La película de Makoto Shinkai estrenada en julio de 2019 fue nominada para representar a Japón en los Oscar, no en categoría de Mejor animación, sino a Mejor película de habla no-inglesa.
La academia de Hollywood no acabó por seleccionarla como candidata como sí hizo con El viaje de Chihiro, o la más reciente Mirai no Mirai; pero esto indica la importancia que se dio al film desde tierras niponas que, con la espectativa muy alta, por el anterior trabajo de Shinkai, Kimi no na wa (Your name), se estrenó con un mensaje de prudencia y disculpa previa del propio director procurando bajar las pretensiones del espectador. Pues las comparaciones son odiosas y aquí iba a ser practicamente inevitable compararla con su anterior trabajo.
Tenki no ko tiene el estilo de dibujo habitual en el estudio Comix Wave con el detallado realismo que procura dar siempre Makoto a los escenarios urbanos. En una linea muy pareja con la de las películas de Mamoru Hosoda.
El guión está estructurado de forma bastante clásica, con una presentación de personajes y situación, problema y desenlace. Con un elemento nada esperado en películas de Shinkai: Un pistoletazo de salida que da comienzo cada acto. No le falta tampoco cierto toque de fantasía como ya tuviese Your Name o Viaje a Agartha. Aunque, en esta ocasión, no hay extraños saltos temporales en la trama ni se retuerce en exceso la historia.
La película cuenta como Hodaka Morishima, un estudiante de instituto que llega a Tokio huyendo de la vida con su familia en el Japón rural(no es exactamente la historia de Your Name al revés) intentando lograr trabajo a tiempo parcial para quedarse en la ciudad.
Hodaka consigue trabajar con un pequeño editor que redacta para revistas por encargo. E investigando un artículo sobre una superstición conoce a Hina otra chica en difícil situación.
Como en la ciudad lleva meses lloviendo sin parar y Hina tiene el poder de detener la lluvia por un tiempo. Lo que en Japón se relacionaría con una 晴れ女 (Hare onna - Mujer del buen tiempo); gente que parece que con su presencia atraen al buen tiempo; Hodaka ve en ese poder un filón para hacer negocio y convence a Hina para utilizarlo. Pero el beneficio conllevará un alto coste para Hina que Hodaka no está dispuesto a asumir.
De nuevo la música en la película corre a cargo de Radwimps, con un destacable coro para el momento climático de la película. Con romance a la Shinkai.
Es una película bonita, entretenida y llena (pero que muy llena) de guiños y sorpresas de otros anime(Hosoda resuena mucho), y más de un celebrado cameo.
Tan celebrado que casi se aplaudía en la sala de cine donde la vi.
martes, 31 de diciembre de 2019
Tenki no ko - El tiempo contigo - 天気の子 - Weathering with you
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Freddyncalm
el
31.12.19
Tenki no ko - El tiempo contigo - 天気の子 - Weathering with you
2019-12-31T12:00:00+01:00
Freddyncalm
aventura|fantasia|melodrama|romance|
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sábado, 23 de noviembre de 2019
Yakusoku no neverland / 約束のネバーランド / The promised neverland
Esta serie estrenada en enero de 2019 se basa en el manga de la Jump de Kaiu Shirai (en el guión) y Posuka Demizu(al dibujo) que sigue en publicación desde 2016. Puede leerse cada semana un nuevo capítulo en la app oficial de la Jump "Manga plus". Además se publica en España por Norma editorial.
El anime no sólo tiene un dibujo y puesta en escena moderno y detallado sino que la historia te atrapa desde el primer episodio, y no te deja soltarlo hasta que acaba la temporada en el episodio 12.
Los protagonistas se preguntan qué habrá más allá del orfanato en el que viven confinados; y por qué los niños que fueron adoptados no se han vuelto a comunicar con ellos. Conforme averiguan cosas deciden pasar a la acción cuando descubren que nada es lo que parecía ser.
Es una historia de misterio y suspense con personajes carismáticos y llenos de inteligencia deductiva, que parece seguir la ola que levantaron series como Death Note o Shingeki No Kyojin. A mitad de camino entre la historia de fantasía y el puro suspense detectivesco donde hay que averiguar qué es lo que se oculta al espectador y cómo resolveran problemas de muy difícil solución para pequeños huérfanos que cada día evaluan sus habilidades como niños superdotados.
La música del opening está realmente bien y transmite la energía necesaria para ver la serie sin indiferencia. La lleva a cabo UVERworld que, si no los conoces, son míticos por haber participado también en openings o endings de Bleach, Blood+, Ao no exorcist, Gundam 00, o Nanatsu no taizai (The seven deadly sins).
El ending de Cö shu Nie también es interesante y me recuerda el estilo de las últimas canciones de Ryo de supercell o a cierto ending del anime Kakegurui.
Lo mejor y a la vez lo peor de la serie, según se mire, es que todos los episodios acaban en "cliffhanger"; al estilo de LOST(Perdidos). Como si una serie tan corta necesitase desesperadamente que el espectador se muera de ganas por ver el siguiente episodio, o se acaba el mundo.
El anime no sólo tiene un dibujo y puesta en escena moderno y detallado sino que la historia te atrapa desde el primer episodio, y no te deja soltarlo hasta que acaba la temporada en el episodio 12.
Los protagonistas se preguntan qué habrá más allá del orfanato en el que viven confinados; y por qué los niños que fueron adoptados no se han vuelto a comunicar con ellos. Conforme averiguan cosas deciden pasar a la acción cuando descubren que nada es lo que parecía ser.
Es una historia de misterio y suspense con personajes carismáticos y llenos de inteligencia deductiva, que parece seguir la ola que levantaron series como Death Note o Shingeki No Kyojin. A mitad de camino entre la historia de fantasía y el puro suspense detectivesco donde hay que averiguar qué es lo que se oculta al espectador y cómo resolveran problemas de muy difícil solución para pequeños huérfanos que cada día evaluan sus habilidades como niños superdotados.
La música del opening está realmente bien y transmite la energía necesaria para ver la serie sin indiferencia. La lleva a cabo UVERworld que, si no los conoces, son míticos por haber participado también en openings o endings de Bleach, Blood+, Ao no exorcist, Gundam 00, o Nanatsu no taizai (The seven deadly sins).
El ending de Cö shu Nie también es interesante y me recuerda el estilo de las últimas canciones de Ryo de supercell o a cierto ending del anime Kakegurui.
Lo mejor y a la vez lo peor de la serie, según se mire, es que todos los episodios acaban en "cliffhanger"; al estilo de LOST(Perdidos). Como si una serie tan corta necesitase desesperadamente que el espectador se muera de ganas por ver el siguiente episodio, o se acaba el mundo.
Publicado por
Freddyncalm
el
23.11.19
Yakusoku no neverland / 約束のネバーランド / The promised neverland
2019-11-23T01:58:00+01:00
Freddyncalm
accion|drama|fantasia|shonen|suspense|
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sábado, 26 de octubre de 2019
Carole & Tuesday
Con Shin'ichirō Watanabe al timón como director general de su último anime producido por los estudios Bones, Carole & Tuesday ha sido un gran éxito de la temporada de primavera y verano de 2019 en Japón.
La serie habla de las dos chicas que dan nombre a la serie; procedentes de mundos opuestos que coinciden en una próspera ciudad de Marte, de un futuro próximo, donde deciden iniciar juntas una carrera para abrirse camino en el mundo musical.
Gus, un agente venido a menos tratará de ayudarles junto con Roddy quien las descubre en un ensayo en plan "guerrilla" infiltrándose en un auditorio sin permiso.
También conoceremos a Ángela una joven modelo de la misma edad que Carole y Tuesday pero que ya cuenta con la supuesta ventaja de la fama.
La trama no se queda en una simple competición entre Ángela y las chicas.
Cada episodio es una celebración de la música en mayúsculas. Con un largo desfile de personajes que recuerdan a grandes artistas del pop, rock, o hip-hop que existieron o existen en nuestro planeta.
Como pasase en Cowboy Bebop, cada episodio tiene el título de una canción. Pero a diferencia de la vieja serie, donde las canciones eran originales de Yōko Kanno, los títulos de ésta son de canciones ya existentes de artistas conocidos que inspiran o tienen alguna relación con los hechos del capítulo.
Cada episodio tiene además temas musicales geniales que se han recopilado en dos álbumes de la serie. Y varios conciertos ya ofrecidos, y pendientes de ofrecer el año que viene, por las talentosas chicas de carne y hueso que cantan las canciones, e incluso han posado para dibujar mejor sus movimientos al interpretar la música.
El futuro mostrado de Marte se parece mucho a nuestra presente Tierra. Tanto en temas políticos, que chocan siempre con la libertad de expresión que defienden los artistas; como en la misma urbanización y forma de ser de distintas ciudades.
La escenografía es la segunda maravilla de la serie; después de la música.
Además de artilugios futuristas vemos edificios parecidos a Nueva York, grandes puertos comerciales asiáticos, o ciudades favela brasileñas. Un poco de todo, conformando la ciudad de Alba city; Parte que Watanabe encargó a dos artistas franceses artífices de "Studio No Border" afincados en Japón que han colaborado con Bones.
Sólo con leer Shin'ichirō Watanabe, si aún no has visto la serie ya tendrías que ir corriendo a buscarla sin dudarlo.
Su curriculum incluye títulos tan famosos como Zankyō no terror, Blade Runner Blackout 2022, Sakamichi no apollon(Kids on the slope), otra serie con la música como protagonista; o Samurai Champloo.
Carole & Tuesday se distribuye por Netflix. En España, por ahora, sólo los 12 primeros episodios.
La serie habla de las dos chicas que dan nombre a la serie; procedentes de mundos opuestos que coinciden en una próspera ciudad de Marte, de un futuro próximo, donde deciden iniciar juntas una carrera para abrirse camino en el mundo musical.
Gus, un agente venido a menos tratará de ayudarles junto con Roddy quien las descubre en un ensayo en plan "guerrilla" infiltrándose en un auditorio sin permiso.
También conoceremos a Ángela una joven modelo de la misma edad que Carole y Tuesday pero que ya cuenta con la supuesta ventaja de la fama.
La trama no se queda en una simple competición entre Ángela y las chicas.
Cada episodio es una celebración de la música en mayúsculas. Con un largo desfile de personajes que recuerdan a grandes artistas del pop, rock, o hip-hop que existieron o existen en nuestro planeta.
Como pasase en Cowboy Bebop, cada episodio tiene el título de una canción. Pero a diferencia de la vieja serie, donde las canciones eran originales de Yōko Kanno, los títulos de ésta son de canciones ya existentes de artistas conocidos que inspiran o tienen alguna relación con los hechos del capítulo.
Cada episodio tiene además temas musicales geniales que se han recopilado en dos álbumes de la serie. Y varios conciertos ya ofrecidos, y pendientes de ofrecer el año que viene, por las talentosas chicas de carne y hueso que cantan las canciones, e incluso han posado para dibujar mejor sus movimientos al interpretar la música.
El futuro mostrado de Marte se parece mucho a nuestra presente Tierra. Tanto en temas políticos, que chocan siempre con la libertad de expresión que defienden los artistas; como en la misma urbanización y forma de ser de distintas ciudades.
La escenografía es la segunda maravilla de la serie; después de la música.
Además de artilugios futuristas vemos edificios parecidos a Nueva York, grandes puertos comerciales asiáticos, o ciudades favela brasileñas. Un poco de todo, conformando la ciudad de Alba city; Parte que Watanabe encargó a dos artistas franceses artífices de "Studio No Border" afincados en Japón que han colaborado con Bones.
Sólo con leer Shin'ichirō Watanabe, si aún no has visto la serie ya tendrías que ir corriendo a buscarla sin dudarlo.
Su curriculum incluye títulos tan famosos como Zankyō no terror, Blade Runner Blackout 2022, Sakamichi no apollon(Kids on the slope), otra serie con la música como protagonista; o Samurai Champloo.
Carole & Tuesday se distribuye por Netflix. En España, por ahora, sólo los 12 primeros episodios.
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Freddyncalm
el
26.10.19
Carole & Tuesday
2019-10-26T02:54:00+02:00
Freddyncalm
accion|bandas_musica|ciberpunk|ciencia_ficcion|comedia|drama|madurez|musica|política|rap|
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lunes, 16 de septiembre de 2019
Dororo (2019)
Osamu Tezuka es conocido como "dios del manga" pero fue también padre del anime moderno tal y como lo conocemos.
Como conmemoración de los 50 años desde que la productora de Tezuka, Mushi Productions, estrenase su serie "Dororo"(1969) adaptando el manga de Tezuka de 1967, "Dororo to Hyakkimaru", el estudio Mappa ha hecho un gran trabajo de adaptación. Con la diferencia fundamental de que el original fue realizado en blanco y negro para abaratar costes.
Tanto la serie clásica como la de 2019 son gratamente disfrutables aunque, como es natural, la nueva serie tiene toques más modernos y se permite el lujo de contar con distintos directores que le aportan un estilo diferente en ocasiones. Algo que a veces le resta consistencia al conjunto del anime. Especialmente, hay bastante consenso entre los aficionados de que el episodio 15, firmado por el director Osamu Kobayashi, desentona con el resto de la serie.
Dororo es un personaje callejero que aún no ha superado la niñez y sobrevive sin sus padres entre rateros en mitad del Japón de estados en guerra hasta que se topa con Hyakkimaru; un ser desprovisto de prácticamente todas las partes de su cuerpo, que carece de vista, oído y demás sentidos pero compensa con una visión sobrenatural ante el "aura" de los seres vivos y unas espadas camufladas en el lugar de sus brazos protésicos.
Dororo y Hyakkimaru inician un camino juntos enfrentándose a demonios que poseen las partes que robaron a Hyakkimaru cuando nació; y devolviéndoselas cuando son derrotados. Siendo huérfanos o abandonados por sus padres, ambos personajes conectan pronto y se complementan llegando a depender Hyakkimaru, alguien capaz de matar un enorme demonio, más de Dororo que Dororo de Hyakkimaru.
Es un anime de época, lleno de acción y seres sobrenaturales en medio de la cruel era Sengoku. Pese a todo tiene un toque natural de humor mezclado con filosofía y dramatismo. Es un anime muy recomendable por su valor estético y personajes interesantes.
Destacan el tema musical del opening de la banda J-Rock Queen Bee, 火炎 "Kaen"; y el tema del ending de la banda J-Rock Amazarashi, "Sayonara Gokko". Que son un gran envoltorio para los 24 minutos de la primera mitad de sus 24 episodios.
Amazon Primevideo ha ofrecido el anime prácticamente en simulcast. Con un nuevo episodio cada semana desde principios de 2019 hasta que se concluyó su emisión en Japón.
Como conmemoración de los 50 años desde que la productora de Tezuka, Mushi Productions, estrenase su serie "Dororo"(1969) adaptando el manga de Tezuka de 1967, "Dororo to Hyakkimaru", el estudio Mappa ha hecho un gran trabajo de adaptación. Con la diferencia fundamental de que el original fue realizado en blanco y negro para abaratar costes.
Tanto la serie clásica como la de 2019 son gratamente disfrutables aunque, como es natural, la nueva serie tiene toques más modernos y se permite el lujo de contar con distintos directores que le aportan un estilo diferente en ocasiones. Algo que a veces le resta consistencia al conjunto del anime. Especialmente, hay bastante consenso entre los aficionados de que el episodio 15, firmado por el director Osamu Kobayashi, desentona con el resto de la serie.
Dororo es un personaje callejero que aún no ha superado la niñez y sobrevive sin sus padres entre rateros en mitad del Japón de estados en guerra hasta que se topa con Hyakkimaru; un ser desprovisto de prácticamente todas las partes de su cuerpo, que carece de vista, oído y demás sentidos pero compensa con una visión sobrenatural ante el "aura" de los seres vivos y unas espadas camufladas en el lugar de sus brazos protésicos.
Dororo y Hyakkimaru inician un camino juntos enfrentándose a demonios que poseen las partes que robaron a Hyakkimaru cuando nació; y devolviéndoselas cuando son derrotados. Siendo huérfanos o abandonados por sus padres, ambos personajes conectan pronto y se complementan llegando a depender Hyakkimaru, alguien capaz de matar un enorme demonio, más de Dororo que Dororo de Hyakkimaru.
Es un anime de época, lleno de acción y seres sobrenaturales en medio de la cruel era Sengoku. Pese a todo tiene un toque natural de humor mezclado con filosofía y dramatismo. Es un anime muy recomendable por su valor estético y personajes interesantes.
Destacan el tema musical del opening de la banda J-Rock Queen Bee, 火炎 "Kaen"; y el tema del ending de la banda J-Rock Amazarashi, "Sayonara Gokko". Que son un gran envoltorio para los 24 minutos de la primera mitad de sus 24 episodios.
Amazon Primevideo ha ofrecido el anime prácticamente en simulcast. Con un nuevo episodio cada semana desde principios de 2019 hasta que se concluyó su emisión en Japón.
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Freddyncalm
el
16.9.19
Dororo (2019)
2019-09-16T03:37:00+02:00
Freddyncalm
accion|aventura|drama|fantasia|historico|rural|samurais|seinen|sobrenatural|
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domingo, 11 de agosto de 2019
Modest Heroes『ちいさな英雄』 Chiisana eiyū
Tras su primer largo como estudios herederos de los medio extintos Ghibli, Mary y la flor de la bruja, Studio Ponoc estrenó en 2018 esta película de animación compuesta de tres cortometrajes de distintos directores del estudio.
Modest Heroes, con título original 『小さな英雄』ーカニとたまごと透明人間ー (Chiisana eiyū. Kani to tamago to tōmei ningen.) Nos muestra tres historias de héroes pequeños. Pequeños, en todos los sentidos que puede tener la palabra. Y sin embargo no es una película dirigida exclusivamente al público pequeño de edad. Al contrario, me ha sorprendido especialmente la segunda y tercera historia; que en absoluto se acercan a obras del estilo de "Totoro" o "Ponyo" y quizás, se puede decir, se alejan del influjo del "genio cascarrabias", Hayao Miyazaki, para experimentar otros campos de la animación moderna. Con tres diferentes formas de ver la animación.
El corto de Hiromasa Yonebayashi 『カニーニとカニーノ』(Kanini to Kanino), muestra a unos héroes de tamaño reducido, recordando a aquellos personajes que fueron adaptados de la novela de Mary Norton, "The borrowers", con la que Yonebayasi debutó como director de anime en "Arrietty" estando aún en Studio Ghibli, pero en este caso los hermanos Kanini y Kanino son unas criaturas anfibias que viven bajo el agua. Este hecho hace que la historia carezca prácticamente de diálogos; Y sea una experiencia puramente visual, con una sucesión de imágenes técnicamente impecables.
El segundo cortometraje, dirigido por Yoshiyuki Momose, 『サムライエッグ』(Samurai Egg) -Life Ain't Gonna Lose- es un drama de superación que quita el aliento. No en el sentido de una historia trepidante de acción, sino todo lo contrario. Es una historia realista del mundo actual donde se muestra la vida de un niño que debido a una enfermedad, alergia al huevo, no puede hacer vida normal como los demás y el modo valiente en que afronta sus problemas, como un pequeño gran héroe.
El tercer cortometraje, dirigido por Akihiko Yamashita, 『透明人間』(Tōmei ningen), es quizás el más surrealista; Mostrando la triste vida de un hombre invisible, tan invisible que la gente no sólo no le ve sino que no le hace ni caso. Pero todo el mundo puede ser un héroe. Por muy insignificante que crea ser para los demás.
El cuarto cortometraje nunca se llegó a terminar. Ya que Studio Ponoc lo encargó a Isao Takahata antes de su muerte en abril de 2018(con 82 años) y se quedó sin hacer. Sin embargo, su influencia es agradecida por todo el estudio; y creo que con "Samurai Egg" se suple en parte su ausencia dado que Momose ha hecho un guión que realmente conmueve y alegra a partes iguales y ha sabido dar vida a la animación de sus personajes próxima al nivel que lograba Takahata porque, no en vano, Yoshiyuki Momose fue mano derecha de Takahata.
Modest Heroes, con título original 『小さな英雄』ーカニとたまごと透明人間ー (Chiisana eiyū. Kani to tamago to tōmei ningen.) Nos muestra tres historias de héroes pequeños. Pequeños, en todos los sentidos que puede tener la palabra. Y sin embargo no es una película dirigida exclusivamente al público pequeño de edad. Al contrario, me ha sorprendido especialmente la segunda y tercera historia; que en absoluto se acercan a obras del estilo de "Totoro" o "Ponyo" y quizás, se puede decir, se alejan del influjo del "genio cascarrabias", Hayao Miyazaki, para experimentar otros campos de la animación moderna. Con tres diferentes formas de ver la animación.
El corto de Hiromasa Yonebayashi 『カニーニとカニーノ』(Kanini to Kanino), muestra a unos héroes de tamaño reducido, recordando a aquellos personajes que fueron adaptados de la novela de Mary Norton, "The borrowers", con la que Yonebayasi debutó como director de anime en "Arrietty" estando aún en Studio Ghibli, pero en este caso los hermanos Kanini y Kanino son unas criaturas anfibias que viven bajo el agua. Este hecho hace que la historia carezca prácticamente de diálogos; Y sea una experiencia puramente visual, con una sucesión de imágenes técnicamente impecables.
El segundo cortometraje, dirigido por Yoshiyuki Momose, 『サムライエッグ』(Samurai Egg) -Life Ain't Gonna Lose- es un drama de superación que quita el aliento. No en el sentido de una historia trepidante de acción, sino todo lo contrario. Es una historia realista del mundo actual donde se muestra la vida de un niño que debido a una enfermedad, alergia al huevo, no puede hacer vida normal como los demás y el modo valiente en que afronta sus problemas, como un pequeño gran héroe.
El tercer cortometraje, dirigido por Akihiko Yamashita, 『透明人間』(Tōmei ningen), es quizás el más surrealista; Mostrando la triste vida de un hombre invisible, tan invisible que la gente no sólo no le ve sino que no le hace ni caso. Pero todo el mundo puede ser un héroe. Por muy insignificante que crea ser para los demás.
El cuarto cortometraje nunca se llegó a terminar. Ya que Studio Ponoc lo encargó a Isao Takahata antes de su muerte en abril de 2018(con 82 años) y se quedó sin hacer. Sin embargo, su influencia es agradecida por todo el estudio; y creo que con "Samurai Egg" se suple en parte su ausencia dado que Momose ha hecho un guión que realmente conmueve y alegra a partes iguales y ha sabido dar vida a la animación de sus personajes próxima al nivel que lograba Takahata porque, no en vano, Yoshiyuki Momose fue mano derecha de Takahata.
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Freddyncalm
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11.8.19
Modest Heroes『ちいさな英雄』 Chiisana eiyū
2019-08-11T04:23:00+02:00
Freddyncalm
aventura|comedia|drama|fantasia|madurez|surrealismo|vivencias|
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lunes, 8 de julio de 2019
One Punch Man
La primera temporada del anime fue realizada por el estudio Madhouse y emitida en Japón en la temporada de otoño de 2015.
Saitama es un hombre que ha logrado una fuerza sobrehumana a base de mucho entrenar, quedándose calvo en el proceso.
Se ha hecho tan fuerte que cualquier villano que se ha puesto en su camino sólo le ha durado un puñetazo. Lo cual hace que su vida se haya vuelto tediosa y aburrida.
El autor del web-cómic original se hace llamar ONE y es también responsable de otra obra con personaje con poderes sobrenaturales, MOB-100 Psycho. Ambas muy populares.
Aunque puede ser que el humor tontorrón y absurdo no cale al principio; esa parte es quizás la más original y divertida de la serie. Aunque, al margen de procurar mostrar la situación cada vez más absurda posible, la serie tiene una línea argumental y desarrolla varios personajes que se van conociendo poco a poco.
En 2019 se inició una segunda temporada por parte de un estudio de animación diferente (J.C. Staff) y parece que el cambio afectó al estilo de su dibujo y algún fan del anime va de camino de quedarse como Saitama, de tanto tirarse de los pelos.
Aún no he visto la segunda temporada, pero la primera no está mal; como cabe esperar del estudio que la produce. Y vale para pasar algún rato divertido.
Saitama es un hombre que ha logrado una fuerza sobrehumana a base de mucho entrenar, quedándose calvo en el proceso.
Se ha hecho tan fuerte que cualquier villano que se ha puesto en su camino sólo le ha durado un puñetazo. Lo cual hace que su vida se haya vuelto tediosa y aburrida.
El autor del web-cómic original se hace llamar ONE y es también responsable de otra obra con personaje con poderes sobrenaturales, MOB-100 Psycho. Ambas muy populares.
Aunque puede ser que el humor tontorrón y absurdo no cale al principio; esa parte es quizás la más original y divertida de la serie. Aunque, al margen de procurar mostrar la situación cada vez más absurda posible, la serie tiene una línea argumental y desarrolla varios personajes que se van conociendo poco a poco.
En 2019 se inició una segunda temporada por parte de un estudio de animación diferente (J.C. Staff) y parece que el cambio afectó al estilo de su dibujo y algún fan del anime va de camino de quedarse como Saitama, de tanto tirarse de los pelos.
Aún no he visto la segunda temporada, pero la primera no está mal; como cabe esperar del estudio que la produce. Y vale para pasar algún rato divertido.
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Freddyncalm
el
8.7.19
One Punch Man
2019-07-08T11:00:00+02:00
Freddyncalm
absurdo|accion|humor|
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sábado, 8 de junio de 2019
Made in Abyss - メイドインアビス
Esta serie se emitió en Japón entre julio y septiembre de 2017 en la temporada de anime de verano.
Adapta un seinen manga con, hasta la fecha, 8 tomos publicados.
El anime tiene 13 episodios, siendo el último algo más largo de lo habitual, pasando de unos 23 minutos de duración a un capítulo final de unos 47 minutos.
Además las cerca de 5 horas y media de serie han sido sintetizadas y readaptadas en enero de 2019 para estrenarse en cines japoneses en forma de dos películas.
Y se espera una continuación de la serie en forma de tercera película para enero de 2020.
Me ha gustado mucho y la recomiendo a casi cualquier tipo de público salvo a los más pequeños que podrían asustarse. Salvo que sean suficientemente maduros para comprender una historia de fantasía oscura con criaturas que devoran gente, educación espartana, amputaciones, eutanasia, gags sexuales y serias situaciones incluso escatológicas que suceden igual en la vida real.
La serie está contada como un cuento para adultos, o quizás tal vez como un prólogo del cuento final. Hace disfrutar un poco de la fantasía e incrementa el apetito por ir cada vez más allá y explorar lo extraño y desconocido.
Es una serie que inculca esa filosofía del explorador "Antes muerto que sin metas."
La música, dibujo, y escenarios están verdaderamente cuidados. Y el mundo presentado cobra tanto protagonismo, o más, que los personajes en sí.
El estudio que ha hecho la serie es Kinema Citrus, escisión de miembros de Production I.G. y los estudios BONES. Que también fueron responsables de series como Tokyo Magnitude 8.0.
Los personajes principales son Riko y Reg. Riko es una niña que vive en un horfanato ubicado en Orth, una ciudad de exploradores en torno a una profunda fosa abisal. Llamado simplemente Abismo. Con miles de metros de profundidad, cada capa guarda distintos tipos de criaturas y ecosistemas por explorar, y mayor dificultad para que los exploradores sobrevivan si intentan regresar.
Riko sólo quiere llegar a convertirse en exploradora de primera categoría, los llamados Silbatos blancos. Para ir quizás tras los pasos de su madre desaparecida cuando ella era pequeña.
Reg es el nombre que pone Riko a un extraño robot con forma de niño y brazos robóticos que aparece con amnesia en las primeras capas del abismo cuando los jóvenes del orfanato exploran las proximidades en busca de artefactos y extrañas reliquias que se cree llevan mucho tiempo en el Abismo; y es motivo por el que los exploradores arriesgan su vida para comerciar con ellos.
La serie es un viaje por todo el Abismo. Y avanza muy deprisa hasta el último episodio, tras el cuál una secuencia elaborada nos muestra los pasos de los protagonistas para continuar su aventura. Contiene mucha acción, sonrisas y lágrimas. No es una serie aburrida, ni, con tan pocos episodios, se pueden tomar el lujo de meter capítulos "de relleno".
Deja buen sabor de boca y ganas de ver la próxima película, o leer el manga bien sea en japonés, u otros idiomas en los que ha sido publicado, como el editado en España por Ivrea.
Adapta un seinen manga con, hasta la fecha, 8 tomos publicados.
El anime tiene 13 episodios, siendo el último algo más largo de lo habitual, pasando de unos 23 minutos de duración a un capítulo final de unos 47 minutos.
Además las cerca de 5 horas y media de serie han sido sintetizadas y readaptadas en enero de 2019 para estrenarse en cines japoneses en forma de dos películas.
Y se espera una continuación de la serie en forma de tercera película para enero de 2020.
Me ha gustado mucho y la recomiendo a casi cualquier tipo de público salvo a los más pequeños que podrían asustarse. Salvo que sean suficientemente maduros para comprender una historia de fantasía oscura con criaturas que devoran gente, educación espartana, amputaciones, eutanasia, gags sexuales y serias situaciones incluso escatológicas que suceden igual en la vida real.
La serie está contada como un cuento para adultos, o quizás tal vez como un prólogo del cuento final. Hace disfrutar un poco de la fantasía e incrementa el apetito por ir cada vez más allá y explorar lo extraño y desconocido.
Es una serie que inculca esa filosofía del explorador "Antes muerto que sin metas."
La música, dibujo, y escenarios están verdaderamente cuidados. Y el mundo presentado cobra tanto protagonismo, o más, que los personajes en sí.
El estudio que ha hecho la serie es Kinema Citrus, escisión de miembros de Production I.G. y los estudios BONES. Que también fueron responsables de series como Tokyo Magnitude 8.0.
Los personajes principales son Riko y Reg. Riko es una niña que vive en un horfanato ubicado en Orth, una ciudad de exploradores en torno a una profunda fosa abisal. Llamado simplemente Abismo. Con miles de metros de profundidad, cada capa guarda distintos tipos de criaturas y ecosistemas por explorar, y mayor dificultad para que los exploradores sobrevivan si intentan regresar.
Riko sólo quiere llegar a convertirse en exploradora de primera categoría, los llamados Silbatos blancos. Para ir quizás tras los pasos de su madre desaparecida cuando ella era pequeña.
Reg es el nombre que pone Riko a un extraño robot con forma de niño y brazos robóticos que aparece con amnesia en las primeras capas del abismo cuando los jóvenes del orfanato exploran las proximidades en busca de artefactos y extrañas reliquias que se cree llevan mucho tiempo en el Abismo; y es motivo por el que los exploradores arriesgan su vida para comerciar con ellos.
La serie es un viaje por todo el Abismo. Y avanza muy deprisa hasta el último episodio, tras el cuál una secuencia elaborada nos muestra los pasos de los protagonistas para continuar su aventura. Contiene mucha acción, sonrisas y lágrimas. No es una serie aburrida, ni, con tan pocos episodios, se pueden tomar el lujo de meter capítulos "de relleno".
Deja buen sabor de boca y ganas de ver la próxima película, o leer el manga bien sea en japonés, u otros idiomas en los que ha sido publicado, como el editado en España por Ivrea.
jueves, 2 de mayo de 2019
Sabores de la juventud - Shiki Oriori - Flavors of youth
Comix Wave, los estudios productores de Kimi no na wa (Your Name), sin Makoto Shinkai al timón, ofrecieron sus medios y recursos para crear este largometraje de hora y cuarto de duración compuesto de tres historias entrelazadas dirigidas por tres distintos directores y temas diferentes que podrían converger en un vuelo de ida y vuelta de Japón a China.
Esta película se narra con la técnica de "Cadáver exquisito", que consiste en crear una obra entre varias personas con cierto leitmotiv. En este caso tenemos tres historias protagonizadas por jóvenes que maduran en distintos lugares de China. Mostrándonos cómo es la vida de ciudad en aquel país.
Esta película está disponible en Netflix desde hace unos meses y, aunque puede que no despierte tanto interés como las de Shinkai, muestra un dibujo y lenguaje narrativo interesante para los más incondicionales de la animación.
Aunque la película no haya cosechado una mínima parte del éxito de las de Shinkai entre público y crítica y no se haya promocionado apenas en distintos medios es una suerte que aún pueda verse por Netflix y creo que merece una poca atención.
Los directores de esta película en tres episodios son Xiaoxing Yi, Yoshitaka Takeuchi y Haoling Li. (Por normas del castellano el nombre propio japonés(Yoshitaka) se escribe delante aunque, igual que los chinos, el nombre propio escrito en japonés iría detrás del apellido. Así pasa en la historia china en que se basa Dragon Ball, y Son Goku tiene el nombre escrito al estilo chino. Yendo el apellido, Son, delante.)
La primera historia de Xiaoxing Yi, apodado Jiaoshou Yi Xiaoxing, nos habla de un viaje para recuperar un sabor de la infancia. Es el corto más gastronómico de todos.
La segunda historia, dirigida por Takeuchi, habla de una chica que empieza a perder la vitalidad necesaria para una profesión tan exigente como la de modelo y la relación con su hermana estudiante que entra en conflicto al depender una de la otra.
La tercera historia está dirigida por el chino Haoling Li. Es la historia que más me gusta personalmente aunque quizás peque de una cierta falta de originalidad en la trama de amor perdido de la juventud y juego con el tiempo, que recuerda bastante a la propia Your Name. Y eso ya lo ha hecho mil veces el propio Makoto Shinkai.
Esta película se narra con la técnica de "Cadáver exquisito", que consiste en crear una obra entre varias personas con cierto leitmotiv. En este caso tenemos tres historias protagonizadas por jóvenes que maduran en distintos lugares de China. Mostrándonos cómo es la vida de ciudad en aquel país.
Esta película está disponible en Netflix desde hace unos meses y, aunque puede que no despierte tanto interés como las de Shinkai, muestra un dibujo y lenguaje narrativo interesante para los más incondicionales de la animación.
Aunque la película no haya cosechado una mínima parte del éxito de las de Shinkai entre público y crítica y no se haya promocionado apenas en distintos medios es una suerte que aún pueda verse por Netflix y creo que merece una poca atención.
Los directores de esta película en tres episodios son Xiaoxing Yi, Yoshitaka Takeuchi y Haoling Li. (Por normas del castellano el nombre propio japonés(Yoshitaka) se escribe delante aunque, igual que los chinos, el nombre propio escrito en japonés iría detrás del apellido. Así pasa en la historia china en que se basa Dragon Ball, y Son Goku tiene el nombre escrito al estilo chino. Yendo el apellido, Son, delante.)
La primera historia de Xiaoxing Yi, apodado Jiaoshou Yi Xiaoxing, nos habla de un viaje para recuperar un sabor de la infancia. Es el corto más gastronómico de todos.
La segunda historia, dirigida por Takeuchi, habla de una chica que empieza a perder la vitalidad necesaria para una profesión tan exigente como la de modelo y la relación con su hermana estudiante que entra en conflicto al depender una de la otra.
La tercera historia está dirigida por el chino Haoling Li. Es la historia que más me gusta personalmente aunque quizás peque de una cierta falta de originalidad en la trama de amor perdido de la juventud y juego con el tiempo, que recuerda bastante a la propia Your Name. Y eso ya lo ha hecho mil veces el propio Makoto Shinkai.
Publicado por
Freddyncalm
el
2.5.19
Sabores de la juventud - Shiki Oriori - Flavors of youth
2019-05-02T22:58:00+02:00
Freddyncalm
madurez|melodrama|romance|vivencias|
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viernes, 5 de abril de 2019
Kimi no suizō wo tabetai / Quiero comerme tu páncreas
“-¿En serio te estás muriendo?- -Sí, me muero.-”
Básicamente con esa frase, empieza esta conmovedora a la par
que positiva película, del mejor anime que disfrutamos últimamente.
Tras verla en el Festival de Anime de Navarra(FAN) 2019
abriendo la temporada de la mano de Selecta y tras volver a reversionarla me ha
hecho decidirme a desempolvarme como articulista aficionado otra vez, por lo tanto,
que mejor recomendación que esta.
Es una obra en que los spoilers no importan, porque ya
sabemos cómo va a acabar y aun así se disfruta igual o más si cabe.
A través de estas frases tan sencillas como demoledoras, los
protagonistas nos guían por esta adaptación al anime de Shin'ichirō Ushijima(Death Parade/One Punch Man) de la novela Best seller de Yoru
Sumino. Que también fue ilustrada en manga por Idumi Kirihara y llevada al cine con actores de carne y hueso.
El casi debutante Shin'ichirô Ushijima(“sólo” ha colaborado
en Death Parade/One Punch Man, casi nada…), pero este es su primer trabajo en
solitario, y nos deleita con una exquisita obra a cargo de Studio Volton con
una buena factura en el dibujo.
Con un título muy curioso y con un aire a Silent Voice de
la que, si no hubieramos hablado ya, sería imprescindible hacerlo en este blog, y bajo la sombra del éxito
Kimi no na wa (Your name), es una drama amoroso, que sin ser excesivamente
original, se introduce en un tema manido de amores imposibles y trágicos, pero
que tiene la virtud de ser el primer anime de esta temática que acierta en
mantener el interés y sobre todo que trata el enfrentamiento a la muerte de
forma tan directa y vívida.
Un anime que enseña a vivir muriendo. Y así lo expresa la protagonista con esa vitalidad exultante a punto de apagarse con más frases como “Para mi estar viva es la posibilidad de conectar el corazón con otras personas”
Y como, para el viaje con la parca, hacen falta pocas alforjas, añade: “Tú me vales…” y así es como entabla una curiosa relación con un chico solitario encerrado en su mundo y en su zona de confort, pero que acabará siendo su escudero sentimental y compañero hasta sus últimos días.
“Por favor quédate conmigo, solo un poco más…” Sin necesidad de preocupaciones excesivas, ni dramas gratuitos, solo con sinceridad y con amor incondicional.
“Hoy hay otro sitio al que me gustaría ir antes de morir” y viviendo cada día como si fuera el ultimo, sabiendo que el destino se acerca y que al final sólo quedará lo vivido y compartido.
“Lo que necesita es tener a alguien al lado que se preocupe por ella” Y no es eso en el fondo lo que todos necesitamos, nos estemos muriendo ahora o más adelante. Y esa persona o preocupación puede ser de la manera más atípica posible, pero al final no importa el quién, si no el cómo.
“Todas mis decisiones me llevaron a conocerte” A diferencia de Kimi no na wa, habla del destino, pero de forma diferente, no con un hilo rojo del destino que te hace coincidir de forma predestinada, sino de cómo cada una de las elecciones que haces en la vida te lleva a conocer a personas que de otra forma no habrías conocido. Da que pensar, ¿no?
Para terminar, comentar la excelente banda sonora de Hiroko Sebu, y mención especial el ending, de la mano del grupo Sumika con el tema “Haru Natsu Aki Fuyu”.
Que si has conseguido no soltar ni una lagrimilla durante todo el filme y escuchas este tema junto con la letra, y cómo se va introduciendo muy dentro (Como los temas de 5 centímetros por segundo)… Al final, te acabara tocando la fibra.
Aqui dejo un link para que disfrutéis la canción tal como suena en la película: https://youtu.be/D7pei7AX58k
Publicado por
OutVader_(Iñaki/Lamar)
el
5.4.19
Kimi no suizō wo tabetai / Quiero comerme tu páncreas
2019-04-05T12:00:00+02:00
OutVader_(Iñaki/Lamar)
drama|madurez|romance|seinen|vivencias|
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lunes, 18 de marzo de 2019
Mirai no Mirai - 未来のミライ
El 15 de marzo se estrenó en España la última película de Mamoru Hosoda con el título de "Mirai, mi hermana pequeña".
En Japón se estrenó en verano de 2018, y su título original es 『未来のミライ』(Mirai no Mirai). En este caso 未来 Mirai, el compuesto en kanji, significa futuro, o algo más concretamente, "el mundo que está por venir". Y Mirai también es el nombre de la nueva hermana de Kun, el protagonista de la peli.
Este juego de palabras hace la traducción algo complicada. Se podría interpretar simplemente como "El Futuro de Mirai" pero también como "El mundo que está por venir donde está Mirai", o "Mirai, que representa el futuro". El idioma es así de ambiguo.
De todos modos uno de los títulos internacionales es "Mirai of the Future". Y el chino de Taiwan es 未來的未來。
El argumento es sencillo: Kun-chan con apenas 4 años espera despreocupadamente la llegada de su nueva hermana pequeña Mirai con la que seguro va a poder jugar mucho más que antes cuando era hijo único. Pero no ha asumido que todavía será pequeña para jugar y que sus padres, que hasta entonces siempre se habían preocupado de él por encima de todo lo demás, en ese momento tendrán la prioridad de hacerse cargo del bebé.
Como cabe esperar en un niño de su edad, los celos y las ganas de llamar la atención más de la cuenta lo llevan a comportarse de forma deplorable hasta que empieza a recibir visitas de otros familiares y allegados de otro tiempo y le muestran su punto de vista y el modo en que ellos actuaban antes que él, y lo improbable que es que Kun-chan y cada miembro de su familia hayan llegado hasta su tiempo y pensar en las posibles consecuencias que su comportamiento puede acarrear en el futuro.
Hosoda ha logrado con esta película su primera nominación al Oscar a Mejor película de Animación; quedando finalista entre los 5 nominados del año.
En mi opinión no es tan profunda como sus anteriores obras pero eso es algo totalmente intencionado.
Hosoda no quiere mostrar una historia llena de acción y situaciones sorprendentes donde un niño hace cosas imposibles y "salva el mundo". Sino todo lo contrario. Una historia donde un niño es un niño y no pasa nada especial. Eso es lo original y lo bueno de la película.
Tiene una buena dosis de escenarios donde destaca Yokohama y la prefectura de Kanagawa. Y la estación de Tokio con cierta subjetividad desde los ojos del niño, algo reformada, con toques de viejas estaciones parisinas y londinenses, según ha explicado Hosoda en varias entrevistas sobre el film.
La película es una serie de relatos divertidos bien hilados que poco a poco se van anticipando en la trama.
Destaca por el color y dibujo detallado al que nos tiene acostumbrados Mamoru en todas sus películas desde "La chica que saltaba a través del tiempo" a "El niño y la bestia" y una puesta en escena realista que contrasta con el toque de fantasía y la comedia salpicada con distintas emociones que transmite la transición del pequeño niño protagonista hacia una prematura madurez como corresponde a un hermano mayor.
También se pueden apreciar, en escenarios y situaciones, continuas alusiones sutiles a todas esas anteriores películas de Hosoda. Como si dijera -Mirad. ¿Os acordáis de esta escena en la otra película que hice?-
En Japón se estrenó en verano de 2018, y su título original es 『未来のミライ』(Mirai no Mirai). En este caso 未来 Mirai, el compuesto en kanji, significa futuro, o algo más concretamente, "el mundo que está por venir". Y Mirai también es el nombre de la nueva hermana de Kun, el protagonista de la peli.
Este juego de palabras hace la traducción algo complicada. Se podría interpretar simplemente como "El Futuro de Mirai" pero también como "El mundo que está por venir donde está Mirai", o "Mirai, que representa el futuro". El idioma es así de ambiguo.
De todos modos uno de los títulos internacionales es "Mirai of the Future". Y el chino de Taiwan es 未來的未來。
El argumento es sencillo: Kun-chan con apenas 4 años espera despreocupadamente la llegada de su nueva hermana pequeña Mirai con la que seguro va a poder jugar mucho más que antes cuando era hijo único. Pero no ha asumido que todavía será pequeña para jugar y que sus padres, que hasta entonces siempre se habían preocupado de él por encima de todo lo demás, en ese momento tendrán la prioridad de hacerse cargo del bebé.
Como cabe esperar en un niño de su edad, los celos y las ganas de llamar la atención más de la cuenta lo llevan a comportarse de forma deplorable hasta que empieza a recibir visitas de otros familiares y allegados de otro tiempo y le muestran su punto de vista y el modo en que ellos actuaban antes que él, y lo improbable que es que Kun-chan y cada miembro de su familia hayan llegado hasta su tiempo y pensar en las posibles consecuencias que su comportamiento puede acarrear en el futuro.
Hosoda ha logrado con esta película su primera nominación al Oscar a Mejor película de Animación; quedando finalista entre los 5 nominados del año.
En mi opinión no es tan profunda como sus anteriores obras pero eso es algo totalmente intencionado.
Hosoda no quiere mostrar una historia llena de acción y situaciones sorprendentes donde un niño hace cosas imposibles y "salva el mundo". Sino todo lo contrario. Una historia donde un niño es un niño y no pasa nada especial. Eso es lo original y lo bueno de la película.
Tiene una buena dosis de escenarios donde destaca Yokohama y la prefectura de Kanagawa. Y la estación de Tokio con cierta subjetividad desde los ojos del niño, algo reformada, con toques de viejas estaciones parisinas y londinenses, según ha explicado Hosoda en varias entrevistas sobre el film.
La película es una serie de relatos divertidos bien hilados que poco a poco se van anticipando en la trama.
Destaca por el color y dibujo detallado al que nos tiene acostumbrados Mamoru en todas sus películas desde "La chica que saltaba a través del tiempo" a "El niño y la bestia" y una puesta en escena realista que contrasta con el toque de fantasía y la comedia salpicada con distintas emociones que transmite la transición del pequeño niño protagonista hacia una prematura madurez como corresponde a un hermano mayor.
También se pueden apreciar, en escenarios y situaciones, continuas alusiones sutiles a todas esas anteriores películas de Hosoda. Como si dijera -Mirad. ¿Os acordáis de esta escena en la otra película que hice?-
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Freddyncalm
el
18.3.19
Mirai no Mirai - 未来のミライ
2019-03-18T01:20:00+01:00
Freddyncalm
comedia|fantasia|vivencias|
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jueves, 28 de febrero de 2019
Ninja Batman
Esta película, distribuída por Warner Bros a nivel mundial y disponible en Netflix, está realizada por los estudios Kamikaze Douga que son conocidos por algunas series de Jojo o el anime Poputepipikku.
Es un largometraje anime que presenta al héroe de capa de murciélago famoso de DC comics en una atípica situación donde retrocede en el tiempo para enfrentarse una vez más al Joker y a señores daimyo, que han sido reemplazados por otros archienemigos de la franquicia fugados de Arkham, en el Japón feudal de entre guerras.
La realización y ritmo es bastante buena con una historia medianamente compleja y multitud de personajes del mundo de Batman y de las leyendas del Japón del período "sengoku".
Es una película con mucha acción y bastante fantasía. Agudizando el ingenio para lograr los sofisticados artilugios del héroe enmascarado pero apenas con los medios disponibles 5 o 6 siglos atrás, dándole algo más que un toque steampunk a la película.
La película es original al cambiar su escenario habitual de Gotham por el antiguo Japón mezclando dos cosas que no existen en la realidad como Batman y los ninja. Jeje. Pero funciona y entrentiene.
No es la primera película anime de Batman que se estrena pero sí la primera realizada integramente por estos estudios a modo de película guionizada sin episodios sueltos.
La realización y ritmo es bastante buena con una historia medianamente compleja y multitud de personajes del mundo de Batman y de las leyendas del Japón del período "sengoku".
Es una película con mucha acción y bastante fantasía. Agudizando el ingenio para lograr los sofisticados artilugios del héroe enmascarado pero apenas con los medios disponibles 5 o 6 siglos atrás, dándole algo más que un toque steampunk a la película.
La película es original al cambiar su escenario habitual de Gotham por el antiguo Japón mezclando dos cosas que no existen en la realidad como Batman y los ninja. Jeje. Pero funciona y entrentiene.
No es la primera película anime de Batman que se estrena pero sí la primera realizada integramente por estos estudios a modo de película guionizada sin episodios sueltos.
Publicado por
Freddyncalm
el
28.2.19
Ninja Batman
2019-02-28T16:00:00+01:00
Freddyncalm
accion|aventura|fantasia|militar|samurais|
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martes, 29 de enero de 2019
Un asunto de familia 『万引き家族』Shoplifters
La primera película con la que el prolífico cineasta Hirokazu Koreeda (ya reseñado en este blog con Kiseki) ha conseguido nominación a Mejor Película de habla no inglesa para los premios Oscar de 2019 se titula en japonés "Manbiki kazoku" (familia hurtadora). Conocida internacionalmente como "Shoplifters", o "Un asunto de familia" en España.
No es una película de acción, ni de un gran sentido de la comedia o el drama pero relata de forma muy serena y realista el día a día de una "típica familia japonesa" contado desde el prisma del contraste y los extremos de la marginación que, de todas formas, son casos que bien pueden suceder en la realidad de forma aislada. Sólo que en el caso de esta "típica familia" se juntan en uno.
El director, guionista, editor, y productor nos muestra su idea de forma casual, quizás con un ritmo demasiado sereno a la hora de dosificar la información sobre la situación que nos presenta. Pero lo hace sin contar nada superfluo, ni ocultar detalles imprescindibles para entender la historia al llegar al final de la película.
Quizás con un final muy japonés. Con la estética de lo inconcluso donde: "El final perfecto es inconcluso." 未完(mikan = inconcluso - Palabra compuesta por los kanji de "todavía no" y "perfecto"). Un final que mira directamente al espectador y le hace preguntarse por todos los temas que se tratan en las cerca de dos horas que dura la película y que realmente están todavía sin resolver; Especialmente en la sociedad japonesa.
Temas como la familia, la "verdadera familia", el maltrato, las adopciones, el juego, la eufemísticamente llamada industria del entretenimiento de compañía, o la industria sexual, el valor que se le confiere al dinero, la propiedad ajena, etc; son temas que se retratan mediante un prisma de personajes que todo el mundo diría que no hacen bien las cosas pero esta "familia hurtadora" acaba por robarte el corazón.
La discreta banda sonora acompaña al ritmo de la película con el estilo de un veterano musical llamado Haruomi Hosono que la ha realizado pasando ya de los 70 años. Este músico tiene cierta relación con la vieja película de Ghibli de 1984, "Nausicaä del valle del viento".
Haruomi Hosono no es el compositor de Nausicaä, sino Joe Hisaishi (eterno compositor de películas Ghibli); pero resulta que el motivo musical, la canción que canta la protagonista cuando es niña y se repite sin parar en Nausicaä, la compuso este mismo músico, que fue miembro fundador de la banda folk-rock "Happy End" y de la banda techno-electro j-pop YMO "Yellow Magic Orchestra". Además una de sus canciones, "Kaze wo atsumete", aparece en la película de 2003 de Sofia Coppola "Lost in translation".
Por último, aunque sea su primera nominación al Oscar, y habiendo visto también la impresionante Roma de Cuarón con la que compite, deseo que Koreeda se lleve la estatuilla porque con ésta y las anteriores películas de su carrera ha demostrado que domina bien el medio del lenguaje cinematográfico. Que haya suerte.
No es una película de acción, ni de un gran sentido de la comedia o el drama pero relata de forma muy serena y realista el día a día de una "típica familia japonesa" contado desde el prisma del contraste y los extremos de la marginación que, de todas formas, son casos que bien pueden suceder en la realidad de forma aislada. Sólo que en el caso de esta "típica familia" se juntan en uno.
El director, guionista, editor, y productor nos muestra su idea de forma casual, quizás con un ritmo demasiado sereno a la hora de dosificar la información sobre la situación que nos presenta. Pero lo hace sin contar nada superfluo, ni ocultar detalles imprescindibles para entender la historia al llegar al final de la película.
Quizás con un final muy japonés. Con la estética de lo inconcluso donde: "El final perfecto es inconcluso." 未完(mikan = inconcluso - Palabra compuesta por los kanji de "todavía no" y "perfecto"). Un final que mira directamente al espectador y le hace preguntarse por todos los temas que se tratan en las cerca de dos horas que dura la película y que realmente están todavía sin resolver; Especialmente en la sociedad japonesa.
Temas como la familia, la "verdadera familia", el maltrato, las adopciones, el juego, la eufemísticamente llamada industria del entretenimiento de compañía, o la industria sexual, el valor que se le confiere al dinero, la propiedad ajena, etc; son temas que se retratan mediante un prisma de personajes que todo el mundo diría que no hacen bien las cosas pero esta "familia hurtadora" acaba por robarte el corazón.
La discreta banda sonora acompaña al ritmo de la película con el estilo de un veterano musical llamado Haruomi Hosono que la ha realizado pasando ya de los 70 años. Este músico tiene cierta relación con la vieja película de Ghibli de 1984, "Nausicaä del valle del viento".
Haruomi Hosono no es el compositor de Nausicaä, sino Joe Hisaishi (eterno compositor de películas Ghibli); pero resulta que el motivo musical, la canción que canta la protagonista cuando es niña y se repite sin parar en Nausicaä, la compuso este mismo músico, que fue miembro fundador de la banda folk-rock "Happy End" y de la banda techno-electro j-pop YMO "Yellow Magic Orchestra". Además una de sus canciones, "Kaze wo atsumete", aparece en la película de 2003 de Sofia Coppola "Lost in translation".
Por último, aunque sea su primera nominación al Oscar, y habiendo visto también la impresionante Roma de Cuarón con la que compite, deseo que Koreeda se lleve la estatuilla porque con ésta y las anteriores películas de su carrera ha demostrado que domina bien el medio del lenguaje cinematográfico. Que haya suerte.
Publicado por
Freddyncalm
el
29.1.19
Un asunto de familia 『万引き家族』Shoplifters
2019-01-29T22:19:00+01:00
Freddyncalm
comedia|melodrama|vivencias|
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