Para despedir el año aquí dejo una pequeña reseña y opinión de la película de acción-real "Despedidas" para variar un poco y saldar cierta deuda pendiente cuando escribí la reseña del primer live-action comentado en el blog, Kiseki. Para aquellos que aún no hayan visto esta buena película o quieran echar un poco la vista atrás.
El premio Oscar a mejor película extranjera de 2008 se lo llevó Japón con esta película.
Parte de una estructura clásica donde el protagonista se ve obligado a abandonar su vida cotidiana y empezar una nueva vida no exenta de dificultades. Alguien le guía y podrá acabar recuperando el impulso en su vida. (Piensa por ejemplo en "A new hope", de Star Wars.)
El personaje protagonista se llama Daigo el cuál se ve repentinamente sin trabajo tras pagar un gran crédito para el carísimo cello con el que actuaba en una orquesta sinfónica de Tokio al disolverse ésta. El alto nivel de vida de la ciudad y la falta de recursos le obliga a mudarse con su pareja a su tierra natal en Yamagata para llevar una vida más modesta. El primer trabajo que encuentra es un tanto peculiar, asistente de funerales.
La película conocida en inglés como "Departures", en japonés se titula 『おくりびと』 (Okuribito). En su sentido literal se refiere a las personas que acompañan a despedir a alguien por ejemplo en un aeropuerto o en una estación. Y no a una despedida en sí.
En clave de comedia, donde tristeza y alegría se entremezclan sutilmente, muestra ese equilibrio natural que hay entre la vida y la muerte. No hay nada como pensar en la muerte para aprender a disfrutar de la vida.
Lo que esta película hace muy bien es mostrar el contraste entre costumbre antigua llena de simbolismo del ritual funerario japonés y modo moderno corporativo carente de tacto, interesado en el volumen de negocio más que en el detalle y aportar consuelo a familiares y seres queridos del fallecido.
Pese al tema que trata no llega a extremos escabrosos y ofrece una buena dosis de humor e ironía haciendo más ligeras las dos horas y poco que dura la película.
En el tema musical, los habituales de este blog seguro que conocen más de una obra del compositor de la banda sonora que es, el músico fetiche de Miyazaki y otros directores del estudio Ghibli, Joe Hisaishi.
Un dato que siempre me llama la atención, cuando aparece, es la música con la que comienza la película: el cuarto móvimiento de la novena sinfonía de Beethoven.
Es una pieza que escuchamos por todas partes, como himno de Europa, Eurovisión, en películas como La Jungla de Cristal, etc. Pero también parece muy habitual en obras japonesas. Podemos oirla en Evangelion, en Gunslinger Girls, Read or Die y otros animes, series japonesas y películas más.
Quizás porque llevan cerca de 100 años con costumbre en Japón de representar este movimiento en año nuevo y la pieza es bien conocida en todo el país, como en todo el mundo. Quizás el "Himno de la alegría" es una buena forma de expresar ese sentimiento.
En cuanto a lugares visitables, la película nos muestra ese Japón rural de Yamagata, tan alejado de la gran ciudad. Paisajes rurales y montaña del norte de Japón con una vida y costumbres tan inmensamente diferentes del urbanita mundo moderno. Algo diferente con un toque nostálgico que quizás inclinó la balanza para hacerse con la estatuilla dorada de Hollywood.
lunes, 31 de diciembre de 2018
Despedidas - おくりびと Okuribito
Publicado por
Freddyncalm
el
31.12.18
Despedidas - おくりびと Okuribito
2018-12-31T11:50:00+01:00
Freddyncalm
comedia|rural|
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miércoles, 21 de noviembre de 2018
Hataraku Saibō 『はたらく細胞』Cells at work
Esta serie anime empezó con fuerza este verano y se hizo muy popular en poco tiempo. No sólo en Japón sino por todo el mundo.
La serie es tan famosa que recientemente, desde el pasado 16 de noviembre, se ha estrenado una película de acción-real en cines japoneses basada en la obra. Y, como si no tuvieran bastante anime para emitir en las televisiones japonesas, tan sólo un mes después de concluirlo lo han vuelto a re-emitir en cadenas como Tokyo-MX.
Hataraku saibō(celulas que trabajan) muestra el cuerpo humano desde dentro de un modo muy similar a "Erase una vez la vida", serie educativa de origen francés de co-producción europea y otros países como Canadá, Suiza, España y, por supuesto Japón (que ha liderado la producción de series de animación desde hace mucho tiempo) que recordarán de los años 80s los más curtidos del lugar.
Hataraku saibō está basada en un manga orientado a público shōnen de la autora Akane Shimizu. Su fama ya es tan grande que cuenta con varios spin-off del manga en otros estilos, incluyendo manga para público shōjo y un manga seinen titulado "Hataraku saibō Black" que comentaré después.
La premisa de unos personajes antropomórficos que hacen de células, o determinados actantes de nuestro organismo, no es nueva. Pero sí lo es hacer una serie con mucha gracia, al mismo tiempo que afán de entretener y misma cantidad de rigor mientras enseña características de la biología del cuerpo humano con sus alrededor de 37 billones de células por humano adulto medio.
La trama cuenta con una protagonista, la eritrocito o hematíe novata con mal sentido de la orientación que acaba de empezar su trabajo como mensajera, un leucocito que se toma muy en serio su trabajo de avanzada en el sistema inmune, y las plaquetitas, otro grupo de células pequeñas y, como tales, en la serie tienen forma de simpáticos niños, de gran ayuda para el sistema inmunitario. Y varias células más que se van presentando poco a poco en un entramado urbanizado como una ciudad con sus calles señalizadas como 動脈 arterias, 静脈 venas, 肺 pulmones, etc. Y la importancia fundamental que tienen las células en el argumento de la serie; y buen funcionamiento de nuestro propio cuerpo.
Se muestran de forma muy entretenida los problemas que provocan virus y bacterias e incluso alergias al polen, larvas de anisakis e incluso el cáncer. Al mismo tiempo que se muestra el modo de actuar y procedencia de células sin las cuales realmente no podríamos vivir.
El anime tiene buenas dosis de acción, humor y metáforas con toque cultural japonés, donde el corazón es representado con toques de taiko y puertas torii por doquier. Mientras que un estornudo se representa con el lanzamiento de un cohete al exterior.
Esta serie hace que la biología se vuelva interesante. Y puede que sea causa de que nuevos médicos o biólogos empiecen su carrera con esta fantástica introducción. Que incluso a alguien a quien la hemoglobina y la sangre real le provoca cierta aversión puede gustarle y aprender cosas nuevas. Porque ciertos datos entran mejor con una sonrisa que a golpe de hincar los codos delante de un libro inanimado.
La música del opening es genial. Muy enérgica. El ending está cantado por el duo ClariS, aunque desde 2014 una de sus integrantes fue sustituida. Por lo tanto ya no son Clara y Alice (seudónimos) sino Clara y Karen.
La serie sólo tiene por ahora 13 episodios y deja con ganas de seguir viendo a los glóbulos rojos y demás vecinos hacer su trabajo.
El manga está siendo publicado también en inglés, y no me extrañaría verlo pronto también en librerías españolas. Aunque es más improbable que nos llegue el título seinen "Hataraku Saibō - Cells at work - BLACK", donde se muestra un cuerpo en peores condiciones con otras células protagonistas, esta vez con los roles invertidos de la estricta glóbulo blanco y un debilucho eritrocito que se enfrentan a situaciones límite. Aunque en los episodios del anime también se muestran situaciones complicadas para la supervivencia si no fuera porque al contrario que en "black" el sistema inmune suele estar fuerte y bien alimentado.
Es posible encontrar en Youtube, y otras plataformas, información y comparaciones de la serie con datos reales que identifican las distintas células-personaje con sus dimensiones reales o esperanza de vida. Hay incluso algún médico occidental que ha hecho vídeo-comentarios de varios episodios explicando lo acertados que son al respecto con la vida real.
La serie es tan famosa que recientemente, desde el pasado 16 de noviembre, se ha estrenado una película de acción-real en cines japoneses basada en la obra. Y, como si no tuvieran bastante anime para emitir en las televisiones japonesas, tan sólo un mes después de concluirlo lo han vuelto a re-emitir en cadenas como Tokyo-MX.
Hataraku saibō(celulas que trabajan) muestra el cuerpo humano desde dentro de un modo muy similar a "Erase una vez la vida", serie educativa de origen francés de co-producción europea y otros países como Canadá, Suiza, España y, por supuesto Japón (que ha liderado la producción de series de animación desde hace mucho tiempo) que recordarán de los años 80s los más curtidos del lugar.
Hataraku saibō está basada en un manga orientado a público shōnen de la autora Akane Shimizu. Su fama ya es tan grande que cuenta con varios spin-off del manga en otros estilos, incluyendo manga para público shōjo y un manga seinen titulado "Hataraku saibō Black" que comentaré después.
La premisa de unos personajes antropomórficos que hacen de células, o determinados actantes de nuestro organismo, no es nueva. Pero sí lo es hacer una serie con mucha gracia, al mismo tiempo que afán de entretener y misma cantidad de rigor mientras enseña características de la biología del cuerpo humano con sus alrededor de 37 billones de células por humano adulto medio.
La trama cuenta con una protagonista, la eritrocito o hematíe novata con mal sentido de la orientación que acaba de empezar su trabajo como mensajera, un leucocito que se toma muy en serio su trabajo de avanzada en el sistema inmune, y las plaquetitas, otro grupo de células pequeñas y, como tales, en la serie tienen forma de simpáticos niños, de gran ayuda para el sistema inmunitario. Y varias células más que se van presentando poco a poco en un entramado urbanizado como una ciudad con sus calles señalizadas como 動脈 arterias, 静脈 venas, 肺 pulmones, etc. Y la importancia fundamental que tienen las células en el argumento de la serie; y buen funcionamiento de nuestro propio cuerpo.
Se muestran de forma muy entretenida los problemas que provocan virus y bacterias e incluso alergias al polen, larvas de anisakis e incluso el cáncer. Al mismo tiempo que se muestra el modo de actuar y procedencia de células sin las cuales realmente no podríamos vivir.
El anime tiene buenas dosis de acción, humor y metáforas con toque cultural japonés, donde el corazón es representado con toques de taiko y puertas torii por doquier. Mientras que un estornudo se representa con el lanzamiento de un cohete al exterior.
Esta serie hace que la biología se vuelva interesante. Y puede que sea causa de que nuevos médicos o biólogos empiecen su carrera con esta fantástica introducción. Que incluso a alguien a quien la hemoglobina y la sangre real le provoca cierta aversión puede gustarle y aprender cosas nuevas. Porque ciertos datos entran mejor con una sonrisa que a golpe de hincar los codos delante de un libro inanimado.
La música del opening es genial. Muy enérgica. El ending está cantado por el duo ClariS, aunque desde 2014 una de sus integrantes fue sustituida. Por lo tanto ya no son Clara y Alice (seudónimos) sino Clara y Karen.
La serie sólo tiene por ahora 13 episodios y deja con ganas de seguir viendo a los glóbulos rojos y demás vecinos hacer su trabajo.
El manga está siendo publicado también en inglés, y no me extrañaría verlo pronto también en librerías españolas. Aunque es más improbable que nos llegue el título seinen "Hataraku Saibō - Cells at work - BLACK", donde se muestra un cuerpo en peores condiciones con otras células protagonistas, esta vez con los roles invertidos de la estricta glóbulo blanco y un debilucho eritrocito que se enfrentan a situaciones límite. Aunque en los episodios del anime también se muestran situaciones complicadas para la supervivencia si no fuera porque al contrario que en "black" el sistema inmune suele estar fuerte y bien alimentado.
Es posible encontrar en Youtube, y otras plataformas, información y comparaciones de la serie con datos reales que identifican las distintas células-personaje con sus dimensiones reales o esperanza de vida. Hay incluso algún médico occidental que ha hecho vídeo-comentarios de varios episodios explicando lo acertados que son al respecto con la vida real.
Publicado por
Freddyncalm
el
21.11.18
Hataraku Saibō 『はたらく細胞』Cells at work
2018-11-21T18:00:00+01:00
Freddyncalm
accion|comedia|didáctico|humor|shonen|vivencias|
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viernes, 26 de octubre de 2018
Night is short, walk on girl 『夜は短し、歩けよ乙女』(Yoru wa mijikashi, arukeyo otome)
El título del largometraje podríamos traducirlo como "La dama que camina en la corta noche"; aunque yo diría que si se ha decidido comercializar con el título internacional en inglés es porque es algo difícil de traducir al español.
Masaaki Yuuasa que recientemente nos ha llenado de obras suyas gracias a su estudio ScienceSARU, ha hecho este original film, estrenado en 2017, con una frescura, humor, y desparpajo como no había visto desde que el mismo director hiciese Mind Game (2004).
La película muestra a una chica con ganas de comerse el mundo en una larga, o corta, noche festiva de celebraciones por Kioto a la que la suerte le sonríe y a su sempai del instituto, que tras largas temporadas de hacerse el encontradizo casual ha decidido por fin declararse del modo más efectivo posible, pero la indiferencia de la chica y el azar no se lo pondrá nada fácil en esta alocada noche.
Esta comedia romántica tiene un estilo con toque nostálgico que muchos críticos han valorado positivamente y ha recibido muy merecidos premios a mejor película de animación.
Más allá de las situaciones alocadas que se viven se nos van mostrando una serie de personajes y avatares de sus vidas que se entrecruzan una y otra vez con los de esta intrigante damisela de pelo negro que quiere empezar a disfrutar de lo que considera ha de ser la vida adulta. Con ritmo y estructura perfectos y un guión finamente hilbanado, se sigue la historia con interés de principio a fin haciendo uso de recursos llenos de imaginación y fantasía. Y, sobre todo humor. El humor es algo que Yuuasa se toma muy en serio. Porque Yuuasa es un genio pero de los que se hacen entender.
Aunque se introduzcan elementos que en ocasiones puedan rozar lo absurdo, al menos te lo hace pasar bien.
Me es difícil hablar de la obra sin hacer comparaciones. He notado un atisbo de la magia que Satoshi Kon incorporaba en sus películas, con cierto toque de "Tokyo Godfathers" (Culpa mía que aún no haya reseña de este anime en el blog; lo corregiré pronto. Que Kon-sama me perdone.). E incluso, un atisbo de Paprika. Pero sobre todo tiene estilo propio capaz de pasar la mano por la cara a los actuales enfant-terrible del anime como Mamoru Hosoda o Makoto Shinkai. He dicho.
Pero al margen de lo que yo diga; simplemente hay que verla y dejarse llevar por su embriagador humor. Y si ya la has visto, volverla a ver. ¿A qué sí?
La obra está basada en manga de 5 tomos serializados por la revista Shounen Ace entre 2007 y 2009, o más bien está basada en la novela de 2006 de Tomihiko Morimi, un novelista que suele ambientar sus obras en Kioto y que también fue artífice de la novela Penguin Highway en 2010, y que el nuevo estudio Colorido eligió adaptar para su primera película largometraje estrenada este pasado verano de 2018. (Espero que podamos verla pronto).
Además existe también una serie anime anterior, de 2010, basada en obra del mismo novelista que también fue adaptada por Masaaki Yuuasa con 11 episodios para televisión, que son un aperitivo perfecto para esta película ya que los personajes que salen en ella son los mismos. Esa serie se llama "Yojōhan shinwa taikei" 『四畳半神話大系』o bien "The tatami galaxy". Y parece ser la parte que en la película se muestra a modo de flashbacks resumidos donde se relatan esos intentos de encuentros "casuales" que el sempai intenta crear cuando se encuentra en su segundo año de universidad en Kioto.
Quizás el dato que me resulta más "mind-blowing" de "Night is short, walk on girl" es que el compositor de la música es Michiru Ōshima, conocido por poner música a algunas series de anime con partituras que no dejan indiferentes; como Little Witch Academia, Full Metal Alchemist(2003, 2005), o So-Ra-No-Wo-To.
Al margen de este fantástico acompañamiento para toda la película se cuenta con los conocidos Asian Kung-Fu Generation para dar el toque pop a esta sencilla historia con situaciones cotidianas en la vida y exageraciones sin sentido pero llenas de significado.
Masaaki Yuuasa que recientemente nos ha llenado de obras suyas gracias a su estudio ScienceSARU, ha hecho este original film, estrenado en 2017, con una frescura, humor, y desparpajo como no había visto desde que el mismo director hiciese Mind Game (2004).

Esta comedia romántica tiene un estilo con toque nostálgico que muchos críticos han valorado positivamente y ha recibido muy merecidos premios a mejor película de animación.
Aunque se introduzcan elementos que en ocasiones puedan rozar lo absurdo, al menos te lo hace pasar bien.

Pero al margen de lo que yo diga; simplemente hay que verla y dejarse llevar por su embriagador humor. Y si ya la has visto, volverla a ver. ¿A qué sí?
La obra está basada en manga de 5 tomos serializados por la revista Shounen Ace entre 2007 y 2009, o más bien está basada en la novela de 2006 de Tomihiko Morimi, un novelista que suele ambientar sus obras en Kioto y que también fue artífice de la novela Penguin Highway en 2010, y que el nuevo estudio Colorido eligió adaptar para su primera película largometraje estrenada este pasado verano de 2018. (Espero que podamos verla pronto).
Además existe también una serie anime anterior, de 2010, basada en obra del mismo novelista que también fue adaptada por Masaaki Yuuasa con 11 episodios para televisión, que son un aperitivo perfecto para esta película ya que los personajes que salen en ella son los mismos. Esa serie se llama "Yojōhan shinwa taikei" 『四畳半神話大系』o bien "The tatami galaxy". Y parece ser la parte que en la película se muestra a modo de flashbacks resumidos donde se relatan esos intentos de encuentros "casuales" que el sempai intenta crear cuando se encuentra en su segundo año de universidad en Kioto.
Quizás el dato que me resulta más "mind-blowing" de "Night is short, walk on girl" es que el compositor de la música es Michiru Ōshima, conocido por poner música a algunas series de anime con partituras que no dejan indiferentes; como Little Witch Academia, Full Metal Alchemist(2003, 2005), o So-Ra-No-Wo-To.
Al margen de este fantástico acompañamiento para toda la película se cuenta con los conocidos Asian Kung-Fu Generation para dar el toque pop a esta sencilla historia con situaciones cotidianas en la vida y exageraciones sin sentido pero llenas de significado.
Género:
absurdo
,
comedia_romantica
,
experimental
,
fantasia
,
humor
,
romance
,
slapstick
,
surrealismo
,
vivencias
sábado, 8 de septiembre de 2018
Mary y la flor de la bruja『メアリと魔女の花』(Mary and the witch's flower)
La esperadísima primera película del Studio Ponoc se ha estrenado finalmente en España, dirigida por Hiromasa Yonebayashi. ¿Será posible hacer una reseña de esta película sin pronunciar ni una sóla vez la palabra "Ghibli"? (ups) Voy a intentarlo.
Studio Ponoc es un estudio de nueva creación pero sus integrantes no son en absoluto unos novatos. Empezando por el director de la película que ya tuvo un estreno de fuego siendo el director en "cierto estudio" que más joven se ponía a las riendas de un proyecto de largometraje y que además cosechó tanto éxito; y todo el mundo calificó enseguida como sucesor de Miyazaki. (¿cuantos posibles sucesores tiene ya?)
Nadie será, para bien o para mal, sucesor del estilo y personalidad del genio ex-re-re-jubilado. Pero si alguien tenía dudas, con "Mary y la flor de la bruja" se confirma que Hiromasa Yonebayashi puede llegar a ser practicamente como su maestro.
No hace falta un clon de un artista particular teniendo al original.
Personalmente prefiero la visión que mezcla realidad y fantasía que aporta Yonebayashi en sus tres películas dirigidas hasta la fecha. Cuatro, si contamos el reciente cortometraje "Kanini to kanino" que estrenó Studio Ponoc este verano en Japón como parte de la película "Chīsana eiyū: Kani to tamago to tōmei ningen"(Modest Heroes) que consistió en tres cortometrajes de tres directores del estudio, a falta del cuarto director Isao Takahata que lamentablemente falleció en abril antes de realizar su proyecto.
"Mary y la flor de la bruja" es una película para niños, aunque no es una etiqueta comercial para ganar más audiencia. Realmente se puede decir así. Pero no significa que los mayores no vayamos a disfrutar mucho más que ellos una película donde no se tratan temas excesivamente complicados salvo por exigencia del guión. Sin filosofía profunda, ni extremada violencia. No obstante, podría rivalizar en alguna escena de acción con la película de "cierto estudio" -La princesa mononoke-. Los guiños a trabajos anteriores de "cierto estudio" son también continuados. La de "Chihiro" está también presente en el diseño de algún personaje y también hay una pequeña porción de su fantasía desbordante.
Lamento no haber visto todavía "El castillo ambulante" pues me ha parecido que también había algún guiño a ella.
Se pueden notar también guiños, evidentemente a Kiki's delivery service, y a Ponyo.
La historia nos cuenta cómo Mary, una niña que pasa unos días con su abuela, encuentra una extraña flor en el bosque que parece aportar poderes mágicos y una escoba voladora que le conducen a la Universidad de Endor(no, no hay ewoks); donde grandes brujas han estudiado y Mary parece estar dotada para formar parte de ella y ser la mejor de las mejores pero en esta universidad sólo hay una norma importante por encima de todas las demás: -No se aceptan impostores o serán transformados en otra cosa.
Sin entrar en detalles, antes de verla podría decirse que estamos ante un "Viaje de Chihiro conoce a Harry Potter"; Pero realmente no es algo tan complejo. Es una historia más simple con varios conflictos y solución final. Lo importante es cómo se muestran.
Aún con ciertas carencias en la parte de la trama argumental del guión se nota que se han trabajado mucho los personajes y tienen una profundidad que sobresale más allá de la pantalla.
El film cuenta con música compuesta por Takatsugu Muramatsu. Se hace algo extraño no ver a Hisaishi como compositor. Pero la banda sonora es realmente cautivadora. Aunque se echa de menos en ocasiones; supongo que para equilibrar ritmo y estructura, y que no canse durante los casi 100 minutos que dura el metraje.
El compositor Muramatsu es ya habitual en las películas de Yonebayashi, como en Arrietty y Marnie, y ha sido autor también de la banda sonora de Lu over the wall.
Es más una película con sucesión de acciones en cadena que un viaje emocional a la madurez como Chihiro o una película cualquiera de magos que compiten y se efrentan a terribles enemigos. Es, por tanto, una película muy agradable de ver. Para dejar de pensar un rato y disfrutarla sin más.
Se disfruta mucho porque en la parte visual derrochan toda la imaginería de la que siempre hizo gala "cierto estudio" y demuestran que Studio Ponoc es "cierto estudio", y goza de buena salud.
Bravo, Hiromasa.
Studio Ponoc es un estudio de nueva creación pero sus integrantes no son en absoluto unos novatos. Empezando por el director de la película que ya tuvo un estreno de fuego siendo el director en "cierto estudio" que más joven se ponía a las riendas de un proyecto de largometraje y que además cosechó tanto éxito; y todo el mundo calificó enseguida como sucesor de Miyazaki. (¿cuantos posibles sucesores tiene ya?)
Nadie será, para bien o para mal, sucesor del estilo y personalidad del genio ex-re-re-jubilado. Pero si alguien tenía dudas, con "Mary y la flor de la bruja" se confirma que Hiromasa Yonebayashi puede llegar a ser practicamente como su maestro.
No hace falta un clon de un artista particular teniendo al original.
Personalmente prefiero la visión que mezcla realidad y fantasía que aporta Yonebayashi en sus tres películas dirigidas hasta la fecha. Cuatro, si contamos el reciente cortometraje "Kanini to kanino" que estrenó Studio Ponoc este verano en Japón como parte de la película "Chīsana eiyū: Kani to tamago to tōmei ningen"(Modest Heroes) que consistió en tres cortometrajes de tres directores del estudio, a falta del cuarto director Isao Takahata que lamentablemente falleció en abril antes de realizar su proyecto.
"Mary y la flor de la bruja" es una película para niños, aunque no es una etiqueta comercial para ganar más audiencia. Realmente se puede decir así. Pero no significa que los mayores no vayamos a disfrutar mucho más que ellos una película donde no se tratan temas excesivamente complicados salvo por exigencia del guión. Sin filosofía profunda, ni extremada violencia. No obstante, podría rivalizar en alguna escena de acción con la película de "cierto estudio" -La princesa mononoke-. Los guiños a trabajos anteriores de "cierto estudio" son también continuados. La de "Chihiro" está también presente en el diseño de algún personaje y también hay una pequeña porción de su fantasía desbordante.
Lamento no haber visto todavía "El castillo ambulante" pues me ha parecido que también había algún guiño a ella.
Se pueden notar también guiños, evidentemente a Kiki's delivery service, y a Ponyo.
La historia nos cuenta cómo Mary, una niña que pasa unos días con su abuela, encuentra una extraña flor en el bosque que parece aportar poderes mágicos y una escoba voladora que le conducen a la Universidad de Endor(no, no hay ewoks); donde grandes brujas han estudiado y Mary parece estar dotada para formar parte de ella y ser la mejor de las mejores pero en esta universidad sólo hay una norma importante por encima de todas las demás: -No se aceptan impostores o serán transformados en otra cosa.
Sin entrar en detalles, antes de verla podría decirse que estamos ante un "Viaje de Chihiro conoce a Harry Potter"; Pero realmente no es algo tan complejo. Es una historia más simple con varios conflictos y solución final. Lo importante es cómo se muestran.
Aún con ciertas carencias en la parte de la trama argumental del guión se nota que se han trabajado mucho los personajes y tienen una profundidad que sobresale más allá de la pantalla.
El film cuenta con música compuesta por Takatsugu Muramatsu. Se hace algo extraño no ver a Hisaishi como compositor. Pero la banda sonora es realmente cautivadora. Aunque se echa de menos en ocasiones; supongo que para equilibrar ritmo y estructura, y que no canse durante los casi 100 minutos que dura el metraje.
El compositor Muramatsu es ya habitual en las películas de Yonebayashi, como en Arrietty y Marnie, y ha sido autor también de la banda sonora de Lu over the wall.
Es más una película con sucesión de acciones en cadena que un viaje emocional a la madurez como Chihiro o una película cualquiera de magos que compiten y se efrentan a terribles enemigos. Es, por tanto, una película muy agradable de ver. Para dejar de pensar un rato y disfrutarla sin más.
Se disfruta mucho porque en la parte visual derrochan toda la imaginería de la que siempre hizo gala "cierto estudio" y demuestran que Studio Ponoc es "cierto estudio", y goza de buena salud.
Bravo, Hiromasa.
martes, 21 de agosto de 2018
Devilman Crybaby
El autor de Mazinger Z, Go Nagai es autor de este famoso manga llamado Devilman que desde los años 70 ha contado con multiples continuaciones, series anime, novela e incluso una película "crossover" donde Mazinger Z y Devilman luchan contra el Doctor Infierno. Mientras Go Nagai sigue haciendo viñetas del personaje manga.
Este año la nueva productora de Masaaki Yuuasa, Science SARU lanzó una nueva serie sobre Devilman contada en 10 episodios ONA que, en España y otros países, fueron distribuidos por Netflix en enero. Además, si esta nueva serie supiera a poco, en Netflix también puede verse otra serie de 3 OVA que junta, en otro "crossover", a dos mangakas: Shōtarō Ishinomori y Go Nagai con "Cyborg 009 vs Devilman".
Si Mazinger Z era una serie juvenil de aventuras y acción. En Devilman tenemos el lado oscuro, lleno de sexo y violencia a borbotones, de Go Nagai. Y la libertad desbocada de Masaaki a la hora de hacer animación.
Akira Fudō es requerido por su amigo de la infancia, Ryō Asuka, para que le ayude a desvelar una investigación que lleva entre manos y termina afectando al propio Akira. Akira y Ryō comienzan una larga batalla contra demonios, aunque Ryō tiene sus propias ideas sobre cómo deben ser combatidos. Para ello un hombre tiene que convertirse en demonio. Un demonio-hombre. Devilman.
No es una serie fácil de digerir pero merece la pena hacer el esfuerzo por ver sus diez episodios para tener un poco más claro que la animación japonesa puede ser cruel y dura, sin contemplaciones. Una serie que tiene acción y estrambóticos demonios más malos que la quina.
A destacar, la animación de cabecera que curiosamente está dirigida por artistas españoles afincados en Japón que trabajan en el estudio de Masaaki; Juanma Laguna y Abel Góngora.
Este año la nueva productora de Masaaki Yuuasa, Science SARU lanzó una nueva serie sobre Devilman contada en 10 episodios ONA que, en España y otros países, fueron distribuidos por Netflix en enero. Además, si esta nueva serie supiera a poco, en Netflix también puede verse otra serie de 3 OVA que junta, en otro "crossover", a dos mangakas: Shōtarō Ishinomori y Go Nagai con "Cyborg 009 vs Devilman".
Si Mazinger Z era una serie juvenil de aventuras y acción. En Devilman tenemos el lado oscuro, lleno de sexo y violencia a borbotones, de Go Nagai. Y la libertad desbocada de Masaaki a la hora de hacer animación.
Akira Fudō es requerido por su amigo de la infancia, Ryō Asuka, para que le ayude a desvelar una investigación que lleva entre manos y termina afectando al propio Akira. Akira y Ryō comienzan una larga batalla contra demonios, aunque Ryō tiene sus propias ideas sobre cómo deben ser combatidos. Para ello un hombre tiene que convertirse en demonio. Un demonio-hombre. Devilman.
No es una serie fácil de digerir pero merece la pena hacer el esfuerzo por ver sus diez episodios para tener un poco más claro que la animación japonesa puede ser cruel y dura, sin contemplaciones. Una serie que tiene acción y estrambóticos demonios más malos que la quina.
A destacar, la animación de cabecera que curiosamente está dirigida por artistas españoles afincados en Japón que trabajan en el estudio de Masaaki; Juanma Laguna y Abel Góngora.
Publicado por
Freddyncalm
el
21.8.18
Devilman Crybaby
2018-08-21T04:17:00+02:00
Freddyncalm
accion|drama|gore|rap|seinen|sobrenatural|terror|
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sábado, 21 de julio de 2018
Blade Runner: Black Out 2022
La secuela de película de culto "Blade Runner 2049" contó con dos cortometrajes de acción real de seis minutos de duración, a modo de prólogo, titulados "2036: Nexus Dawn" y "2048: Nowhere to run".
Como sucediera con la secuela de Matrix, además de esos dos cortometrajes se encargó a la maquinaria de anime japonés que realizara este anime de quince minutos de duración. Sin reparar en gastos. Para lo cual contrataron ni más ni menos que a Shin'ichirō Watanabe, director de Cowboy Bebop y Zankyō no Terror.
Hay alguna similitud con alguna de las obras de Watanabe en estilo e incluso desenlace pero es mejor no hacer comparaciones.
Se puede decir que pinta muy bien como aperitivo de la nueva secuela, más de 30 años después de la primera versión (de nosecuantas versiones que hicieron productores y el director Ridley Scott para exprimir la gallina de los huevos de oro), y hace revivir el ambiente de ese futuro distópico que creaba la primera película y sigue encajando muy bien, visto hoy día.
En esta ocasión, tres años después de los hechos que acontecen en "Blade Runner", se nos muestra a dos replicantes, robots de aspecto humanoide, colaborando en una difícil misión para eludir el control de hordas de humanos supremacistas que desean su exterminio. Mientras, alternando con flashbacks, vemos de donde proceden los replicantes y aquello que el Nexus 6 de la película de 1982 contaba al terminar: "-He visto batallas más allá de Orión...-" y se explican razones de la rebelión.
Es mucho argumento, una gran imaginería y una atmósfera que evoca la película original a cada frame. Al mismo tiempo que hace de puente para enlazar con lo que será la secuela. Son muchas cosas que se muestran en tan sólo 15 minutos pero es un anime que merece la pena ver y magistralmente dirigido como cabía esperar de semejante director de anime.
La música es obra de un californiano apodado Flying Lotus que emula muy bien aquellos riffeos y acordes electrónicos con los que inundó Vangelis la película original.
Es imprescindible, sobre todo, si se es fan de la ciencia ficción distópica y se ha visto la primera película con intención de ver Blade Runner 2049 para tener las ideas más claras sobre qué pasó desde 2019 hasta 30 años después.
Como sucediera con la secuela de Matrix, además de esos dos cortometrajes se encargó a la maquinaria de anime japonés que realizara este anime de quince minutos de duración. Sin reparar en gastos. Para lo cual contrataron ni más ni menos que a Shin'ichirō Watanabe, director de Cowboy Bebop y Zankyō no Terror.
Hay alguna similitud con alguna de las obras de Watanabe en estilo e incluso desenlace pero es mejor no hacer comparaciones.
Se puede decir que pinta muy bien como aperitivo de la nueva secuela, más de 30 años después de la primera versión (de nosecuantas versiones que hicieron productores y el director Ridley Scott para exprimir la gallina de los huevos de oro), y hace revivir el ambiente de ese futuro distópico que creaba la primera película y sigue encajando muy bien, visto hoy día.
En esta ocasión, tres años después de los hechos que acontecen en "Blade Runner", se nos muestra a dos replicantes, robots de aspecto humanoide, colaborando en una difícil misión para eludir el control de hordas de humanos supremacistas que desean su exterminio. Mientras, alternando con flashbacks, vemos de donde proceden los replicantes y aquello que el Nexus 6 de la película de 1982 contaba al terminar: "-He visto batallas más allá de Orión...-" y se explican razones de la rebelión.
Es mucho argumento, una gran imaginería y una atmósfera que evoca la película original a cada frame. Al mismo tiempo que hace de puente para enlazar con lo que será la secuela. Son muchas cosas que se muestran en tan sólo 15 minutos pero es un anime que merece la pena ver y magistralmente dirigido como cabía esperar de semejante director de anime.
La música es obra de un californiano apodado Flying Lotus que emula muy bien aquellos riffeos y acordes electrónicos con los que inundó Vangelis la película original.
Es imprescindible, sobre todo, si se es fan de la ciencia ficción distópica y se ha visto la primera película con intención de ver Blade Runner 2049 para tener las ideas más claras sobre qué pasó desde 2019 hasta 30 años después.
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Freddyncalm
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21.7.18
Blade Runner: Black Out 2022
2018-07-21T21:30:00+02:00
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jueves, 28 de junio de 2018
Pop Team Epic
El pasado mes de enero de 2018 se pudo ver en simulcast por Crunchyroll la serie de 12 episodios, o 24 (no lo tengo claro),Pop Team Epic. O, para abreviar, Poputepipikku. 『ポプテピピック』
Anime basado en el popular yon-koma(tira de 4 viñetas) del mismo nombre, con dos protagonistas llamadas Popuko y Pipimi.
El humor absurdo traspasa las fronteras de la ficción para volverse prácticamente una parodia de la parodia en sí misma. Es una obra que extrae el surrealismo incipiente de la cultura popular actual. Burlándose de todas las modas modernas a las que hace guiños sin parar; al mismo tiempo que hace referencia a modas de las que ya casi nadie se acordaba.
Como buen 4-koma, no es una serie con una trama argumental sino mayormente de breves sketches de humor sofisticado. Cada cual dirigido con estilo diferente por distintos directores principales involucrados en el anime.
Si tu sentido del humor no está suficientemente desarrollado para esta serie es mejor que la dejes para un momento en que tu curiosa mente anhele ver algo diferente a lo habitual y tenga capacidad para dar sentido a lo que va a ver o simplemente asumir que no todo en esta vida lo tiene.
Para muestra, cada episodio de la serie se emite como si alguien hubiera grabado encima de un anime "normal" tras ver empezar un episodio de unos 25 minutos, titulado "Hoshiiro Girldrop" con su opening y todo, que parece ser un anime de vivencias y romance de los tiempos que corren; siguiendo la broma con la que el anime fue anunciado un año antes en "april fools". Y, terminado el capítulo de poputepipikku, el avance del siguiente episodio es por supuesto el de "Hoshiiro Girldrop". Serie ficticia que tarde o temprano se hará realmente. Y no sería la primera vez como pasa en Densha Otoko o en Genshiken.
Por si esa broma no fuera suficiente, cada capítulo dura unos 12 minutos realmente y se emite dos veces con actores y actrices de doblaje diferentes para la voz de Popuko y Pipimi. Mientras que el resto de personajes suele tener la misma voz en ambas partes del capítulo. Aunque en ocasiones, el guión cambia e improvisan de forma diferente entre una parte del capítulo y su "repetición".
Tiene más de un celebrado número musical y toques de la cultura del videojuego, películas y mundo otaku condensados. En cualquier caso no es un anime que deje indiferente a nadie, para bien o para mal. Pero no habrás visto nunca antes otra serie igual.
Anime basado en el popular yon-koma(tira de 4 viñetas) del mismo nombre, con dos protagonistas llamadas Popuko y Pipimi.
El humor absurdo traspasa las fronteras de la ficción para volverse prácticamente una parodia de la parodia en sí misma. Es una obra que extrae el surrealismo incipiente de la cultura popular actual. Burlándose de todas las modas modernas a las que hace guiños sin parar; al mismo tiempo que hace referencia a modas de las que ya casi nadie se acordaba.
Como buen 4-koma, no es una serie con una trama argumental sino mayormente de breves sketches de humor sofisticado. Cada cual dirigido con estilo diferente por distintos directores principales involucrados en el anime.
Si tu sentido del humor no está suficientemente desarrollado para esta serie es mejor que la dejes para un momento en que tu curiosa mente anhele ver algo diferente a lo habitual y tenga capacidad para dar sentido a lo que va a ver o simplemente asumir que no todo en esta vida lo tiene.
Para muestra, cada episodio de la serie se emite como si alguien hubiera grabado encima de un anime "normal" tras ver empezar un episodio de unos 25 minutos, titulado "Hoshiiro Girldrop" con su opening y todo, que parece ser un anime de vivencias y romance de los tiempos que corren; siguiendo la broma con la que el anime fue anunciado un año antes en "april fools". Y, terminado el capítulo de poputepipikku, el avance del siguiente episodio es por supuesto el de "Hoshiiro Girldrop". Serie ficticia que tarde o temprano se hará realmente. Y no sería la primera vez como pasa en Densha Otoko o en Genshiken.
Por si esa broma no fuera suficiente, cada capítulo dura unos 12 minutos realmente y se emite dos veces con actores y actrices de doblaje diferentes para la voz de Popuko y Pipimi. Mientras que el resto de personajes suele tener la misma voz en ambas partes del capítulo. Aunque en ocasiones, el guión cambia e improvisan de forma diferente entre una parte del capítulo y su "repetición".
Tiene más de un celebrado número musical y toques de la cultura del videojuego, películas y mundo otaku condensados. En cualquier caso no es un anime que deje indiferente a nadie, para bien o para mal. Pero no habrás visto nunca antes otra serie igual.
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absurdo
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lunes, 28 de mayo de 2018
Violet Evergarden
Vaya por delante que me ha gustado mucho esta serie anime de Kyoto Animation y seguro que me extiendo más de lo necesario. La serie se basa en una serie de novelas ligeras ganadoras de más de una categoría en unos premios que los propios estudios concedieron en 2014.
Hay pocos estudios como "KyoAni" que rivalicen en la calidad de sus obras y sello personal. Seguro que ya lo he dicho en alguna otra reseña. Y me gusta este anime, que Netflix distribuye, aunque sea una serie con ingredientes de géneros quizás muy comunes, que en mi caso no tendrían porque gustarme demasiado como el drama, romance, acción bélica e incluso algo de ciencia ficción o, más bien, algo parecido al steampunk; donde se muestra un escenario de época, próximo a los finales del siglo XIX o comienzos del XX con un toque refinado de la Europa clásica en contraposición con el uso de manos protésicas de adamantium(sí, el mismo metal de las garras de Lobezno-Wolverine- en los X-Men).
Todo ello para... escribir cartas en una máquina de escribir.
La mezcla funciona. Se aparta de los géneros comunes de anime, al no estar ambientado en Japón; ni el presente moderno. Pero está dotado de gran realismo en lo que podría ser perfectamente una región con claras influencias y costumbres occidentales. Con coherencia cultural; sin mezclar culturas dispares. Llevando el tema del diseño artístico a un nivel por encima de series como "Sora no woto".
Este escenario es cuando menos intrigante. Para querer saber más.
Y me ha gustado mucho el anime porque, aparte del personaje femenino protagonista que da nombre a la serie, cobra protagonismo la máquina de escribir. Por alguna razón, siempre me fascinaron los aparatos con teclas o botones. Las máquinas de escribir, siendo lo suficientemente "viejuno" para haberlas utilizado al aprender mecanografía con ellas, son una de las pocas cosas del pasado que me producen cierta nostalgia.
Y ese protagonismo está en la historia, en detalles y accesorios que acompañan a la protagonista, y en la fantástica música orquestal compuesta por Evan Call que integra los chasquidos característicos de las teclas en la banda sonora; que acompaña a la serie desde el comienzo. Y que le da un aire cinematográfico que también evoca cierto cine del pasado como la secuencia introductoria de "Forrest Gump". Supongo que no seré el único que note esa similitud en el primer episodio. No tanto musicalmente sino como por la puesta en escena.
El romance está tratado de un modo que, pese a que domina toda la historia, no llega a sentirse cursi o empalagoso. Es una historia bonita, y en ocasiones triste, que transmite muchas emociones diferentes. Tiene una trama argumental que conduce hasta el momento final en el episodio 13. (Con un arco alternativo que está previsto se estrene en forma de OVA nº 14, en julio de 2018)
Pero, si algo merece la pena en este anime es conocer a Violet Evergarden. ¿Es una chica o una máquina? Realmente no se sabe distinguir en los primeros episodios. Poco a poco, a razón de 25 minutos por episodio, contándonos su historia entre algún que otro flashback para recordarnos una reciente guerra que aún tiene frentes abiertos y cicatrices que aliviar, se nos muestra cuánto hay de humano en ella con cada nuevo episodio; en ocasiones autoconclusivo. Con personajes que encandilan y haciendo el mundo de la serie "Violet Evergarden" cada vez más grande.
Todo ello para... escribir cartas en una máquina de escribir.
La mezcla funciona. Se aparta de los géneros comunes de anime, al no estar ambientado en Japón; ni el presente moderno. Pero está dotado de gran realismo en lo que podría ser perfectamente una región con claras influencias y costumbres occidentales. Con coherencia cultural; sin mezclar culturas dispares. Llevando el tema del diseño artístico a un nivel por encima de series como "Sora no woto".
Este escenario es cuando menos intrigante. Para querer saber más.
Y me ha gustado mucho el anime porque, aparte del personaje femenino protagonista que da nombre a la serie, cobra protagonismo la máquina de escribir. Por alguna razón, siempre me fascinaron los aparatos con teclas o botones. Las máquinas de escribir, siendo lo suficientemente "viejuno" para haberlas utilizado al aprender mecanografía con ellas, son una de las pocas cosas del pasado que me producen cierta nostalgia.
Y ese protagonismo está en la historia, en detalles y accesorios que acompañan a la protagonista, y en la fantástica música orquestal compuesta por Evan Call que integra los chasquidos característicos de las teclas en la banda sonora; que acompaña a la serie desde el comienzo. Y que le da un aire cinematográfico que también evoca cierto cine del pasado como la secuencia introductoria de "Forrest Gump". Supongo que no seré el único que note esa similitud en el primer episodio. No tanto musicalmente sino como por la puesta en escena.
El romance está tratado de un modo que, pese a que domina toda la historia, no llega a sentirse cursi o empalagoso. Es una historia bonita, y en ocasiones triste, que transmite muchas emociones diferentes. Tiene una trama argumental que conduce hasta el momento final en el episodio 13. (Con un arco alternativo que está previsto se estrene en forma de OVA nº 14, en julio de 2018)
Pero, si algo merece la pena en este anime es conocer a Violet Evergarden. ¿Es una chica o una máquina? Realmente no se sabe distinguir en los primeros episodios. Poco a poco, a razón de 25 minutos por episodio, contándonos su historia entre algún que otro flashback para recordarnos una reciente guerra que aún tiene frentes abiertos y cicatrices que aliviar, se nos muestra cuánto hay de humano en ella con cada nuevo episodio; en ocasiones autoconclusivo. Con personajes que encandilan y haciendo el mundo de la serie "Violet Evergarden" cada vez más grande.
Publicado por
Freddyncalm
el
28.5.18
Violet Evergarden
2018-05-28T20:45:00+02:00
Freddyncalm
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lunes, 30 de abril de 2018
Genocidal organ
Esta película forma parte del proyecto noitaminA que propuso hacer tres largometrajes animados basados en novelas de Project Itō. Seudónimo de Satoshi Itō, fallecido en 2009 con sólo 34 años, que llegó a publicar relatos de cierto éxito dentro del género de ciencia ficción distópica, donde mezcla grandes dosis de fantasía, terror, acción o suspense; Como, entre otras, la novela de "Metal Gear Solid 4: Guns of the Patriots".
Genocidal organ es la tercera película de un proyecto de tres películas basadas en relatos de Itō. Películas encargadas a estudios de anime diferentes de Japón.
Con la mala suerte de que ésta última se encargó a Manglobe; famoso estudio de "Ergo Proxy". Que entró en bancarrota teniendo la producción a medio hacer. Por suerte, la película no quedó en saco roto y con los restos de la producción se fundó el estudio Geno Studio que concluyó la película con algo de retraso respecto a lo esperado.
Para seguir con la mala suerte, en nuestro país su distribuidor es "Yowu Entertainment". Que si no los conocéis, es normal. Ya que no son muy populares como distribuidora. Por mala suerte. Por escasa financiación. O por lo que sea. Aunque son de los que más arriesgan al elegir títulos de manga y anime juvenil y adulto en España. Pero sus incondicionales si alguna vez tuvieron, cada vez son menos. El problema es que su ritmo de publicación y los soportes de distribución usados parece que vayan hacia atrás en vez de hacia adelante.
Eso no dice nada bueno tampoco de las distribuidoras más importantes en España. Ya que si hay títulos que sólo trae Yowu es porque ellas no se arriesgan.
Si alguna vez, a través de este blog, me he mostrado neutral entre el trabajo de las distribuidoras, dueños legítimos de los derechos de distribución y la labor de los fansubs; voy a romper una lanza por esa labor titánica y en muchas ocasiones sin remuneración que hacen los traductores no profesionales para acercar anime que nunca veremos en nuestro país de no ser por ellos.
Vista la cantidad de buen ANIME que jamás llega a nuestro país, ni siquiera a través de Crunchyroll u otras plataformas de streaming occidentales, creo que el FANSUB es todo lo contrario a criminalizable, como se lleva años tratando de engañar a la población de todo el mundo.
Hacer fansubs sin fines lucrativos (usar links adf.ly o banners publicitarios en la web es lucrativo, nenes), no es en absoluto un delito; y mucho menos un crimen. Debería ser recompensado. Con buenos sueldos, y yo incluso les dedicaría alguna calle en mi ciudad y un monumento.
Lo que sí es de juzgado de guardia es que distribuidoras nacionales no apuesten por otro anime que el que piensan les va a reportar más beneficio. Mientras obras que han tenido un éxito tremendo, no sólo en Japón sino fuera de Japón también, jamás llegan a estrenarse en los circuitos convencionales.
Esta distribuidora de segundo palo, es lo peor que le podía pasar en España a este título (y los tres de la serie Project Itoh) y cualquier otro anime medianamente bueno que por fatalidad han recibido derechos de distribución. No es el primero, ni, por desgracia, será el último que maltrate una(la) distribuidora.
Por suerte vi la película en una de las pocas opciones que da Yowu a ver sus obras licenciadas, como un esfuerzo colosal por su parte, en el Festival de Anime que se celebró en Pamplona en enero de 2018, FAN'18.
Genocidal organ es un psicothriller bélico donde se nos muestra a un soldado de fuerzas especiales de la agencia de inteligencia estadounidense que debe localizar a un científico americano responsable de una ola de crímenes mundial aparentemente al haber descubierto un modo de manipular el comportamiento humano hasta el punto de lograr volver a personas normales en asesinos de masas mediante el simple uso de palabras, como si de un tipo de hipnosis se tratase. En su misión encubierta tendrá que hacerse pasar por alumno de una filóloga que enseña checo en Praga que puede tener alguna conexión con el objetivo.
La película muestra violencia de forma cruda y subjetiva en escenarios de guerra de distintas partes del mundo. Y una excusa demasiado pobre para justificarla que pondrá a prueba la humanidad del protagonista. En cualquier caso es una película con toques de ciencia-ficción futurista entretenida, con cierta dosis de intriga y bien narrada.
Es resaltable que el pluriempleadísimo "ryo" (supercell) se encargó de poner música a los créditos finales de la película, con el tema "Reloaded" 『リローデッド』。
Si tienes la ocasión de verla, aunque veo difícil que aparezca pronto en algún sitio más fuera de Japón, y no te asusta ver sangrientos combates tácticos donde no se salva ni el apuntador, prueba a verla a ver qué te parece.
Este es su trailer:
Genocidal organ es la tercera película de un proyecto de tres películas basadas en relatos de Itō. Películas encargadas a estudios de anime diferentes de Japón.
Con la mala suerte de que ésta última se encargó a Manglobe; famoso estudio de "Ergo Proxy". Que entró en bancarrota teniendo la producción a medio hacer. Por suerte, la película no quedó en saco roto y con los restos de la producción se fundó el estudio Geno Studio que concluyó la película con algo de retraso respecto a lo esperado.
Para seguir con la mala suerte, en nuestro país su distribuidor es "Yowu Entertainment". Que si no los conocéis, es normal. Ya que no son muy populares como distribuidora. Por mala suerte. Por escasa financiación. O por lo que sea. Aunque son de los que más arriesgan al elegir títulos de manga y anime juvenil y adulto en España. Pero sus incondicionales si alguna vez tuvieron, cada vez son menos. El problema es que su ritmo de publicación y los soportes de distribución usados parece que vayan hacia atrás en vez de hacia adelante.
Eso no dice nada bueno tampoco de las distribuidoras más importantes en España. Ya que si hay títulos que sólo trae Yowu es porque ellas no se arriesgan.
Si alguna vez, a través de este blog, me he mostrado neutral entre el trabajo de las distribuidoras, dueños legítimos de los derechos de distribución y la labor de los fansubs; voy a romper una lanza por esa labor titánica y en muchas ocasiones sin remuneración que hacen los traductores no profesionales para acercar anime que nunca veremos en nuestro país de no ser por ellos.
Vista la cantidad de buen ANIME que jamás llega a nuestro país, ni siquiera a través de Crunchyroll u otras plataformas de streaming occidentales, creo que el FANSUB es todo lo contrario a criminalizable, como se lleva años tratando de engañar a la población de todo el mundo.
Hacer fansubs sin fines lucrativos (usar links adf.ly o banners publicitarios en la web es lucrativo, nenes), no es en absoluto un delito; y mucho menos un crimen. Debería ser recompensado. Con buenos sueldos, y yo incluso les dedicaría alguna calle en mi ciudad y un monumento.
Lo que sí es de juzgado de guardia es que distribuidoras nacionales no apuesten por otro anime que el que piensan les va a reportar más beneficio. Mientras obras que han tenido un éxito tremendo, no sólo en Japón sino fuera de Japón también, jamás llegan a estrenarse en los circuitos convencionales.
Esta distribuidora de segundo palo, es lo peor que le podía pasar en España a este título (y los tres de la serie Project Itoh) y cualquier otro anime medianamente bueno que por fatalidad han recibido derechos de distribución. No es el primero, ni, por desgracia, será el último que maltrate una(la) distribuidora.
Por suerte vi la película en una de las pocas opciones que da Yowu a ver sus obras licenciadas, como un esfuerzo colosal por su parte, en el Festival de Anime que se celebró en Pamplona en enero de 2018, FAN'18.
Genocidal organ es un psicothriller bélico donde se nos muestra a un soldado de fuerzas especiales de la agencia de inteligencia estadounidense que debe localizar a un científico americano responsable de una ola de crímenes mundial aparentemente al haber descubierto un modo de manipular el comportamiento humano hasta el punto de lograr volver a personas normales en asesinos de masas mediante el simple uso de palabras, como si de un tipo de hipnosis se tratase. En su misión encubierta tendrá que hacerse pasar por alumno de una filóloga que enseña checo en Praga que puede tener alguna conexión con el objetivo.
La película muestra violencia de forma cruda y subjetiva en escenarios de guerra de distintas partes del mundo. Y una excusa demasiado pobre para justificarla que pondrá a prueba la humanidad del protagonista. En cualquier caso es una película con toques de ciencia-ficción futurista entretenida, con cierta dosis de intriga y bien narrada.
Es resaltable que el pluriempleadísimo "ryo" (supercell) se encargó de poner música a los créditos finales de la película, con el tema "Reloaded" 『リローデッド』。
Si tienes la ocasión de verla, aunque veo difícil que aparezca pronto en algún sitio más fuera de Japón, y no te asusta ver sangrientos combates tácticos donde no se salva ni el apuntador, prueba a verla a ver qué te parece.
Este es su trailer:
Publicado por
Freddyncalm
el
30.4.18
Genocidal organ
2018-04-30T04:40:00+02:00
Freddyncalm
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sábado, 31 de marzo de 2018
Un lugar más lejano que el cielo - 宇宙よりも遠い場所 (A place further than the universe)
Sora yori mo tooi basho, o bien "Yorimoi", como se suele abreviar, es un anime de 13 episodios que empezó a emitirse en las TVs de Japón y también por Crunchyroll entre el 2 de enero y 27 de marzo de 2018.
Serie original del mismo equipo de Madhouse que creó "No game, no life". Pero totalmente alejado de la temática y estilo de ésta. Y, en mi opinión, es una serie genial.
En este caso estamos ante una serie de estilo vivencias. Pero lo mostrado no son vidas cotidianas corrientes en absoluto. Ya que sus protagonistas quieren llegar a la Antártida. Eso está muy alejado de las típicas series de vivencias. Y como a unos 14.000 kilómetros de Tokio.
El diseño de personajes recuerda a K-On, con estudiantes de instituto, personalidades similares. Incluso la canción del opening tiene un breve toque de batería inicial similar a la serie de Kyoto Animation.
Pero esta serie, como ya he dicho, va más lejos que un anime de vivencias de KyoAni, A-1 Pictures o Silver Link. También hay un episodio que recuerda bastante por el escenario y la acción a "Yama no susume" del Estudio 8-Bit, también chicas de instituto que escalan montañas y ven amaneceres (go-raikō).
Pero aquí, los personajes tienen un aura especial, una capa extra que acaba enganchándote a fondo.
En "Yorimoi" hay una línea argumental continua, que capítulo tras capítulo conduce a la conclusión de la serie. Con fantástico dibujo se pueden reconocer escenarios diferentes que te transportan a distintos lugares de Japón y del mundo con mucho realismo. Y en cada episodio conocemos cada vez un poco más de cada personaje.
Reímos con ellas. Se pasan apuros por ellas. Nos enfadaremos con ellas; Y lloraremos. Pero sólo un poquito. ¡Maldita sea!; Si tienes un miligramo de empatía prepara varios cubos para evacuar lágrimas con el penúltimo episodio. O sáltatelo. En serio, lo digo. El episodio 12 termina con el puñetazo más grande en todos los "feels" que he sentido en un anime en mucho tiempo. Una dosis de realidad que, quizás no te esperas en un anime tan dulce y lleno de candor moe. Aunque casi toda la serie está llena de anticipaciones y sabemos que llegará el momento en que tendremos que afrontarlo, tan intensamente como las protagonistas a las que hemos acompañado.
Pero la sensación final con el episodio 13 es de querer que haya más Yorimoi. Poesía pura y varios epílogos fantásticos que dejan buen sabor de boca. Para cerrar bien todo lo contado que no es poco.
Después de haber disfrutado todos y cada uno de los capítulos de la serie.
Los temas que más relevancia cobran son el valor y origen de la amistad. La consecución de las propias metas, sueños e ilusiones pese a lo que piensen o hagan los demás. La constancia y determinación. La perdida de un ser querido. Y, por supuesto, viajar al Polo Sur. Una experiencia vital que merece la pena ser vivida aunque sea en forma de anime.
El título de la serie trae sorpresa porque tiene la palabra espacio 宇宙 que se lee normalmente Uchū; pero le dan la lectura, también válida en japonés de Sora; que significa cielo. Es una forma más poética de decir "Un lugar más lejano que el espacio".
Traducirlo por "universo" en español creo que no quedaría bien, ya que todo forma parte del universo y no puedes alejarte de lo que formas parte; El espacio sin embargo se interpreta como lo que hay más allá de la atmósfera de nuestro planeta.
El título de la serie tiene más sentido dentro de la trama principal donde se habla continuamente de un libro con ese título y se dice la frase "Sora yori mo tooi basho" y también con la otra lectura "Uchū yori mo tooi basho" en distintos contextos.
Algo que quizás requiere entender un poco más de literatura y folklore japonés para comprender el uso que se hace de las palabras en cada momento. Yo lo interpretaría de modo que cuando dicen Uchū(espacio o universo) pueden aludir indirectamente al mito de que las personas que mueren se convierten en estrellas y van al espacio como en "Tren nocturno de la Vía Láctea" de Kenji Miyazawa. Y ese lugar está demasiado lejos de nuestro alcance.
Serie original del mismo equipo de Madhouse que creó "No game, no life". Pero totalmente alejado de la temática y estilo de ésta. Y, en mi opinión, es una serie genial.
En este caso estamos ante una serie de estilo vivencias. Pero lo mostrado no son vidas cotidianas corrientes en absoluto. Ya que sus protagonistas quieren llegar a la Antártida. Eso está muy alejado de las típicas series de vivencias. Y como a unos 14.000 kilómetros de Tokio.
El diseño de personajes recuerda a K-On, con estudiantes de instituto, personalidades similares. Incluso la canción del opening tiene un breve toque de batería inicial similar a la serie de Kyoto Animation.
Pero esta serie, como ya he dicho, va más lejos que un anime de vivencias de KyoAni, A-1 Pictures o Silver Link. También hay un episodio que recuerda bastante por el escenario y la acción a "Yama no susume" del Estudio 8-Bit, también chicas de instituto que escalan montañas y ven amaneceres (go-raikō).
Pero aquí, los personajes tienen un aura especial, una capa extra que acaba enganchándote a fondo.
En "Yorimoi" hay una línea argumental continua, que capítulo tras capítulo conduce a la conclusión de la serie. Con fantástico dibujo se pueden reconocer escenarios diferentes que te transportan a distintos lugares de Japón y del mundo con mucho realismo. Y en cada episodio conocemos cada vez un poco más de cada personaje.
Reímos con ellas. Se pasan apuros por ellas. Nos enfadaremos con ellas; Y lloraremos. Pero sólo un poquito. ¡Maldita sea!; Si tienes un miligramo de empatía prepara varios cubos para evacuar lágrimas con el penúltimo episodio. O sáltatelo. En serio, lo digo. El episodio 12 termina con el puñetazo más grande en todos los "feels" que he sentido en un anime en mucho tiempo. Una dosis de realidad que, quizás no te esperas en un anime tan dulce y lleno de candor moe. Aunque casi toda la serie está llena de anticipaciones y sabemos que llegará el momento en que tendremos que afrontarlo, tan intensamente como las protagonistas a las que hemos acompañado.
Pero la sensación final con el episodio 13 es de querer que haya más Yorimoi. Poesía pura y varios epílogos fantásticos que dejan buen sabor de boca. Para cerrar bien todo lo contado que no es poco.
Después de haber disfrutado todos y cada uno de los capítulos de la serie.
Los temas que más relevancia cobran son el valor y origen de la amistad. La consecución de las propias metas, sueños e ilusiones pese a lo que piensen o hagan los demás. La constancia y determinación. La perdida de un ser querido. Y, por supuesto, viajar al Polo Sur. Una experiencia vital que merece la pena ser vivida aunque sea en forma de anime.
El título de la serie trae sorpresa porque tiene la palabra espacio 宇宙 que se lee normalmente Uchū; pero le dan la lectura, también válida en japonés de Sora; que significa cielo. Es una forma más poética de decir "Un lugar más lejano que el espacio".
Traducirlo por "universo" en español creo que no quedaría bien, ya que todo forma parte del universo y no puedes alejarte de lo que formas parte; El espacio sin embargo se interpreta como lo que hay más allá de la atmósfera de nuestro planeta.
El título de la serie tiene más sentido dentro de la trama principal donde se habla continuamente de un libro con ese título y se dice la frase "Sora yori mo tooi basho" y también con la otra lectura "Uchū yori mo tooi basho" en distintos contextos.
Algo que quizás requiere entender un poco más de literatura y folklore japonés para comprender el uso que se hace de las palabras en cada momento. Yo lo interpretaría de modo que cuando dicen Uchū(espacio o universo) pueden aludir indirectamente al mito de que las personas que mueren se convierten en estrellas y van al espacio como en "Tren nocturno de la Vía Láctea" de Kenji Miyazawa. Y ese lugar está demasiado lejos de nuestro alcance.
Publicado por
Freddyncalm
el
31.3.18
Un lugar más lejano que el cielo - 宇宙よりも遠い場所 (A place further than the universe)
2018-03-31T05:10:00+02:00
Freddyncalm
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miércoles, 28 de febrero de 2018
Desaparecido (Erased) - 僕だけがいない街
Esta serie anime emitida en Japón entre enero y marzo de 2016, también hecha dorama, con 12 episodios están basados en el manga de misterio, intriga y fantasía de mismo título: "Boku dake ga inai machi" (La ciudad donde sólo falto yo).
El manga se empezó a publicar en la revista mensual de corte "seinen" de la editorial Kadokawa, Young Ace, desde 2012; llegando a alcanzar 8 tomos recopilatorios, más un tomo adicional, publicado en 2016 junto a una edición del mismo en formato novela ligera. El manga, entre otros reconocimientos, obtuvo la 2ª posición en los premios Manga Taishō de 2014, de entre 10 nominados.
Además del dorama, emitido por Netflix en casi todo el mundo este invierno de 2017/18, la franquicia tiene también una versión cinematográfia con personajes de carne y hueso estrenada en marzo de 2016.
El anime, producido por los impecables estudios A-1 Pictures, es una serie que te atrapa de principio a fin. Raro es el día que veo más de un episodio de una misma serie. Pero con está no me pude contener en ver dos cada día.
Son sólo 12 episodios que te sumergen en una historia de suspense muy bien contada.
El episodio 11 tiene un toque sorprendente en cuanto a producción.
Con detalles que aparecen, o quizás sería mejor decir, no aparecen en el opening inicial; o, más bien, ambas cosas a partes iguales. Y no digo nada más para no dar pistas.
La trama comienza en el año 2006 girando en torno a Satoru Fujinuma, un mangaka aspirante que debe trabajar repartiendo pizza para subsistir en Funabashi, muy cerca de Tokio, en la prefectura de Chiba.
Satoru tiene un extraño poder involuntario que le muestra acontecimientos futuros de modo que, si está muy alerta, podrá deducir qué va a pasar y resolver sucesos o accidentes al volver unos minutos atrás en el pasado.
Pero un grave suceso relacionado con unos asesinatos en serie llevará de vuelta a los años de su infancia a Satoru; hasta el año 63 de la era Shōwa, 1988. Cuando vivía en su pueblo natal de Hokkaidō, Tomakomai.
Poco a poco Satoru recuerda aquellos tiempos casi olvidados y trata de evitar a toda costa que una compañera de su clase, Kayo, llegue a ser la primera de una lista de misteriosas desapariciones que hubo en su época.
La trama es altamente intrigante, y el escenario escogido acompaña muy bien a las sórdidas situaciones que se plantean.
El dibujo y animación es excelente. Y la acción, y misterios resueltos poco a poco en la serie merecen mucho la pena disfrutarlas.
Por si fuera poco, la sin par Yuki Kajiura ha sido la responsable de aportar la banda sonora que multiplican por mil las emociones que destila todo el anime.
Si ya has visto la serie, te recomiendo echar un vistazo a los fondos de algunos lugares que aparecen en los episodios comparados con las fotos de los lugares reales en esta web de peregrinaje anime.
El manga se empezó a publicar en la revista mensual de corte "seinen" de la editorial Kadokawa, Young Ace, desde 2012; llegando a alcanzar 8 tomos recopilatorios, más un tomo adicional, publicado en 2016 junto a una edición del mismo en formato novela ligera. El manga, entre otros reconocimientos, obtuvo la 2ª posición en los premios Manga Taishō de 2014, de entre 10 nominados.
Además del dorama, emitido por Netflix en casi todo el mundo este invierno de 2017/18, la franquicia tiene también una versión cinematográfia con personajes de carne y hueso estrenada en marzo de 2016.
El anime, producido por los impecables estudios A-1 Pictures, es una serie que te atrapa de principio a fin. Raro es el día que veo más de un episodio de una misma serie. Pero con está no me pude contener en ver dos cada día.
Son sólo 12 episodios que te sumergen en una historia de suspense muy bien contada.
El episodio 11 tiene un toque sorprendente en cuanto a producción.
Con detalles que aparecen, o quizás sería mejor decir, no aparecen en el opening inicial; o, más bien, ambas cosas a partes iguales. Y no digo nada más para no dar pistas.
La trama comienza en el año 2006 girando en torno a Satoru Fujinuma, un mangaka aspirante que debe trabajar repartiendo pizza para subsistir en Funabashi, muy cerca de Tokio, en la prefectura de Chiba.
Satoru tiene un extraño poder involuntario que le muestra acontecimientos futuros de modo que, si está muy alerta, podrá deducir qué va a pasar y resolver sucesos o accidentes al volver unos minutos atrás en el pasado.
Pero un grave suceso relacionado con unos asesinatos en serie llevará de vuelta a los años de su infancia a Satoru; hasta el año 63 de la era Shōwa, 1988. Cuando vivía en su pueblo natal de Hokkaidō, Tomakomai.
Poco a poco Satoru recuerda aquellos tiempos casi olvidados y trata de evitar a toda costa que una compañera de su clase, Kayo, llegue a ser la primera de una lista de misteriosas desapariciones que hubo en su época.
La trama es altamente intrigante, y el escenario escogido acompaña muy bien a las sórdidas situaciones que se plantean.
El dibujo y animación es excelente. Y la acción, y misterios resueltos poco a poco en la serie merecen mucho la pena disfrutarlas.
Por si fuera poco, la sin par Yuki Kajiura ha sido la responsable de aportar la banda sonora que multiplican por mil las emociones que destila todo el anime.
Si ya has visto la serie, te recomiendo echar un vistazo a los fondos de algunos lugares que aparecen en los episodios comparados con las fotos de los lugares reales en esta web de peregrinaje anime.
Publicado por
Freddyncalm
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28.2.18
Desaparecido (Erased) - 僕だけがいない街
2018-02-28T14:06:00+01:00
Freddyncalm
drama|fantasia|misterio|rural|seinen|suspense|
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domingo, 28 de enero de 2018
Lū over the wall. 『夜明け告げるルーのうた』(Yoake tsugeru rū no uta)
"Yoake tsugeru Rū no uta" (夜明け告げるルーのうた - La canción del amanacer de Lū) es una película dirigida por Masaaki Yuasa, como todas las producidas por el nuevo estudio Science Saru; que ha tenido pluriempleado al ínclito director, además de con esta película, con una famosa serie Netflix y otra película más que tengo pendiente de ver.
"Lu over the wall" (título internacional) ha ganado premios del festival de Annecy 2017 a mejor película (por encima de otros anime muy importantes) y del festival Mainichi 2017, donde logró el premio "Ōfuji Noburō" que sólo lo han ganado películas muy destacadas en su época en el apartado de diversas técnicas de animación; Un premio que empezó ganando el dios el manga, Osamu Tezuka, con "Tales of a street corner" en 1962. Y que también han logrado obras como Naüsica, de Miyazaki, Millenium Actress de Satoshi Kon, Tekkonkinkreet de Michael Arias, o "Kono sekai no kata sumi ni" (In this corner of the world), de Sunao Katabuchi. Y además, en 2004, coincide que Masaaki Yuasa se llevó también este mismo premio con su película "Mind Game".
Esta película destaca por su escenario en un pueblo costero llamado Hinashi(literalmente, "Sin sol"); La divertida animación de bailes, que ya exhibía Masaaki en Mind Game; Y una buena dosis de humor, originalidad y algo de acción y fantasía.
Kai es un chico que vive en Hinashi algo frustrado porque su porvenir en el pequeño pueblo sólo augura dedicarse a fabricar sombrillas/paraguas, como su abuelo, o trabajar en la industria pesquera, aunque lo que más le gusta es producir música y compartirla en Internet.
El abuelo de Kai le advierte que la música es peligrosa porque atrae a las sirenas que son culpables de desapariciones de pescadores y terribles maldiciones en el pueblo. La música de Kai atrae a Lū, una sirena a la que le gusta mucho cantar y bailar con todo el mundo, sin comerse a nadie; lo que ayuda a Kai a ver la historia de su abuelo como un prejuicio y motiva a perseguir su sueño de seguir haciendo música.
Kai se une a una banda de música de amigos de la escuela para ensayar en secreto y tratará de ayudar a Lū a tener una convivencia normal en el pueblo pese a que no puede soportar la luz directa del sol y personas con prejuicios no están dispuestas a que seres como una sirena sean tratados de forma amistosa.
La banda sonora está firmada por Takatsugu Muramatsu, conocido por su música de El recuerdo de Marnie, o, la más reciente, Mary to majo no hana. Aunque, dada la temática con una banda musical, lo más destacado son las canciones "pop" compuestas para distintas escenas de la película; y aún así son resumidas para no cansar al público más ávido de acción.
Del tema de "peregrinaje anime" poco se sabe. El pueblo es totalmente ficticio y bebe un poco de otras películas con sirena como Ponyo. Algunos situan algún rincón de la película por la prefectura de Shimane en unas cuevas conocidas como Tatamigaura(畳ヶ浦). Y se dice que otras partes del pueblo pueden estar inspiradas en zonas de la prefectura de Aichi o Kioto.
"Lu over the wall" (título internacional) ha ganado premios del festival de Annecy 2017 a mejor película (por encima de otros anime muy importantes) y del festival Mainichi 2017, donde logró el premio "Ōfuji Noburō" que sólo lo han ganado películas muy destacadas en su época en el apartado de diversas técnicas de animación; Un premio que empezó ganando el dios el manga, Osamu Tezuka, con "Tales of a street corner" en 1962. Y que también han logrado obras como Naüsica, de Miyazaki, Millenium Actress de Satoshi Kon, Tekkonkinkreet de Michael Arias, o "Kono sekai no kata sumi ni" (In this corner of the world), de Sunao Katabuchi. Y además, en 2004, coincide que Masaaki Yuasa se llevó también este mismo premio con su película "Mind Game".
Esta película destaca por su escenario en un pueblo costero llamado Hinashi(literalmente, "Sin sol"); La divertida animación de bailes, que ya exhibía Masaaki en Mind Game; Y una buena dosis de humor, originalidad y algo de acción y fantasía.
Kai es un chico que vive en Hinashi algo frustrado porque su porvenir en el pequeño pueblo sólo augura dedicarse a fabricar sombrillas/paraguas, como su abuelo, o trabajar en la industria pesquera, aunque lo que más le gusta es producir música y compartirla en Internet.

Kai se une a una banda de música de amigos de la escuela para ensayar en secreto y tratará de ayudar a Lū a tener una convivencia normal en el pueblo pese a que no puede soportar la luz directa del sol y personas con prejuicios no están dispuestas a que seres como una sirena sean tratados de forma amistosa.
La banda sonora está firmada por Takatsugu Muramatsu, conocido por su música de El recuerdo de Marnie, o, la más reciente, Mary to majo no hana. Aunque, dada la temática con una banda musical, lo más destacado son las canciones "pop" compuestas para distintas escenas de la película; y aún así son resumidas para no cansar al público más ávido de acción.
Del tema de "peregrinaje anime" poco se sabe. El pueblo es totalmente ficticio y bebe un poco de otras películas con sirena como Ponyo. Algunos situan algún rincón de la película por la prefectura de Shimane en unas cuevas conocidas como Tatamigaura(畳ヶ浦). Y se dice que otras partes del pueblo pueden estar inspiradas en zonas de la prefectura de Aichi o Kioto.
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Freddyncalm
el
28.1.18
Lū over the wall. 『夜明け告げるルーのうた』(Yoake tsugeru rū no uta)
2018-01-28T19:52:00+01:00
Freddyncalm
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