipiente de la cultura popular actual. Burlándose de todas las modas modernas a las que hace guiños sin parar; al mismo tiempo que hace referencia a modas de las que ya casi nadie se acordaba.

Como buen 4-koma, no es una serie con una trama argumental sino mayormente de breves sketches de humor sofisticado. Cada cual dirigido con estilo diferente por distintos directores principales involucrados en el anime.

Si tu sentido del humor no está suficientemente desarrollado para esta serie es mejor que la dejes para un momento en que tu curiosa mente anhele ver algo diferente a lo habitual y tenga capacidad para dar sentido a lo que va a ver o simplemente asumir que no todo en esta vida lo tiene.

Para muestra, cada episodio de la serie se emite como si alguien hubiera grabado encima de un anime "normal" tras ver empezar un episodio de unos 25 minutos, titulado "Hoshiiro Girldrop" con su opening y todo, que parece ser un anime de vivencias y romance de los tiempos que corren; siguiendo la broma con la que el anime fue anunciado un año antes en "april fools". Y, terminado el capítulo de poputepipikku, el avance del siguiente episodio es por supuesto el de "Hoshiiro Girldrop". Serie ficticia que tarde o temprano se hará realmente. Y no sería la primera vez como pasa en Densha Otoko o en Genshiken.

Por si esa broma no fuera suficiente, cada capítulo dura unos 12 minutos realmente y se emite dos veces con actores y actrices de doblaje diferentes para la voz de Popuko y Pipimi. Mientras que el resto de personajes suele tener la misma voz en ambas partes del capítulo. Aunque en ocasiones, el guión cambia e improvisan de forma diferente entre una parte del capítulo y su "repetición".

Tiene más de un celebrado número musical y toques de la cultura del videojuego, películas y mundo otaku condensados. En cualquier caso no es un anime que deje indiferente a nadie, para bien o para mal. Pero no habrás visto nunca antes otra serie igual.

Violet Evergarden

Vaya por delante que me ha gustado mucho esta serie anime de Kyoto Animation y seguro que me extiendo más de lo necesario. La serie se basa en una serie de novelas ligeras ganadoras de más de una categoría en unos premios que los propios estudios concedieron en 2014.

Hay pocos estudios como "KyoAni" que rivalicen en la calidad de sus obras y sello personal. Seguro que ya lo he dicho en alguna otra reseña. Y me gusta este anime, que Netflix distribuye, aunque sea una serie con ingredientes de géneros quizás muy comunes, que en mi caso no tendrían porque gustarme demasiado como el drama, romance, acción bélica e incluso algo de ciencia ficción o, más bien, algo parecido al steampunk; donde se muestra un escenario de época, próximo a los finales del siglo XIX o comienzos del XX con un toque refinado de la Europa clásica en contraposición con el uso de manos protésicas de adamantium(sí, el mismo metal de las garras de Lobezno-Wolverine- en los X-Men).

Todo ello para... escribir cartas en una máquina de escribir.

La mezcla funciona. Se aparta de los géneros comunes de anime, al no estar ambientado en Japón; ni el presente moderno. Pero está dotado de gran realismo en lo que podría ser perfectamente una región con claras influencias y costumbres occidentales. Con coherencia cultural; sin mezclar culturas dispares. Llevando el tema del diseño artístico a un nivel por encima de series como "Sora no woto".

Este escenario es cuando menos intrigante. Para querer saber más.

Y me ha gustado mucho el anime porque, aparte del personaje femenino protagonista que da nombre a la serie, cobra protagonismo la máquina de escribir. Por alguna razón, siempre me fascinaron los aparatos con teclas o botones. Las máquinas de escribir, siendo lo suficientemente "viejuno" para haberlas utilizado al aprender mecanografía con ellas, son una de las pocas cosas del pasado que me producen cierta nostalgia.

Y ese protagonismo está en la historia, en detalles y accesorios que acompañan a la protagonista, y en la fantástica música orquestal compuesta por Evan Call que integra los chasquidos característicos de las teclas en la banda sonora; que acompaña a la serie desde el comienzo. Y que le da un aire cinematográfico que también evoca cierto cine del pasado como la secuencia introductoria de "Forrest Gump". Supongo que no seré el único que note esa similitud en el primer episodio. No tanto musicalmente sino como por la puesta en escena.

El romance está tratado de un modo que, pese a que domina toda la historia, no llega a sentirse cursi o empalagoso. Es una historia bonita, y en ocasiones triste, que transmite muchas emociones diferentes. Tiene una trama argumental que conduce hasta el momento final en el episodio 13. (Con un arco alternativo que está previsto se estrene en forma de OVA nº 14, en julio de 2018)

Pero, si algo merece la pena en este anime es conocer a Violet Evergarden. ¿Es una chica o una máquina? Realmente no se sabe distinguir en los primeros episodios. Poco a poco, a razón de 25 minutos por episodio, contándonos su historia entre algún que otro flashback para recordarnos una reciente guerra que aún tiene frentes abiertos y cicatrices que aliviar, se nos muestra cuánto hay de humano en ella con cada nuevo episodio; en ocasiones autoconclusivo. Con personajes que encandilan y haciendo el mundo de la serie "Violet Evergarden" cada vez más grande.