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lunes, 31 de diciembre de 2018

Despedidas - おくりびと Okuribito

Para despedir el año aquí dejo una pequeña reseña y opinión de la película de acción-real "Despedidas" para variar un poco y saldar cierta deuda pendiente cuando escribí la reseña del primer live-action comentado en el blog, Kiseki. Para aquellos que aún no hayan visto esta buena película o quieran echar un poco la vista atrás.

El premio Oscar a mejor película extranjera de 2008 se lo llevó Japón con esta película.

Parte de una estructura clásica donde el protagonista se ve obligado a abandonar su vida cotidiana y empezar una nueva vida no exenta de dificultades. Alguien le guía y podrá acabar recuperando el impulso en su vida. (Piensa por ejemplo en "A new hope", de Star Wars.)

El personaje protagonista se llama Daigo el cuál se ve repentinamente sin trabajo tras pagar un gran crédito para el carísimo cello con el que actuaba en una orquesta sinfónica de Tokio al disolverse ésta. El alto nivel de vida de la ciudad y la falta de recursos le obliga a mudarse con su pareja a su tierra natal en Yamagata para llevar una vida más modesta. El primer trabajo que encuentra es un tanto peculiar, asistente de funerales.


La película conocida en inglés como "Departures", en japonés se titula 『おくりびと』 (Okuribito). En su sentido literal se refiere a las personas que acompañan a despedir a alguien por ejemplo en un aeropuerto o en una estación. Y no a una despedida en sí.

En clave de comedia, donde tristeza y alegría se entremezclan sutilmente, muestra ese equilibrio natural que hay entre la vida y la muerte. No hay nada como pensar en la muerte para aprender a disfrutar de la vida.

Lo que esta película hace muy bien es mostrar el contraste entre costumbre antigua llena de simbolismo del ritual funerario japonés y modo moderno corporativo carente de tacto, interesado en el volumen de negocio más que en el detalle y aportar consuelo a familiares y seres queridos del fallecido.

Pese al tema que trata no llega a extremos escabrosos y ofrece una buena dosis de humor e ironía haciendo más ligeras las dos horas y poco que dura la película.

En el tema musical, los habituales de este blog seguro que conocen más de una obra del compositor de la banda sonora que es, el músico fetiche de Miyazaki y otros directores del estudio Ghibli, Joe Hisaishi.

Un dato que siempre me llama la atención, cuando aparece, es la música con la que comienza la película: el cuarto móvimiento de la novena sinfonía de Beethoven.

Es una pieza que escuchamos por todas partes, como himno de Europa, Eurovisión, en películas como La Jungla de Cristal, etc. Pero también parece muy habitual en obras japonesas. Podemos oirla en Evangelion, en Gunslinger Girls, Read or Die y otros animes, series japonesas y películas más.

Quizás porque llevan cerca de 100 años con costumbre en Japón de representar este movimiento en año nuevo y la pieza es bien conocida en todo el país, como en todo el mundo. Quizás el "Himno de la alegría" es una buena forma de expresar ese sentimiento.

En cuanto a lugares visitables, la película nos muestra ese Japón rural de Yamagata, tan alejado de la gran ciudad. Paisajes rurales y montaña del norte de Japón con una vida y costumbres tan inmensamente diferentes del urbanita mundo moderno. Algo diferente con un toque nostálgico que quizás inclinó la balanza para hacerse con la estatuilla dorada de Hollywood.
Publicado por Freddyncalm el 31.12.18
Despedidas - おくりびと Okuribito
2018-12-31T11:50:00+01:00
Freddyncalm
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Género: comedia , rural

miércoles, 21 de noviembre de 2018

Hataraku Saibō 『はたらく細胞』Cells at work

Esta serie anime empezó con fuerza este verano y se hizo muy popular en poco tiempo. No sólo en Japón sino por todo el mundo.

La serie es tan famosa que recientemente, desde el pasado 16 de noviembre, se ha estrenado una película de acción-real en cines japoneses basada en la obra. Y, como si no tuvieran bastante anime para emitir en las televisiones japonesas, tan sólo un mes después de concluirlo lo han vuelto a re-emitir en cadenas como Tokyo-MX.

Hataraku saibō(celulas que trabajan) muestra el cuerpo humano desde dentro de un modo muy similar a "Erase una vez la vida", serie educativa de origen francés de co-producción europea y otros países como Canadá, Suiza, España y, por supuesto Japón (que ha liderado la producción de series de animación desde hace mucho tiempo) que recordarán de los años 80s los más curtidos del lugar.

Hataraku saibō está basada en un manga orientado a público shōnen de la autora Akane Shimizu. Su fama ya es tan grande que cuenta con varios spin-off del manga en otros estilos, incluyendo manga para público shōjo y un manga seinen titulado "Hataraku saibō Black" que comentaré después.

La premisa de unos personajes antropomórficos que hacen de células, o determinados actantes de nuestro organismo, no es nueva. Pero sí lo es hacer una serie con mucha gracia, al mismo tiempo que afán de entretener y misma cantidad de rigor mientras enseña características de la biología del cuerpo humano con sus alrededor de 37 billones de células por humano adulto medio.

La trama cuenta con una protagonista, la eritrocito o hematíe novata con mal sentido de la orientación que acaba de empezar su trabajo como mensajera, un leucocito que se toma muy en serio su trabajo de avanzada en el sistema inmune, y las plaquetitas, otro grupo de células pequeñas y, como tales, en la serie tienen forma de simpáticos niños, de gran ayuda para el sistema inmunitario. Y varias células más que se van presentando poco a poco en un entramado urbanizado como una ciudad con sus calles señalizadas como 動脈 arterias, 静脈 venas, 肺 pulmones, etc. Y la importancia fundamental que tienen las células en el argumento de la serie; y buen funcionamiento de nuestro propio cuerpo.

Se muestran de forma muy entretenida los problemas que provocan virus y bacterias e incluso alergias al polen, larvas de anisakis e incluso el cáncer. Al mismo tiempo que se muestra el modo de actuar y procedencia de células sin las cuales realmente no podríamos vivir.

El anime tiene buenas dosis de acción, humor y metáforas con toque cultural japonés, donde el corazón es representado con toques de taiko y puertas torii por doquier. Mientras que un estornudo se representa con el lanzamiento de un cohete al exterior.

Esta serie hace que la biología se vuelva interesante. Y puede que sea causa de que nuevos médicos o biólogos empiecen su carrera con esta fantástica introducción. Que incluso a alguien a quien la hemoglobina y la sangre real le provoca cierta aversión puede gustarle y aprender cosas nuevas. Porque ciertos datos entran mejor con una sonrisa que a golpe de hincar los codos delante de un libro inanimado.

La música del opening es genial. Muy enérgica. El ending está cantado por el duo ClariS, aunque desde 2014 una de sus integrantes fue sustituida. Por lo tanto ya no son Clara y Alice (seudónimos) sino Clara y Karen.

La serie sólo tiene por ahora 13 episodios y deja con ganas de seguir viendo a los glóbulos rojos y demás vecinos hacer su trabajo.

El manga está siendo publicado también en inglés, y no me extrañaría verlo pronto también en librerías españolas. Aunque es más improbable que nos llegue el título seinen "Hataraku Saibō - Cells at work - BLACK", donde se muestra un cuerpo en peores condiciones con otras células protagonistas, esta vez con los roles invertidos de la estricta glóbulo blanco y un debilucho eritrocito que se enfrentan a situaciones límite. Aunque en los episodios del anime también se muestran situaciones complicadas para la supervivencia si no fuera porque al contrario que en "black" el sistema inmune suele estar fuerte y bien alimentado.

Es posible encontrar en Youtube, y otras plataformas, información y comparaciones de la serie con datos reales que identifican las distintas células-personaje con sus dimensiones reales o esperanza de vida. Hay incluso algún médico occidental que ha hecho vídeo-comentarios de varios episodios explicando lo acertados que son al respecto con la vida real.

Publicado por Freddyncalm el 21.11.18
Hataraku Saibō 『はたらく細胞』Cells at work
2018-11-21T18:00:00+01:00
Freddyncalm
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viernes, 26 de octubre de 2018

Night is short, walk on girl 『夜は短し、歩けよ乙女』(Yoru wa mijikashi, arukeyo otome)

El título del largometraje podríamos traducirlo como "La dama que camina en la corta noche"; aunque yo diría que si se ha decidido comercializar con el título internacional en inglés es porque es algo difícil de traducir al español.

Masaaki Yuuasa que recientemente nos ha llenado de obras suyas gracias a su estudio ScienceSARU, ha hecho este original film, estrenado en 2017, con una frescura, humor, y desparpajo como no había visto desde que el mismo director hiciese Mind Game (2004).

La película muestra a una chica con ganas de comerse el mundo en una larga, o corta, noche festiva de celebraciones por Kioto a la que la suerte le sonríe y a su sempai del instituto, que tras largas temporadas de hacerse el encontradizo casual ha decidido por fin declararse del modo más efectivo posible, pero la indiferencia de la chica y el azar no se lo pondrá nada fácil en esta alocada noche.

Esta comedia romántica tiene un estilo con toque nostálgico que muchos críticos han valorado positivamente y ha recibido muy merecidos premios a mejor película de animación.

Más allá de las situaciones alocadas que se viven se nos van mostrando una serie de personajes y avatares de sus vidas que se entrecruzan una y otra vez con los de esta intrigante damisela de pelo negro que quiere empezar a disfrutar de lo que considera ha de ser la vida adulta. Con ritmo y estructura perfectos y un guión finamente hilbanado, se sigue la historia con interés de principio a fin haciendo uso de recursos llenos de imaginación y fantasía. Y, sobre todo humor. El humor es algo que Yuuasa se toma muy en serio. Porque Yuuasa es un genio pero de los que se hacen entender.

Aunque se introduzcan elementos que en ocasiones puedan rozar lo absurdo, al menos te lo hace pasar bien.


Me es difícil hablar de la obra sin hacer comparaciones. He notado un atisbo de la magia que Satoshi Kon incorporaba en sus películas, con cierto toque de "Tokyo Godfathers" (Culpa mía que aún no haya reseña de este anime en el blog; lo corregiré pronto. Que Kon-sama me perdone.). E incluso, un atisbo de Paprika. Pero sobre todo tiene estilo propio capaz de pasar la mano por la cara a los actuales enfant-terrible del anime como Mamoru Hosoda o Makoto Shinkai. He dicho.

Pero al margen de lo que yo diga; simplemente hay que verla y dejarse llevar por su embriagador humor. Y si ya la has visto, volverla a ver. ¿A qué sí?

La obra está basada en manga de 5 tomos serializados por la revista Shounen Ace entre 2007 y 2009, o más bien está basada en la novela de 2006 de Tomihiko Morimi, un novelista que suele ambientar sus obras en Kioto y que también fue artífice de la novela Penguin Highway en 2010, y que el nuevo estudio Colorido eligió adaptar para su primera película largometraje estrenada este pasado verano de 2018. (Espero que podamos verla pronto).

Además existe también una serie anime anterior, de 2010, basada en obra del mismo novelista que también fue adaptada por Masaaki Yuuasa con 11 episodios para televisión, que son un aperitivo perfecto para esta película ya que los personajes que salen en ella son los mismos. Esa serie se llama "Yojōhan shinwa taikei" 『四畳半神話大系』o bien "The tatami galaxy". Y parece ser la parte que en la película se muestra a modo de flashbacks resumidos donde se relatan esos intentos de encuentros "casuales" que el sempai intenta crear cuando se encuentra en su segundo año de universidad en Kioto.

Quizás el dato que me resulta más "mind-blowing" de "Night is short, walk on girl" es que el compositor de la música es Michiru Ōshima, conocido por poner música a algunas series de anime con partituras que no dejan indiferentes; como Little Witch Academia, Full Metal Alchemist(2003, 2005), o So-Ra-No-Wo-To.

Al margen de este fantástico acompañamiento para toda la película se cuenta con los conocidos Asian Kung-Fu Generation para dar el toque pop a esta sencilla historia con situaciones cotidianas en la vida y exageraciones sin sentido pero llenas de significado.
Publicado por Freddyncalm el 26.10.18 1 comentario :
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Género: absurdo , comedia_romantica , experimental , fantasia , humor , romance , slapstick , surrealismo , vivencias

sábado, 8 de septiembre de 2018

Mary y la flor de la bruja『メアリと魔女の花』(Mary and the witch's flower)

La esperadísima primera película del Studio Ponoc se ha estrenado finalmente en España, dirigida por Hiromasa Yonebayashi. ¿Será posible hacer una reseña de esta película sin pronunciar ni una sóla vez la palabra "Ghibli"? (ups) Voy a intentarlo.

Studio Ponoc es un estudio de nueva creación pero sus integrantes no son en absoluto unos novatos. Empezando por el director de la película que ya tuvo un estreno de fuego siendo el director en "cierto estudio" que más joven se ponía a las riendas de un proyecto de largometraje y que además cosechó tanto éxito; y todo el mundo calificó enseguida como sucesor de Miyazaki. (¿cuantos posibles sucesores tiene ya?)

Nadie será, para bien o para mal, sucesor del estilo y personalidad del genio ex-re-re-jubilado. Pero si alguien tenía dudas, con "Mary y la flor de la bruja" se confirma que Hiromasa Yonebayashi puede llegar a ser practicamente como su maestro.

No hace falta un clon de un artista particular teniendo al original.

Personalmente prefiero la visión que mezcla realidad y fantasía que aporta Yonebayashi en sus tres películas dirigidas hasta la fecha. Cuatro, si contamos el reciente cortometraje "Kanini to kanino" que estrenó Studio Ponoc este verano en Japón como parte de la película "Chīsana eiyū: Kani to tamago to tōmei ningen"(Modest Heroes) que consistió en tres cortometrajes de tres directores del estudio, a falta del cuarto director Isao Takahata que lamentablemente falleció en abril antes de realizar su proyecto.

"Mary y la flor de la bruja" es una película para niños, aunque no es una etiqueta comercial para ganar más audiencia. Realmente se puede decir así. Pero no significa que los mayores no vayamos a disfrutar mucho más que ellos una película donde no se tratan temas excesivamente complicados salvo por exigencia del guión. Sin filosofía profunda, ni extremada violencia. No obstante, podría rivalizar en alguna escena de acción con la película de "cierto estudio" -La princesa mononoke-. Los guiños a trabajos anteriores de "cierto estudio" son también continuados. La de "Chihiro" está también presente en el diseño de algún personaje y también hay una pequeña porción de su fantasía desbordante.

Lamento no haber visto todavía "El castillo ambulante" pues me ha parecido que también había algún guiño a ella.

Se pueden notar también guiños, evidentemente a Kiki's delivery service, y a Ponyo.

La historia nos cuenta cómo Mary, una niña que pasa unos días con su abuela, encuentra una extraña flor en el bosque que parece aportar poderes mágicos y una escoba voladora que le conducen a la Universidad de Endor(no, no hay ewoks); donde grandes brujas han estudiado y Mary parece estar dotada para formar parte de ella y ser la mejor de las mejores pero en esta universidad sólo hay una norma importante por encima de todas las demás: -No se aceptan impostores o serán transformados en otra cosa.

Sin entrar en detalles, antes de verla podría decirse que estamos ante un "Viaje de Chihiro conoce a Harry Potter"; Pero realmente no es algo tan complejo. Es una historia más simple con varios conflictos y solución final. Lo importante es cómo se muestran.

Aún con ciertas carencias en la parte de la trama argumental del guión se nota que se han trabajado mucho los personajes y tienen una profundidad que sobresale más allá de la pantalla.

El film cuenta con música compuesta por Takatsugu Muramatsu. Se hace algo extraño no ver a Hisaishi como compositor. Pero la banda sonora es realmente cautivadora. Aunque se echa de menos en ocasiones; supongo que para equilibrar ritmo y estructura, y que no canse durante los casi 100 minutos que dura el metraje.

El compositor Muramatsu es ya habitual en las películas de Yonebayashi, como en Arrietty y Marnie, y ha sido autor también de la banda sonora de Lu over the wall.

Es más una película con sucesión de acciones en cadena que un viaje emocional a la madurez como Chihiro o una película cualquiera de magos que compiten y se efrentan a terribles enemigos. Es, por tanto, una película muy agradable de ver. Para dejar de pensar un rato y disfrutarla sin más.

Se disfruta mucho porque en la parte visual derrochan toda la imaginería de la que siempre hizo gala "cierto estudio" y demuestran que Studio Ponoc es "cierto estudio", y goza de buena salud.

Bravo, Hiromasa.
Publicado por Freddyncalm el 8.9.18 1 comentario :
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Género: accion , aventura , fantasia

martes, 21 de agosto de 2018

Devilman Crybaby

El autor de Mazinger Z, Go Nagai es autor de este famoso manga llamado Devilman que desde los años 70 ha contado con multiples continuaciones, series anime, novela e incluso una película "crossover" donde Mazinger Z y Devilman luchan contra el Doctor Infierno. Mientras Go Nagai sigue haciendo viñetas del personaje manga.

Este año la nueva productora de Masaaki Yuuasa, Science SARU lanzó una nueva serie sobre Devilman contada en 10 episodios ONA que, en España y otros países, fueron distribuidos por Netflix en enero. Además, si esta nueva serie supiera a poco, en Netflix también puede verse otra serie de 3 OVA que junta, en otro "crossover", a dos mangakas: Shōtarō Ishinomori y Go Nagai con "Cyborg 009 vs Devilman".

Si Mazinger Z era una serie juvenil de aventuras y acción. En Devilman tenemos el lado oscuro, lleno de sexo y violencia a borbotones, de Go Nagai. Y la libertad desbocada de Masaaki a la hora de hacer animación.

Akira Fudō es requerido por su amigo de la infancia, Ryō Asuka, para que le ayude a desvelar una investigación que lleva entre manos y termina afectando al propio Akira. Akira y Ryō comienzan una larga batalla contra demonios, aunque Ryō tiene sus propias ideas sobre cómo deben ser combatidos. Para ello un hombre tiene que convertirse en demonio. Un demonio-hombre. Devilman.

No es una serie fácil de digerir pero merece la pena hacer el esfuerzo por ver sus diez episodios para tener un poco más claro que la animación japonesa puede ser cruel y dura, sin contemplaciones. Una serie que tiene acción y estrambóticos demonios más malos que la quina.

A destacar, la animación de cabecera que curiosamente está dirigida por artistas españoles afincados en Japón que trabajan en el estudio de Masaaki; Juanma Laguna y Abel Góngora.
Publicado por Freddyncalm el 21.8.18
Devilman Crybaby
2018-08-21T04:17:00+02:00
Freddyncalm
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Género: accion , drama , gore , rap , seinen , sobrenatural , terror

sábado, 21 de julio de 2018

Blade Runner: Black Out 2022

La secuela de película de culto "Blade Runner 2049" contó con dos cortometrajes de acción real de seis minutos de duración, a modo de prólogo, titulados "2036: Nexus Dawn" y "2048: Nowhere to run".

Como sucediera con la secuela de Matrix, además de esos dos cortometrajes se encargó a la maquinaria de anime japonés que realizara este anime de quince minutos de duración. Sin reparar en gastos. Para lo cual contrataron ni más ni menos que a Shin'ichirō Watanabe, director de Cowboy Bebop y Zankyō no Terror.

Hay alguna similitud con alguna de las obras de Watanabe en estilo e incluso desenlace pero es mejor no hacer comparaciones.

Se puede decir que pinta muy bien como aperitivo de la nueva secuela, más de 30 años después de la primera versión (de nosecuantas versiones que hicieron productores y el director Ridley Scott para exprimir la gallina de los huevos de oro), y hace revivir el ambiente de ese futuro distópico que creaba la primera película y sigue encajando muy bien, visto hoy día.

En esta ocasión, tres años después de los hechos que acontecen en "Blade Runner", se nos muestra a dos replicantes, robots de aspecto humanoide, colaborando en una difícil misión para eludir el control de hordas de humanos supremacistas que desean su exterminio. Mientras, alternando con flashbacks, vemos de donde proceden los replicantes y aquello que el Nexus 6 de la película de 1982 contaba al terminar: "-He visto batallas más allá de Orión...-" y se explican razones de la rebelión.

Es mucho argumento, una gran imaginería y una atmósfera que evoca la película original a cada frame. Al mismo tiempo que hace de puente para enlazar con lo que será la secuela. Son muchas cosas que se muestran en tan sólo 15 minutos pero es un anime que merece la pena ver y magistralmente dirigido como cabía esperar de semejante director de anime.

 La música es obra de un californiano apodado Flying Lotus que emula muy bien aquellos riffeos y acordes electrónicos con los que inundó Vangelis la película original.

Es imprescindible, sobre todo, si se es fan de la ciencia ficción distópica y se ha visto la primera película con intención de ver Blade Runner 2049 para tener las ideas más claras sobre qué pasó desde 2019 hasta 30 años después.
Publicado por Freddyncalm el 21.7.18
Blade Runner: Black Out 2022
2018-07-21T21:30:00+02:00
Freddyncalm
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