Nankyoku ryōrinin - 南極料理人 - The chef of South Polar (2009)

Esta película largometraje basada en hechos reales se inspira en la serie de libros escritos por su protagonista Jun Nishimura, "Omoshiro Nankyoku Ryōrinin", donde se cuenta cómo un limitado grupo de 8 compañeros procuran sobrevivir a una estancia de casi un año a finales de los 90s en el que es probablemente el lugar más inhóspito del planeta.

Con temperaturas medias de 57 grados centígrados bajo cero. A 1000 kilómetros de distancia de la base japonesa "Shōwa" del Polo Sur, en la base conocida como Fuji Dome a 3800 metros de altitud, superando la altura de la cumbre del Monte Fuji en el helado continente de la Antártida, donde el único ser vivo que merodea por allí son los científicos que pasan varios meses estudiando los distintos estratos de las capas más profundas de hielo del lugar.

El tono de comedia está presente en todo momento. Entendiendo como comedia el cine que intenta imitar la vida misma y se ríe de ella con todas sus fuerzas, incluyendo tanto los momentos buenos como los malos. Sin excesivo drama.

Es una comedia "cocinada" a fuego lento muy gastronómica que habla de quien era el miembro clave del equipo encargado de alimentar a todos cada día. Y las peculiaridades de cada personaje y su comportamiento en una situación extrema de confinamiento.

Tanto la adaptación del guión para la pantalla grande como la dirección me parecen muy bien hechas. Con un ritmo bien calculado y añadiendo información en cada secuencia "marinada" con chistes y gags que te sacan más de una carcajada.

Hay que hacer mención especial al extenso equipo de peluquería que casi sin darnos cuenta muestra como afecta el paso del tiempo a los confinados según su forma de ser o el cuidado puesto a su aseo personal.

La música de los créditos finales es de los Unicorn. Quienes también se encargaron de un famoso opening en el anime Uchū Kyōdai (Space Brothers).

Son poco más de dos horas de película que se pasan muy rápido. Seguramente a una velocidad mucho mayor que la del paso del tiempo en la Antártida real.

También se realizó en 2019 un dorama con mismo título que la serie de libros.

Le doy un 9.

Youjo senki - 幼女戦記 - Saga of Tanya the Evil

Youjō senki (Diario de guerra de una niña) procede de una serie de novelas del autor japonés Carlo Zen. Novelas que también están siendo adaptadas a manga.

El anime fue estrenado en 2017 y su primera temporada tiene 12 episodios. Tras la cual se produjo una continuación en forma de película y este verano de 2021 se anunció que se trabaja en la esperada segunda temporada.

La trama, sin hacer mucho spoiler, trata de un mundo donde existe la magia y recuerda mucho al nuestro en la época de la segunda guerra mundial sólo que las batallas además de con artillería e infantaría armada se libran con magos capaces de volar, generar escudos y pegar tiros.

Tanya es apenas una niña y en poco tiempo se ha ganado una fama de ser diabólicamente atroz comandando una división de magos para sus misiones.

Quién es esta Tanya, qué estrategias sigue y su motivación es algo que se empieza a descubrir en apenas el segundo episodio. Y si tras ese capítulo no termina de engancharte quizás es que la serie no es para ti. La vi en Crunchyroll y cuando me di cuenta que no la había reseñado he tenido que corregir el error rápidamente. Porque es una de las mejores series de su año.

Las canciones de opening y ending son realmente buenas. El opening de MYTH & ROID banda que ya había participado con algún opening y ending de la serie Re:Zero.

El ending es también especialmente cañero. Cantado por la misma seiyū que pone voz a la protagonista. Sólo por escuchar este tema titulado "LOS!LOS!LOS!" ya merece la pena ver toda la temporada sin saltarse los créditos.

Gokushufudō - 極主夫道 - De yakuza a amo de casa

Gokushufudō 極主夫道 es una serie ONA de 10 episodios basada en el manga de Kosuke Ōno publicado desde 2018 en la revista seinen Shūkan Shinchō de la editorial Shinchōsha.

El anime está dirigido por Chiaki Kon, quien ya trabajase en las temporadas iniciales del anime de Higurashi no naku koro ni (2006 2008), así como Junjō Romantica, Back Street Girls (también licenciada por Netflix), Nodame Cantabile y episodios de conocidas series como Bleach, Hetalia The Beautiful World, Naruto Shippudem o Boruto.

Pese a la dilatada experiencia de Chiaki Kon, a nivel técnico la animación de Gokushufudō es muy limitada. Es más bien una adaptación episódica con ilustraciones casi narradas como un audio-cd. Lo que viene siendo una ONA, o serie breve para mostrarse en la web. Como relleno que ayuda a promocionar los otros formatos que también se han producido, en forma de dorama de acción real (también disponible en Netflix) y la película próxima a estrenarse en 2022, también en live-action.

La escasez de presupuesto se compensa con una trama original en clave de humor con cierto ánimo divulgador sobre cómo un antiguo yakuza cambia su profesión por la de amo de casa mostrando en cada episodio como hace frente a las más cotidianas tareas del hogar.

En lo que no han escatimado presupuesto es en la cabecera y ending que están relizadas por los Uchikubi (Uchikubi gokumon dōkōkai 打首獄門同好会 ); banda de tres integrantes que si no conocías te invito a buscar sus más famosas piezas musicales que tienen vídeoclips muy curiosos sobre el modo de vida japonés. Y no he visto nadie igual.

Higurashi no naku koro ni Gou - ひぐらしのなく頃に業 - Cuando las cigarras lloran -Gou-

El autor original de las VN de Higurashi no naku koro ni Ryūkishi07 anunció junto el director Keiichirō Kawaguchi que pasados tantos años desde el comienzo de la saga y 14 años después del éxito del anime producido por Studio DEEN en esta ocasión harían un renovado "remake" de la mano del estudio Passione, conocido por entonces por el más que ecchi anime Ishūzoku Reviewers o el oscuro Citrus.

-Lo que está bien no debe ser tocado.- pensábamos inicialmente los más acérrimos fans. Pero poco a poco aparecieron píldoras tranquilzadoras.

El diseño del dibujo de personajes vendría de la mano de Akio Watanabe conocido por todos sus diseños en animes del estudio Shaft como la película Fireworks o las series Monogatari de Nisio Isin, o series como The world god only knows, de Manglobe.

El reparto original de voces se mantendría.

La música seguiría siendo la que compuso Kenji Kawai. Y tiene arreglos nuevos.

Por tanto estamos ante una renovación técnica dado que la serie original de 2006 no tenía la definición con tanto detalle y medios de hoy día. Además el dibujo de la versión de Studio DEEN siempre fue muy criticado, con lo que un lavado de cara no le viene mal.

El estudio Passione ha modernizado algunos detalles dando más rigor a algunas partes de la escenografía. Por ejemplo cambia el modo de escribir 古手 Furude en el templo que aparece en el anime al modo de lectura opuesto, más acorde a como se hace en los templos más antiguos. 社神手古

Todo esto está muy bien pero hay que avisar que el autor Ryūkishi07, aunque es un trozo de pan de ser humano bonachón y amigo de sus fans, también está acostumbrado a TROLEARNOS a base de bien.

Después de los episodios iniciales al introducir una nueva cabecera con extraordinaria canción de Asaka, que da pistas en la letra de lo que hay que averiguar; incluyendo fantásticos toques DubStep en su versión extendida; y tras ligeros cambios en la situación que parecía ser básicamente igual que en el primer arco de la primera serie llega un momento en que se ve claramente que NO ES UN REMAKE sino una continuación.

¡Nos mintieron! Dijeron que sería una serie que los viejos fans podrían ver pero también aquellos que no conozcan todavía nada de la serie. Y aún tras desvelar durante su emisión que no era realmente un remake si no una continuación explicaron que se podía ver sin conocer nada. Pero en mi opinión los nuevos espectadores no van a disfrutar tanto esta nueva serie si no ven antes también la original de 2006 y 2007. O se leen las visual novel.

Los trolleos no terminan ahí sino que siguen dentro de la serie para los que ya conocíamos la original. Si quieres detectar esos trolleos y dejarte apalear por el autor cada vez que pensabas que iba a pasar X y pasa Z en realidad, insisto en que tienes que ver las anteriores. Empezando por Higurashi no naku koro ni y siguiendo por Higurashi no naku koro ni Kai que da por "zanjada" la trama de la historia.

Ver la tercera serie de OVAs de Studio DEEN, "Higurashi no naku koro ni Rei", si te gustaron las dos primeras temporadas, tampoco es una pérdida de tiempo, aunque no es imprescindible para ver ya esta renovada continuación titulada:

『ひぐらしのなく頃に業』 -Higurashi no naku koro ni Gō- (2020)
When they cry Gou "Cuando las cigarras lloran Gou"

Añadiendo, como en cada continuación, un sufijo al título; 業(Gou). Que, leído así, significa karma.

El karma es el leit-motif de esta nueva temporada estrenada en octubre de 2020. Y no desvelaré detalles de su trama ni daré pistas que puedan llevar a spoiler de la saga. Salvo explicar que tiene unos personajes muy interesantes que no siguen los cánones extremadamente estereotipados de muchos otros anime. Aunque siempre hay margen para aflojar la tensión en ocasiones con guiños que sólo entiende un otaku del quince. Y muchas auto-referencias.

Es una serie que viene cargada de nuevos misterios a resolver. Con algunos momentos que ponen los pelos de punta, y no se han cortado tanto como en las series originales a la hora de mostrar algunas situaciones grotescas en contraste con los hermosos paisajes de la ficticia villa de Hinamizawa en colaboración con la agencia turística del pueblo real de Shirakawa-gō, escenas escabrosas que no son gratuitas sino que tienen una justificación que se irá esclareciendo y son el precio para disfrutar de esta maravilla. Ese es el encanto de la serie clásica y de esta continuación. Maniqueísmos al margen, no existiría lo bueno si no conocemos también lo malo. Yin y yang.

Los giros de la historia que hacen cambiar, o ver de otra manera, a algunos personajes son más que celebrados si conoces la serie anterior.

Y, como pasa con la serie original, esta temporada es un (nuevo) principio. Luego todo es resuelto y explicado en la continuación "Higurashi no naku koro ni Sotsu" (2021) 卒 Que comunmente se traduce como Graduarse, pero bien podría traducirse también como Muerte.

La serie también tiene guiños de otra franquicia del autor como Umineko no naku koro ni, e incluso la más reciente Ciconia no naku koro ni. Sin embargo, son universos diegéticos diferentes y cualquier parecido es pura coincidencia; o vendría a ser como si vemos una película donde sale un mismo actor o actriz que interpreta un papel diferente, o parecido.

Se puede empezar a ver esta serie sin conocer nada anterior pero créanme que los trolleos, aunque se sientan como una patada en las partes bajas, merecen la pena pillarlos. Y no son únicamente puro trolleo con ensañamiento en plan -ya lo he hecho todo así que me voy por las ramas y me invento una comedia de magical girls y todos los géneros otaku y fanservice que normalmente no se toca en la franquicia pero me apetecía meterlos- como hacen en la cuarta temporada de OVAs Higurashi no naku koro ni Kira. No.

Esta sexta serie de Higurashi, contando como quinta la película Higurashi no naku koro ni Outbreak, es tan seria como las dos primeras y avanza en el tiempo más que ninguna otra de la saga.

También cuenta con su adaptación a manga lanzada al mismo tiempo que el anime.

Viendo, al menos las dos primeras temporadas de 2006/2007, será más fácil entender qué está pasando y en qué consiste cada arco de episodios o juego a resolver. Porque Ryūkishi07 se implica personalmente y juega contigo en todo momento.

En cuanto a la música, si ya es bastante bueno su opening de Asaka con un estilo de canto que me recuerda mucho al de Steins;Gate los ending de Ayane son a cada cual mejor. Ella, por cierto, sí cantaba un ending de Steins;Gate.

Y por si todo el mimo puesto a este reinicio de la saga fuera poco se sigue contando también con la música de tambores e instrumentos rítmicos de Kenji Kawai que brilla espectacularmente en las escenas más ceremoniales.

Es un lujo contar con alguien de su talla, conocido por poner música a películas de acción real como Avalon o a tremendos animes de Mamoru Oshii como Ghost in the shell o Sky Crawlers.

Deja prejuicios a un lado y aprende a disfrutar de esta hermosa pesadilla de suspense.

Evangelion 3.0+1.01: Thrice upon a time - シン・エヴァンゲリオン劇場版:||

Finalmente he podido ver el esperado final del rebuild de Evangelion, versión cinematográfica, tras la dilatada serie de estrenos desde Evangelion 1.0 (2007/2008), Evangelion 2.0(2009) y Evangelion 3.0(2012).

Tras un dilatadísimo esfuerzo para lograr producir esta última película estrenada, tras innumerables retrasos, este 2021 y disponible desde el 13 de agosto en exclusiva en la plataforma de Amazon Primevideo; Hideaki Anno, como director jefe, trabaja con otros tres experimentados directores que también participaron en anteriores películas y alguno dirigió episodios de la serie original de los 90s Neon Genesis Evangelion.

La película es una continuación desde el momento en que quedó la 3 y no se ha escatimado en tiempo o en medios para lograr un ritmo y estilo propio de la franquicia.

Con 2 horas y 35 minutos tiene al menos tres partes diferenciables, tras un breve resumen, perfecto para refrescar la memoria después de más de 12 años desde el estreno de la primera película, empezando con un prólogo en París, la vida en un pueblo japonés de supervivientes del casi tercer impacto(buscad la estación Ubeshinkawa-eki por la prefectura de Yamaguchi si queréis hacer peregrinaje anime de esta película), y una última parte de largo desenlace que supone el ataque final de WILLE para acabar con el plan de NERV, cuya destrucción (ojo, spoiler...)es realmente el plan original de NERV. Así que WILLE estaba haciendo lo que NERV quería desde el principio. Que los humanos vencieran a los dioses, que son ellos mismos. Muy "solipsista", todo. Y confuso para los que sólo entienden historias de malos contra buenos.

Shin Evangelion(como se titula en japonés) está al servicio de seguir contando la historia de los personajes y sus conflictos y traumas donde siguen en juego varias corrientes filosóficas, determinismo, libre albedrío, metafísica y crítica de la razón pura de Kant, dilema del erizo de Schopenhauer, y enorme influencia de Gundam y el propio Evangelion que ya tiene entidad suficiente como para servir de auto-inspiración.

En el apartado musical destaca como siempre Shirō Sagisu, sin el cuál no sería una película de Evangelion. Y en los créditos finales no hay una única canción sino dos de Hikaru Utada, artista que ha sido siempre genial guinda final en las cuatro películas.

Pese a su duración personalmente no se me ha hecho larga. Soy fan desde hace muchos años.

He echado en falta quizás ciertos toques de humor en el guión que sí tenían las anteriores películas, aunque no ha estado carente de guiños a los fans y de algún brevísimo toque absurdo saliéndose de los límites del espacio diegético que cuenta la historia. Pero como la historia se dirigía al final quizás no se habría salido del tono necesario para una despedida tras un camino tan largo. 

Aunque Hideaki ha dejado la puerta abierta para contar más historia previa a la tercera película u otras alternativas. Si logra presupuesto, ¿por qué no hacer más? Máxime cuando en la propia película explican lo que puede significar "sayonara". Jeje.

En conjunto es una película de culto ya desde su concepción. Y quizás este título tan "circular" como queriendo reunir la tercera parte con la primera hace que las tres primeras sean una parte integrada de la propia película. Con happy end.

Cuando supe que el estudio Khara se hizo contribuyente "Corporate Silver" de la Blender foundation me pareció una suerte para la reputación de este completo software de animación, modelado, y composición 3D y 2D, una suerte para Blender contar con el apoyo del reputado estudio japonés de Anno, y así poder mejorar el software a un ritmo mayor. Al mismo tiempo que Anno devolvía una parte del desembolso en licencias que hubiera tenido que pagar en caso de usar software privativo.

Pero viendo el resultado, aun siendo Software Libre, he flipado tanto que he llegado a pensar que Blender debería pagar al estudio Khara por la maravilla que han hecho sin que el arte CGI, la combinación entre 2D y 3D, o el resultado creado con Blender pueda reprochársele nada que se hubiera podido hacer mejor o peor con otras aplicaciones informáticas o técnicas más artesanales.

Si no has visto aún ni la serie ni películas. Puedes empezar por Evangelion 1.0 disponible con las otras tres películas ahora en Primevideo; ya que no vas a perderte apenas contenidos si empiezas por ahí, en vez de la serie de los 90s, que en Netflix está mutilada sin todas las canciones re-versionadas para cada episodio de ending con el "Fly me to the moon" cuyos derechos no lograron más que para emitir en Japón. La 2.0 ya tiene menos que ver con la serie original, e incluye cambios tan grandes que es un avance en la historia. Y la 3 supone información necesaria para entender finalmente el mensaje que da esta cuarta y última película.

Sayonara, subete no Evangelion.

Mobile Suit Gundam Hathaway - 機動戦士ガンダム 閃光のハサウェイ

La película con título internacional "Mobile Suit Gundam: Hathaway's flash" es la más nueva de las películas de la casi inabarcable franquicia de franquicias de anime y plamodel japonés de Gundam.

Pertenece a una serie de tres películas anunciadas que el estudio Sunrise ha lanzado tras varios retrasos. Finalmente se ha podido ver este mismo año en España y otros países no mucho después que en Japón. Haciendo historia al ser el primero de toda la franquicia que obtiene doblaje en español. Aunque por ahora sin otras pistas disponibles en nuestro territorio diferentes al castellano, inglés, alemán o el japonés original.

Si aún no has visto la película no haré spoiler pero te recomiendo no leer la sinopsis que incluye Netflix. Siempre son un spoiler continuo de los títulos de su catálogo. Y tampoco son los productores por mucho que Netflix ponga un rótulo diciendo que es una película suya. Distribuir y localizar no es producir aunque ayuda a su producción, por supuesto.

Hasta ahora sólo había visto la serie clásica restaurada en Crunchyroll que se estrenó originalmente en 1979, Gundam '079 y otra más reciente que viene a ser como un reboot desde el punto de vista del mítico personaje Char Aznable. Gundam, The Origin. The advent of red comet. disponible libremente en la plataforma de Sony/Funimation Crunchyroll.

Con esta base, y la influencia del fandom de @gundamspain, he visto Hathaway basada en novela ligera de tres tomos con mismo título, publicada en Japón entre 1989 y 1990. La película, con alguna diferencia en los cánones del hilo argumental de la saga UC (Universal Century), se ubica prácticamente durante todo el largometraje en una pequeña isla de la Tierra siguiendo la estela tras las otras dos series en lo que sería el año UC 0105. Es decir cerca de 30 años después. Y con personajes algo diferentes.

Aunque en otras series de la franquicia se han mostrado más eventos de este universo diegético de Gundam, esta es una película que sirve de prólogo a las futuras partes 2 y 3, y en mi opinión puede verse sin conocer nada de la saga. Aunque siempre enriquece la historia.

El Director Shukō Murase y el guionista Yasuyuki Mutō, ambos, han hecho otros trabajos en otras series de Gundam y participado en roles diferentes de creación o trabajos técnicos también dentro de otras obras míticas como Ergo Proxy o Samurai Champloo, en el caso del director. O Afro Samurai, Tokyo Revengers, Persona: Trinity Soul, Le cavalier D'Eon, Sengoku Basara, etc, en el caso del guionista.

Películas como esta no tienen la acción que se espera en series de grandes aparatos móviles de combate, típicos del mechanical anime. Nunca son verdaderos protagonistas de la trama. Desde el primer momento siempre fueron obras de animación enfocadas por los inversores para vender juguetes, que luego se especializaron en detalladas maquetas, sin embargo su creador original, el director, guionista y perpetrador de Gundam Yoshiyuki "minagoroshi" Tomino, parió una serie donde la esencia del ser humano, emociones, conflictos y traumas se ve reflejada sin concesiones donde el martirio de combatir la guerra con guerra supone un irónico mensaje.

En Hathaway de nuevo tenemos aparentemente dos facciones enfrentadas y es más difícil para el espectador entender quién hace más bien o menos mal. Si de algo puede presumir el anime japonés es de no tener tramas maniqueas.

Y Hathaway aporta cierto mensaje social con guiños a la gente de a pie de cualquier época. Sobre los que sufren realmente las consecuencias de conflictos que les son ajenos. Y también de los dilemas propios de los que participan directamente en las guerras.

Entre tanto la trama comienza con un secuestro y termina con las esperadas o no batallas entre aparatos mecánicos "mobile suit"; sin que en ningún momento haya escenas que resulten aburridas o anodinas. Incluyendo alguna escena contemplativa que se pasa volando gracias a la música de Hiroyuki Sawano con estilo dispar; con aires de epicidad mecha, drama humano o una intro muy del estilo James Bond.

No he visto todavía serie o película de Gundam que no se pase en un suspiro. Y eso que esta dura sus buenos 96 minutos.

Promare - プロメア

Han pasado dos años desde el estrenó en Japón de Promare y finalmente se ha incluído en el catálogo de Amazon Primevideo. Así que no he esperado ni un minuto para ver esta película por ser de los creadores de Kill la Kill o Little Witch Academia, así como Darling in the Franxx y herederos del éxito de Gurren Lagann, aún en Gainax.

Promare es, por ahora, el último largometraje estrenado por el estudio mientras se ultima la adaptación/spin-off animada de la franquicia de Cyberpunk 2077, Cyberpunk Edgerunners.

Promare es una película para pasar el rato, llena de acción a raudales y unos personajes extremadamente sanguíneos y explosivos en su sentido no literal.

Sin ánimo de ser cínico a lo Carlos Boyero pero siendo crítico honesto, y crítico conmigo mismo también pues al tener espectativas más altas tiendo a ser más exigente por lo que puede que para otros esta película no sólo esté muy bien sino que sea sobresaliente, pero tras el primer visionado yo creo que no es la mejor de las películas del estudio, ni de cualquier otro estudio de los que hacen películas anime en la actualidad.

En mi opinión falla el ritmo que es algo frenético, centrado en nada más que la acción sobre la acción y más acción. Con unos personajes secundarios muy poco aprovechados; como queriendo correr mucho en la trama que da para una serie como si no hubiera más presupuesto.

Aún durando cerca de dos horas la película apenas tiene una historia que apasione. Aunque despierta interés no llega al límite de sorprender a quienes estén más curtidos en todo tipo de ficción de anime japonés.

Se podría decir que es una película con aire de Kill la Kill o cualquier otra obra de los creadores del estudio; pero con otros personajes con los que cuesta familiarizarse.

Y por si eso fuera poco se sacan de la manga un "deus ex machina". (pun intended; para los que hayan visto la película.)

En algún aspecto es interesante pero por la forma que empieza, explicando el advenimiento de la facción que causa problemas, daba esperanzas de que podría haber sido una obra algo más seria y no la traca y retraca de fuegos de artificio que abruman desde el comienzo de la película. Y pese a todo le falta el nivel de chispa humorística que caracteriza a otras obras del estudio.

Lo que estoy seguro es que se tiene que poder disfrutar más vista en el cine. Porque ni con una pantalla de 55 pulgadas se luce todo lo que podría. De hecho la película se estrenó en cines 4D de Japón, para lo cuál es perfecta.

Como una barraca de feria para pasar 112 minutos entretenidos con mucho movimiento y un pulso por mantener públicos de distintas generaciones mientras sus creadores ya empiezan a estar un poco mayores.

La música es curiosa mezclando piezas de piano con el rap-pop al que nos tiene acostumbrados el estudio.

Hay alguna escena que recuerda a Evangelion 3.0 y no creo que sea casualidad que el estudio Khara haya colaborado en la película.

La sinopsis, por si interesa, cuenta una historia en la que Galo Thymos es un novato de un cuerpo especial de bomberos que combate incendios provocados por los Burnish, una especie de humanos que mutó 30 años atrás y cercenaron la mitad de la población del planeta.

El actual líder de los Burnish es Lio Fotia, un enfant terrible con poder fuera de lo común. Lio tiene un encontronazo con Galo que logra detenerlo con ayuda de sus compañeros del "Burning Rescue". Galo es condecorado por el líder de la ciudad de Promepolis, Kray Foresight al que Galo admira porque de pequeño le salvó la vida; Pero las apariencias engañan y personajes que parecen opuestos terminan siendo complementarios para luchar contra un destino que afecta a todos.

Earwig y la bruja - Aya to majo - アーヤと魔女

El estudio Ghibli vuelve a funcionar con esta película de Gorō Miyazaki dirigiendo. Estrenada en España gracias al esfuerzo de Vértigo Films. 

El propio padre de Gorō, Hayao Miyazaki, aparece en los créditos a cargo de la planificación.

Para los incondicionales de Hayao sin mucho interés por el estilo 3D computerizado, que quizás sean reticentes a este giro artístico del estudio, han de saber que Hayao dio su beneplácito. Es difícil de creer viendo otras de sus ácidas críticas en tiempos pasados de las que no se ha salvado ni su hijo. Pero con La colina de las Amapolas(2011), uno. Y con Ponyo(2008) a modo de disculpa/homenaje, el otro, ya se reconciliaron hace tiempo tanto padre como hijo. Y son palabras propias de Hayao que Gorō ha hecho un buen trabajo junto a su equipo de profesionales en algo que al propio Hayao, reconoce, no se le da bien.

Tras el amago de jubilarse de Hayao en 2014, que dejó hibernado el estudio y obligó a fundar el estudio Ponoc por parte de su plantilla principal de artistas de la animación, por fin en navidades de 2020 se estrenó en Japón una nueva película producida por el popular estudio Ghibli. Basada en la novela de Diana Wynne Jones "Earwig and the witch". Novelista también conocida por ser autora de la novela en que se basa El castillo ambulante que adaptó Hayao con el arte y salsa que caracteriza a Ghibli.

En esta subida al carro a lo "Pixar", por las nuevas tecnologías en imagen y animación del tradicional estudio Ghibli, tenemos a un Gorō que se le ve resuelto con una historia de pocos escenarios y trama sencilla pero con algunos personajes algo intensos.

Tiene un toque inconcluso, aunque eso no es necesariamente malo. Explico a veces que cierta imperfección, ambigüedad y dejar al espectador completar los huecos es una parte distintiva de la estética japonesa.

Aún con todo, La colina de las Amapolas me pareció mejor película. Con un estilo más "Ghibli" aunque cualquier cosa es mejor que el malogrado intento de Gorō con Cuentos de Terramar (2006), por la que casi fue desheredado por su padre.

Pero hay que abrir hueco a lo nuevo y acostumbrarse a la animación 3D cgi que está muy bien llevada y con más de una escena espectacular, en algún paisaje al comienzo, la persecución, y usando técnicas diversas para la cabecera inicial que está realmente bien.

Me resultó chocante que la mayor parte de la acción sucede en una única ubicación. La claustrofóbica casa de una bruja y el brujo Mandrake que al no poder salir de ella recuerda una cuarentena pandémica como las que aún se viven por medio mundo.

No es una película aburrida. Es difrutable y tiene tanto detalle que invita a verse más veces. Pero no me parece tan profunda, emocionante o especialmente emotiva como a las que nos acosumbraron Hayao, Takahata o Hiromasa Yonebayashi.

Tiene quizás un toque de inexperiencia de Gorō en el campo del largometraje; Pero se le nota curtido dada ya su experiencia en el formato de series televisivas de animación. Los largometrajes requieren tal vez un mayor cuidado a la hora de dosificar información y meter un gancho que haga querer seguir viendo. Esta película tiene buena narrativa pero se espera más de Ghibli. Es inevitable. Supongo que tras 6 ó 7 años de parón hay que desoxidar la maquinaria.

Los personajes sí reconozco que están muy bien y tienen carisma. Están bien desarrollados aunque insisto en que no hay ninguna historia compleja, de excesivo drama, o un viaje de superación con grandes apuros.

La protagonista es una niña prodigio que le gusta controlar a todos a su antojo y debe adaptarse a las peores circunstancias. Le gustan los libros de misterio y contar historias grotescas; muy grotescas. El resto de historias, orígenes y metas de los demás no se entra apenas en detalle y se queda en misterio.

Supongo que un libro para niños de seis a once años no es todo lo profundo que aficionados del anime japonés de más de cuarenta, ya vacunados del covid, esperabamos. Pero tampoco me ha decepcionado. No esperaba mucho más de lo que ofrece y le doy un notable. Y fue un placer volver a ir a una sala de cine tras más de un año sin poner el pie en una.

Es una película de 82 minutos aunque a finales de abril en Japón se ha re-estrenado una edición del director con más metraje. Que también querría ver. Hay ciertos guiños que están repartidos por toda la película como el Citroen dos caballos amarillo igual que el que sale en Lupin III. Que aparece en más de una ocasión como si Gorō estuviera diciéndole a su padre - Mira, Hayao. Te miro y respeto los icónos de tu carrera.

La pude ver en un cine en versión original en japonés con subtítulos en castellano. Resultaba confuso a veces. Al mezclar texto en inglés, oirse en japonés otra cosa y en los subtítuos otra más al cambiar a la niña protagonista su nombre de insecto que hace alusión a sus coletas puntiagudas, Earwig, re-bautizandola como Erica en los subtítulos en español como en el libro y la versión en inglés de la película. Mientras que estos dos nombres en japonés se cambian por Ayatsuru y Āya-chan. Resultaba un poco lioso.

Earwig es también el nombre en la historia del grupo musical de la madre de Erica, o Āya-chan (según el idioma), y en este aspecto destaca con partituras que suenan de vez en cuando de música ligera, baladas y rock de un grupo que toca embrujadamente bien. 

La música de apertura es una verdadera maravilla con un toque electro-setentero muy molón y acompañado con una intro muy visual acorde al sonido, compuesto por un veterano músico, teclista, arreglista y compositor, Satoshi Takebe, que ha trabajado para otros músicos japoneses y también anteriormente con Gorō en la película de 2011 La colina de las amapolas 『コクリコ坂から』。

Mobile Suit Gundam - Kidō Senshi Gandamu - 機動戦士ガンダム

La primera serie de la franquicia Gundam se gestó por Yoshiyuki Tomino emitiéndose en Japón a lo largo de 1979.

Cuenta con 43 episodios. 42 de ellos están en Crunchyroll; Junto con otras series de la franquicia que han tenido el detalle de incluír. El episodio perdido lo decidió eliminar el propio Tomino de la distribución internacional por motivos de calidad técnica. Además esta serie recuperada en Crunchyroll ha sido restaurada y se muestra muy bien en resolución 1080p pese a sus ya más de 40 años de antigüedad.

No era el primer anime de robots. No era el primer anime producido por una empresa con la intención de vender juguetes. Quizás tampoco fue el primero en dar una bofetada en la cara al "mundo de los adultos". A la jerarquía que manda sobre el más débil y con menos ventaja en la sociedad. Por ejemplo, la serie anime de Ashita no Joe se estrenó en 1970.

Yoshiyuki Tomino perpetró un universo que se ha hecho inmensamente grande. Y es responsable de un submundo de aficionados al modelismo PLAmodel. Así como de lo que el propio Tomino llamó el "Nuevo Siglo del Anime", de la que coge el nombre   Neon Genesis Evangelion -shin seiki evangerion- y es fuente de inspiración directa de la serie, así como de todo el estudio Gainax y otros que vinieron después.

Este logro viene no por mostrar una historia de ciencia ficción. Sino por mostrar el drama humano cuando los poderosos buscan ascender por encima de su condición y ejercen presión sobre otros para lograr beneficios que el común de los mortales ni se plantea. A costa de mentiras, intrigas, conspiraciones y el caiga quien caiga. Y mientras las castas se pelean los que están abajo sufren las consecuencias.

Gundam no es un anime de robots. Es un anime de personajes. De traumas. De trascendencia sobre los defectos de la humanidad. Habla de lo absurdo de la guerra, la débil línea que separa unos bandos de otros y las innecesarias muertes y sufrimiento que producen los que diseñan el mundo para servir a sus propósitos y no al bien común.

No soy aficionado a series tan largas. Aunque reconozco el valor histórico de algunos títulos de animación. Y éste desde luego merece la pena sobre todo si quieres entender las bases del anime actual.

No obstante, si quieres ahorrarte las casi 17 horas que te va a robar esta primera serie de la saga, se produjo inmediatamente después de terminar el anime una serie de 3 largometrajes(algo largos. valga la redundancia) con algunos cambios respecto a la serie original; que te permitirán pillar la esencia de la serie en un total de 7 horas.

En el año 0079 se inicia una guerra que tiene dividas a dos facciones, la federación y el principado de Zeon. Una guerra salvaje que en poco tiempo merma la mitad de la población civil de ambos bandos. Entre tanto, Ray Amuro, descubre un proyecto secreto de su padre para la federación y coincidiendo con un ataque de Zeon a su base espacial termina siendo piloto del primer Gundam que dará una ventaja clave a su facción; junto con la nave de la federación WhiteBase y otros vehículos mecha capaces de plantar cara en espacio, tierra, mar o aire.

Si te gusta este universo en la era "Universal Century" puedes ver la precuela Gundam The Origin, en su formato de 6 OVA muy elaboradas de unos 70 minutos de duración por capítulo. O la más reciente serie de 2019 en 13 episodios donde se cuenta la misma historia desde el punto de vista del carismático e inicialmente antagonista Char Aznable; The Origin - Advent of the Red Comet.

Pero hay también decenas de series posteriores que siguen la misma trama o crean otras alternativas totalmente distintas. Y con distintos estilos y producción. Lo último que se estrenó fue en este 2021 "Mobile Suit Gundam: Hathaway's Flash", parece ser en el año 0105 de esta misma trama argumental. Adaptando la propia novela de tres tomos que el propio Tomino publicó entre 1989 y 1990.

Para que no se alargue esto mucho más, diré que el anime me gustó. Viéndolo en 2021; Con todo lo que he visto ya. En especial le encontraba sentido a muchos detalles que se consideran ya marca de la casa en Evangelion.

Tiene buena dosis de acción, drama y enredo y toques comédicos además de el anuncio de juguetes que son los super-robot, con una estructura típica de anime juvenil y un ritmo trepidante. Los episodios se pasan en un suspiro. Creó una base de fans legendaria que se dieron cuenta de que este anime no era la misma 💩 de siempre.

Si te gusta el anime de mecha (pronunciado como en "mechanical".) puede que te des cuenta que este no es de esos anime. El Gundam no es para nada el protagonista. Aunque lo que representa trasciende todos los anime de mechas.

Desde estas líneas quiero dar las gracias a Gundam Spain que a través de su Twitter, @gundamspain, empezó a promover el visionado conjunto que pudimos disfrutar comentando a través de Discord y otros medios. Seguidles si queréis saber más de esta mítica franquicia de franquicias.

Assassination classroom - 暗殺教室 - Ansatsu kyoushitsu

Una extraña criatura con forma de pulpo se ofrece a dar clases en un campus viejo reservado para los estudiantes menos cualificados de una escuela de secundaria elitista. Este profesor, al que apodan Koro-sensē, parece ser el responsable de destruír un trozo de la Luna y amenaza con destruír también la Tierra por lo que hay una enorme recompensa por su cabeza. Todos los alumnos son designados para intentar matarlo antes de que acabe el curso con armas especiales que sólo hacen daño a Koro-sensē. Pero esta criatura es capaz de moverse y volar a una velocidad de mach-6. No lo tendrán nada fácil.

El anime basado en manga con 21 tomos publicados entre 2012 y 2016 también tiene hechos una par de breves ova precuela y spinoff. También se hizo una película resumen de la serie. Así como un live-action dividido en dos películas (disponibles para compra digital en Rakuten TV, tanto en V.O.S. como dobladas a español).

Los primeros episodios del anime se estrenaron en Japón en 2015 y pudimos verlos poco después durante el FAN Festival en Pamplona. También pasaron algunos episodios cuando salió la segunda temporada estrenada en Japón en 2016.

Aunque no fue hasta cerca de 2018 cuando finalmente empecé a verla con desgana pero con el deseo de terminar de ver los 22 episodios de su primera temporada. Y luego, los 25 episodios siguientes de la segunda temporada. Y la terminé de ver finalmente este mes de marzo, en 2021.

Normalmente si una serie me gusta la veo de forma más seguida aunque tenga poco tiempo.

Creo que esto pasó porque tiene una trama interesante, personajes curiosos y buena animación, pero creo que a nivel de adaptación o en su planteamiento de dirección anda algo flojo y carece de una la linea argumental que atrape lo suficiente para mi gusto.

Es un típico-atípico shōnen nekketsu. Donde se vuelve a dar relieve a lo que importa es que "solo, no puedes; pero con tus amigos eres más fuerte"; hay batallas, violencia, competición. Pero al final son todos amigos o rivales camaradas. Y así son todos los anime de género nekketsu 熱血 (entusiasmo "hierve sangre"). Este tiene puntos originales, algunos viajes a escenarios interesantes, incluso sale la ISS, y tiene clave de comedia y toques de humor pero no le encuentro mucha coherencia y tiene el problema de querer mostrar demasiados personajes.

Hay una historia bien planteada pero creo que tiene excesivo relleno. Si la hubieran contado en 12 episodios para mí sería ideal. Una gran serie.

Si aún no la has visto y te sobra tiempo para ver anime, dale una oportunidad a la serie. Pero si no, quizás prefieras ver la película anime, el manga o sus live-action.

Todavía no conoces Gunma・Omae wa Mada Gunma wo Shiranai・お前はまだグンマを知らない

Esta es una serie muy breve de 12 episodios de apenas 3 minutos de duración por cada capítulo.

Así que puede verse la serie entera en menos de 40 minutos. Yo tardé más de dos años en terminarla. Quizás lo dilaté un poco pero tampoco está mal dosificar aquello de lo que se tiene poco.

Es una serie en clave de humor claramente producida para atraer turismo a la región. Muestra peculiaridades de la zona algo alejada del Japón más urbanita y popular. Con la excusa de que en cierta ocasión un ranking de popularidad situó esta prefectura en último lugar.

Pero lo cierto es que Gunma tiene bastante fama; en el mundo del anime e incluso videojuegos. Gunma aparece en escenarios de Madoka Magica o Yorimoi y es la única prefectura que conozco protagonista de un vídeojuego de estrategia propio "Gunma no yabō", La ambición de Gunma; que consiste en conquistar los territorios de alrededor hasta convertir todo Japón en Gunma, seguidamente del resto de países del mundo y resto del universo. Ambición no les falta.

Además del anime existe manga original publicado como cómic web entre 2013 y 2019 así como una película y una serie de acción real estrenadas ambas en 2017. Y también se hizo un juego para móvil android y ios de la misma temática.

La historia nos presenta a Kamitsuki mudándose a Gunma con ciertas dudas sobre si será o no un buen lugar donde todo parece ir al revés de lo esperado. Las puertas del tren no son automáticas, los lugares donde hay máquinas expendedoras parecen refugios atómicos, y la gente se comporta de forma extraña.

Pero sólo son apariencias. Gunma es un buen lugar y así nos lo contarán distintas personalidades de la región tras los créditos de cada capítulo para convencernos de visitar el lugar. 

Gunma existe.

Paranoia Agent - 妄想代理人 - Mōsō Dairinin

Satoshi Kon, rey del surrealismo en el anime, de lo onírico, y amante del cine que imbuía la influencia del cine en su propio cine, animación y manga, hizo con Paranoia Agent una serie divertida, estrambótica con toques de suspense y cine policiaco o thriller psicológico con una fina línea argumental que sobrevuela distintas historias y personajes con ciertas diferencias en cada capítulo que casi podrían verse como partes separadas autoconclusivas, como Shin'ichirō Watanabe hiciera con Cowboy Bebop.

El opening con música de Susumu Hirasawa, como no podía ser de otra manera en una obra de Satoshi Kon, es ya una de sus canciones más icónicas. Título de la canción:『夢の島思念公園』(Yume no shima shinen kōen - Parque de la meditación de la isla de los sueños). Todo un himno a la ansiedad, los delirios y el natural ánimo de evadirse de la realidad. Sin desmerecer a la tranquila balada instrumental del ending, también de Susumu, llamado Tema de Maromi.

La trama comienza más o menos con una diseñadora famosa saliendo en los medios al haber sido atacada por un chico con un bate. Nadie más ha visto al chico del bate pero conforme progresa la historia mucha más gente parece encontrarse con ese chico del bate. ¿Es todo producto de su imaginación o es real? Y si no lo es ¿qué está causando este revuelo?

La serie se emitió en 2004, con 13 capítulos producidos por el estudio Madhouse.

Esta serie de Satoshi Kon vino años después de haber cosechado bastante éxito con Perfect Blue, Millenium Actress o la que estrenó a finales de 2003, Tokyo Godfathers. Quizás bebiendo más de la primera de ellas, suavizando un poco el tono, sin dejar de retratar una sociedad muy dada a los delirios y paranoias.

Si aún no has visto esta corta serie de culto quizás te deberías replantear si te gusta el anime. Porque perderse una obra del ya desaparecido Satoshi Kon es probablemente un pecado otaku.